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出版者:Orca Book Pub

作者:McDonnell, Kathleen

出品人:

页数:199

译者:

出版时间:

价格:116.00 元

装帧:Pap

isbn号码:9781896764894

丛书系列:

图书标签:

• 表演
• 戏剧
• 舞台
• 娱乐
• 艺术
• 文化
• 技巧
• 指导
• 幕后
• 制作

《一场戏的呈现》 一场关于艺术、技艺与梦想的沉浸式探索 《一场戏的呈现》并非一本描绘舞台上光鲜亮丽的剧本合集，也不是一本详尽阐述剧目创作流程的实用手册。它更像是一幅徐徐展开的画卷，邀请读者一同走进幕后，去感受一场演出从无到有、从构想到落地的所有微妙之处。这本书将带领你深入探究“呈现”——这个看似简单却承载了无数心血与智慧的词汇背后，所蕴含的丰富层次与复杂性。 这本书的关注点在于“如何让一个想法、一个故事、一种情绪，最终以一种触动人心的形式呈现在观众面前”。它探讨的不仅仅是演员的表演，更包括了剧本打磨的精细、导演的独到视角、舞美设计的巧思、灯光音响的魔力，以及服装道具如何成为叙事的延伸。每一次的“呈现”都是一次独特的创造，一次对现实世界的变形与重塑，一次与观众心灵的共振。 幕后百态：揭示艺术的肌理 《一场戏的呈现》将带领你深入剧场、排练厅、道具间，甚至服装设计师的工作室。你将有机会窥见： 剧本的诞生与演变： 探索剧本如何从最初的灵感火花，经过一次次修改、打磨，直至成为舞台上的灵魂。它将剖析对话的潜台词，场景的暗示，以及角色弧光的构建，让读者理解文字如何承载情感与思想。 导演的眼睛与决策： 深入理解导演在排练场上的角色，他们如何解读剧本，如何引导演员挖掘角色的深度，如何组织调度庞杂的元素，最终将他们的艺术构想化为具体的舞台行动。这本书将展现导演如何像一位建筑师，搭建起舞台的骨架。 舞美设计的想象力： 探索布景、道具如何不仅仅是背景，更是故事的有机组成部分。从一扇窗的细节，到一座城的宏伟，舞美设计如何用空间、质感和色彩来营造氛围，传达信息，甚至成为叙事的主角。 灯光与音响的诗意： 了解灯光如何用光影的明暗、色彩的冷暖来塑造情绪，引导观众的视线，定义空间。以及声音设计，从细微的环境音到震撼人心的配乐，如何营造氛围，放大情感，成为无形却至关重要的力量。 服装与造型的语言： 探讨服装和造型如何超越遮体保暖的功能，成为角色身份、性格、甚至内心世界的视觉符号。它们如何与时代背景、人物关系相互呼应，默默诉说着故事。 一场演出的旅程：从概念到现实 这本书并非零散地介绍各个艺术门类，而是将它们有机地联系起来，展现一个完整的“呈现”过程： 初见构想： 故事的缘起，最初的设想，以及艺术家们如何围绕这一核心进行头脑风暴，激发灵感。 排练的锤炼： 舞台排练的艰辛与乐趣，演员与导演的磨合，即兴的碰撞，以及如何通过反复尝试找到最精准的表达。 技术整合的魔力： 灯光、音响、舞美等技术部门如何与艺术部门紧密合作，将抽象的设计转化为具体的舞台呈现。 最后的彩排： 所有元素的汇聚，最终的检验，以及所有参与者如何共同迎接演出的到来。 与观众的对话： 演出结束后，观众的反馈、评论，以及艺术家们如何从每一次“呈现”中学习与成长。 不止于舞台，更关乎生活 《一场戏的呈现》所探讨的“呈现”哲学，并不仅仅局限于戏剧舞台。它触及了更广泛的意义： 沟通的艺术： 我们如何在工作、生活中，以更有效、更有力的方式将自己的想法、情感传达给他人？ 创造的本质： 任何形式的创作，无论是绘画、音乐、写作，还是生活中的一个细节，都蕴含着“呈现”的逻辑。 对他人的理解： 站在别人的角度，去理解他们如何“呈现”他们的世界，以及我们如何更好地与他们互动。 这本书适合所有对艺术创作怀有好奇之心的人，也适合那些希望提升自身沟通与表达能力，以及渴望更深刻理解世界运作方式的读者。《一场戏的呈现》邀请你一同踏上一段发人深省的旅程，去发现“呈现”背后的无数可能，以及它如何塑造我们的感知，丰富我们的生活。它不提供简单的答案，而是提供一种更广阔的视角，让你去观察，去思考，去感受，最终去创造属于你自己的精彩“呈现”。

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我花了很长时间才把这本关于舞台美术设计，特别是场景构建的书看完，但每一页的阅读体验都像是进行了一次沉浸式的建筑考察。这本书的侧重点完全不在于服装或者道具的华丽程度，而是聚焦于空间如何影响观众的心理感受和故事的叙事节奏。作者花了大量的篇幅讨论“环境心理学”在剧场空间中的应用。比如，一个高挑、空旷的舞台如何自然地产生压迫感和疏离感，而一个被复杂垂直结构分割的空间又如何暗示着社会阶层或人物关系中的错综复杂。书中详尽地分析了不同时代剧场建筑的演变，从古希腊的露天剧场到伊丽莎白时代的环形剧场，再到现代的“黑箱剧场”，每一个空间形式的转变都对应着戏剧表达的需求升级。对我来说，最有启发性的是关于“移动布景”的章节。它不仅仅展示了机械原理，更深入探讨了场景切换时所传达的时间流逝感——快速的机械升降代表着时间的跳跃，而缓慢的、可见的布景移动则强调了过程的痛苦或重要性。这本书的图示极其详尽，有许多手绘的草图和模型照片，让我这个非科班出身的人，也能清晰地想象出那些复杂的设计是如何从蓝图变为现实的。

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天哪，我最近读完了一本关于舞台灯光设计的书，简直是目不转睛！这本书的深度和广度都让我叹为观止。它不仅仅是罗列了各种灯具的规格和技术参数，更像是带你走进了剧场后台，亲身感受灯光设计师如何将冰冷的光束转化为充满情感的叙事工具。作者对色彩理论的阐述极其精妙，不是那种枯燥的教科书式讲解，而是结合了大量的实际案例，比如如何用琥珀色营造出温暖的怀旧感，或者如何用冷峻的蓝绿色暗示疏离和危险。我特别喜欢其中关于“情绪照明”的章节，书中详细分析了莎士比亚戏剧和现代音乐剧在灯光处理上的巨大差异，从早期的蜡烛照明到如今先进的LED矩阵系统，每一步的技术革新背后都蕴含着艺术追求的演变。这本书的图文并茂做得也非常好，那些剖面图和布光示意图清晰明了，即便是像我这样对技术细节不太敏感的读者，也能迅速领会其精髓。读完之后，我再去看任何一场演出，都会不自觉地关注灯光的变化，仿佛拥有了一双能看穿舞台魔术的眼睛。它彻底改变了我对舞台艺术的理解，让我明白了灯光不是辅助，它本身就是舞台上最强大的语言之一。这本书的结构安排也十分合理，从基础光学知识到复杂的灯光编程控制，循序渐进，让人觉得学习的过程充满乐趣而非负担。

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我最近翻阅了一本关于演员身体运用和非语言交流的指南，这本书的视角非常独特，它几乎完全绕开了传统的台词训练，而是将演员的身体视为最原始、最直接的表达工具。作者似乎深受默剧和形体剧的影响，全书充满了对人体动态潜能的探索。书中提出的一个观点令我深思：在极简主义舞台上，一个演员抬起手臂的“意图”所蕴含的信息量，可以超过一整段华丽的独白。它详细描述了如何通过呼吸控制来塑造角色的情绪重量和物理存在感，比如一个长期遭受压迫的角色，其呼吸会是如何短促而浅薄。书中收录了大量的肢体练习，这些练习与其说是训练，不如说是对身体记忆和本能反应的挖掘。比如如何通过微小的肌肉颤动来表现内心的巨大挣扎，或者如何利用重心的突然转移来表达角色的权威或崩溃。这本书的叙述方式非常具有指导性，它没有要求你模仿某个大师的风格，而是鼓励读者去“发现”自己身体语言的独特“词汇库”。阅读它，就像是在进行一次深入的自我身体探索，让你重新认识到，表演的根本力量，永远来自于那个活生生的、有呼吸的躯壳。

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这本关于声音设计与音乐编排的著作，简直是为那些认为“听觉体验”仅仅是背景音乐的业内人士敲响了警钟。作者极其强调声音在构建世界观和推动戏剧冲突中的核心地位。书中有一个核心观点：沉默和噪音，与精心挑选的旋律同等重要。我对其中关于“声景构建”的部分印象极其深刻，它教导我们如何通过环境声（如远处的钟声、近处的喘息声、雨水的节奏）来精确地锚定时间和地点，甚至预示角色的内心状态。这不是简单的音效堆砌，而是一种精密的“听觉编织”。作者还详细比较了现场乐队与预录音乐在戏剧张力上的差异，分析了交响乐配乐在歌剧中如何与角色的咏叹调形成动态的对抗与融合。最令我惊艳的是，书中分析了如何使用不和谐音和频率控制来制造观众的生理不适感，从而达到叙事上的目的——比如在恐怖剧中，低频的次声波如何潜移默化地影响观众的情绪。这本书的语言风格非常学术化，充满了严谨的术语和参考文献，但正因如此，它提供的洞察力才显得如此具有权威性和深度。它成功地将声音艺术从纯粹的技术范畴提升到了哲学思辨的层面。

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这本书简直是为那些渴望深入了解剧本改编和角色塑造的剧作家量身定做的！它没有直接给出“如何写作”的公式，而是通过解构一系列经典改编案例——从小说到舞台剧，再到后来的电影版本——揭示了叙事结构在不同媒介间转换时所必须经历的取舍和重塑。作者的分析角度非常犀利，比如探讨了当文字描述的内心独白必须转化为视觉动作时，剧作家如何巧妙地运用舞台空间和非语言线索来承载信息量。我尤其欣赏它对“留白”艺术的讨论。在舞台上，你不能像小说那样事无巨细地描述人物的过往，所以如何通过道具的摆放、演员走位的设计，甚至舞台上那片刻的寂静来暗示人物的深层动机，成了至关重要的技巧。书中引用了大量不同流派剧作家的访谈录，他们的见解五花八门，有的强调结构完整性，有的则主张打破线性叙事，这种多元化的视角极大地拓宽了我的思路。阅读过程中，我感觉自己像是在参与一场高水平的研讨会，不断地被提出新的问题，激发我反思自己以往的创作习惯。这本书的价值在于它挑战了我们对“完整故事”的固有认知，让我们意识到，好的舞台作品往往是关于“暗示”而非“告知”的艺术。

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