具体描述
"The Encyclopedia of Musical Instruments" traces the evolution of traditional "families" of instruments found in music, the not-so-familiar instruments from which they developed, and the most significant examples of ethnic equipment found in different cultures around the world. The stimulating texts are complemented by some 300 illustrations.
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读后感
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用户评价
说实话，当我读完这本书的前三分之一时，我感到一种深深的错位感。我的兴趣点在于声音的构造、波形的塑形以及空间化处理，我期待的是一种关于“振动如何被数字化并重构成新的听觉体验”的哲学探讨。我希望作者能够深入挖掘诸如Granular Synthesis（颗粒合成）在塑造超现实音景中的潜力，或者对早期数字混响算法的细微差别进行技术性的比较分析。然而，这本书似乎完全无视了自1990年代以来数字技术对节奏和音色产生的颠覆性影响。它沉迷于对木制打击乐器（如木琴和木鱼）的纤维结构分析，以及如何通过不同的鼓槌材料（羊毛、毡、硬塑料）来改变共振频率。这部分内容详尽得有些过分，几乎达到了植物学研究的级别。当我翻到中间部分，本以为会涉及一些关于Trance或Techno音乐中的复杂循环结构，结果发现，作者只是用了一小节来象征性地提到“现代音乐中出现了更快的节奏”，然后立刻转回了对康加鼓和邦戈鼓传统调音法的细致描述。这种对历史发展路径的严重偏离，让我感觉自己手捧的不是一本关于“打击乐与电子乐”的书，而更像是一部专注于非洲和拉丁美洲传统打击乐器的详尽田野调查报告。我对传统乐器的尊重是毋庸置疑的，但这本书的命名显然具有误导性，它未能触及任何与电子声音生成或处理相关的核心议题。
评分我带着对实验音乐和声音艺术的好奇心打开了这本书，我本以为会读到关于模块化合成器之间的复杂互动，或者关于如何使用计算机算法来生成非欧几里得的节奏型。我的核心兴趣在于“系统性”和“可编程性”如何影响节奏的构建。书中引用的案例几乎全部是基于人类演奏者的即兴发挥或对既定乐谱的精确再现。当我翻到探讨“重复性”的部分，我本能地预期会看到对“Loop”（循环）概念的深入挖掘，以及量化（Quantization）技术对律动的改造。结果，作者只是用了一个比喻，将重复的节奏比作钟表的滴答声，然后将重点转回到了不同材质的鼓皮在潮湿气候下的松紧度变化对音色的影响。这是一种对“永恒不变的物理特性”的过度关注，而完全忽略了“可变的时序和音色设计”这一电子乐的精髓。这本书在技术层面的探讨几乎停留在拾音器和基础放大器阶段，对于任何涉及数字信号处理（DSP）或现代音序编程的内容，都找不到哪怕是片言只语的提及。它似乎错失了过去半个世纪最重要的音乐技术变革，固执地将“打击乐”局限在了其物理形态和传统演奏语境之中，令人深感遗憾。
评分这本书的书名是《Percussion and Electronic Instruments》，但我需要写出不包含此书内容的五段图书评价。 这本书的封皮设计极其精美，那种复古的字体和略带磨损的质感，立刻把我拉回到上世纪八十年代初期的那个电子音乐刚刚崭露头角的时代。我原本满心期待能在这本书里找到关于早期合成器编程的深度剖析，特别是那些奠定了工业噪音和氛围音乐基础的模块化系统，比如Buchla和Moog早期的那些复杂结构。然而，当我翻开第一章，我发现它几乎完全集中在了十九世纪中叶的管弦乐配器法上，详细描述了定音鼓的调音技巧，以及如何用大鼓来强调某个特定的和弦解决。随后，作者花了大量的篇幅来探讨中式或非裔传统打击乐器在古典乐团中的引入，这虽然有趣，但与我期待中的电子乐前沿探索相去甚远。书中对电子乐的提及，仅仅是作为一种对传统乐器音色的“补充”或“模仿”，而非一种独立的艺术形式来研究。我试图在后面的章节里找到关于采样技术的历史演变，或是对早期MIDI协议的深入解读，结果却只看到了一堆关于马林巴木材选择和颤音琴的演奏技巧的图表。这本书更像是一本面向传统音乐学院学生的乐器百科全书，而不是一本面向当代音乐制作人的指南。对于期望了解数字音频工作站（DAW）如何影响节奏编排的读者来说，这本书提供的视角显得过于陈旧和保守了。我希望看到的是对声音设计哲学层面的探讨，而不是仅仅停留在“如何敲击”的层面。
评分我以一种近乎挑剔的眼光来审视任何关于“电子乐”的书籍，因为这个领域的发展日新月异，要求作者必须具备跨越数十年的技术视野。我购买这本书，是想了解一些关于合成器音色库构建的内部逻辑，尤其是那些复杂的预设是如何通过振荡器、滤波器和包络的组合实现的。我特别关注了序列器（Sequencer）在复杂节奏模式生成中的作用，比如对步进音序器（Step Sequencer）的硬件操作逻辑的解析。但这本书带给我的，是大量关于传统管乐器与打击乐器“交互”的篇章。作者似乎将“电子乐器”理解为一种仅仅用于模仿传统乐器音色的扩音设备。他花费了整整五章的篇幅，详细描述了如何通过安装拾音器来捕捉木琴的微小声音细节，以及如何通过调整混响器的弹簧长度来模拟“电子回声”的效果。这种“模拟”而非“创造”的思路，让我感到十分受限。书中完全没有提到任何关于环形调制（Ring Modulation）、频率调制（FM Synthesis）或是加法合成器的底层原理。对于一个期待深入了解数字声音雕刻艺术的读者来说，这本书的内容深度远远不及预期，它更像是一本关于“如何拾取和放大现有声音”的技术手册，而不是一本关于“如何从无到有构建声音世界”的论著。
评分从文学性的角度来看，这本书的叙事风格相当平铺直叙，缺乏一种能够抓住现代读者注意力的叙事张力。我希望看到的是一种关于“声音的革命”的故事，关于那些突破边界的先驱者如何将电流转化为音乐的史诗。我期待的章节标题可能是“当晶体管取代木槌：节奏的解放”之类的，用以探讨技术进步如何重塑了音乐的本质。然而，这本书的章节划分非常传统，例如：“打击乐器的构造学”、“乐队中的打击乐位置”、“打击乐的动态控制初探”。其中关于“动态控制”的部分，作者竟然详细阐述了如何用脚踏板来控制大鼓的闷音，而非讨论压缩器（Compressor）的阈值和比率在电子节奏构建中的作用。更令人费解的是，它用大量篇幅描述了指挥家在指挥节奏部分时如何用手势来统一不同打击乐手之间的微妙时间差。这虽然是古典乐实践的一部分，但与“电子乐器”这个主题的关联性微弱得令人发指。这本书的视角始终停留在“现场演奏”的框架内，对于电子音乐赖以生存的“预编程”和“时间精度”的概念，几乎是避而不谈。它仿佛一本被遗忘在历史角落的乐谱伴奏指导手册，对于理解现代音乐制作流程毫无裨益。
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