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出版者:中国林业出版社

作者:

出品人:

页数:255

译者:

出版时间:2014-1-1

价格:68.00元

装帧:平装

isbn号码:9787503873102

丛书系列:

图书标签:

• 花艺
• 花艺
• 插花
• 花艺设计
• 花艺技巧
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• 生活美学
• 艺术

艺术之境：探寻西方古典油画的辉煌遗产 本书并非探讨花卉艺术或园艺技巧，而是带领读者潜入西方油画的宏伟殿堂，专注于十九世纪末至二十世纪初，一个艺术思潮剧烈变革的黄金时代。我们将聚焦于印象派、后印象派以及野兽派的先驱们，如何以革新的笔触、对光影的全新理解，以及对主观情感的彻底释放，彻底颠覆了延续数百年的学院派传统，为现代艺术的诞生奠定了坚实的基础。 第一章：告别沙龙的束缚——印象派的诞生与光影的革命 本章深入剖析了1874年首次独立展览的意义。我们不谈花卉的形态与色彩搭配，而是详尽研究莫奈（Claude Monet）如何将工作室搬至户外，力图捕捉“瞬间即逝的光影”这一哲学命题。我们将细致分析《日出·印象》中松散、未加修饰的笔触，以及这种技法如何被当时的评论家视为“未完成的草稿”。 接着，我们将考察雷诺阿（Pierre-Auguste Renoir）在描绘巴黎市民日常生活中的独特视角。他的作品中对女性肌肤的柔和处理，以及对集体欢乐场景的捕捉，体现了对生活本身的赞美。此外，我们还将对比德加（Edgar Degas）对运动瞬间的敏锐洞察，他如何运用非对称构图和对舞台灯光的理解，使芭蕾舞女和赛马场景充满了动态的张力。本章的重点是技术层面：颜料的直接堆叠、对黑色（Shadow Black）的彻底摒弃，以及如何通过并置的纯色来达到色彩的自然混合，而非传统画家的物理混合。 第二章：理性与情感的张力——后印象派的多元路径 印象派的松散性引发了一批更具结构化和内省倾向的艺术家，他们即后印象派。本章将分别阐述塞尚（Paul Cézanne）、梵高（Vincent van Gogh）和高更（Paul Gauguin）三位巨匠截然不同的探索方向。 塞尚的贡献在于对形式的重构。我们详细分析他如何将自然物体简化为圆柱体、球体和圆锥体，试图在瞬间的视觉感受中找到永恒的结构。他的后期风景画，如对圣维克多山的反复描绘，实际上是对立体主义的最初预演。我们探讨他对“色面”的运用，即用不同色温的色块来取代传统的光影明暗法（Chiaroscuro）。 梵高的部分则聚焦于情感的爆发力。我们将分析他如何利用厚涂（Impasto）和旋转、波浪状的笔触来表达内在的焦虑和精神的狂热。他的色彩运用不再是描述性的，而是表达性的——如《星月夜》中那充满能量的星光和柏树的火焰般的形态。我们探究他如何通过色彩对比来达到情感上的高潮。 高更的旅程指向了对“原始”的回归。他对高地（Tahiti）的描绘，并非简单的异域风情记录，而是对西方文明的批判。本章重点分析“综合主义”（Synthetism）和“象征主义”（Symbolism）在他作品中的体现，特别是对平涂色块（Cloisonnism）的运用，以及如何利用色彩的象征意义来传达神秘和精神层面的主题。 第三章：色彩的解放——野兽派的先声与色彩的主观性 进入二十世纪初，艺术家的解放达到了一个新的高峰。野兽派（Fauvism）的出现，标志着色彩不再需要依附于客观对象的固有色。本章将详尽分析马蒂斯（Henri Matisse）和德兰（André Derain）如何将色彩提升到独立表达情感和空间的主导地位。 我们不再关注他们画作中描绘的静物或风景，而是分析他们对色彩的“暴力”使用。例如，使用纯红色来描绘阴影，或者用鲜亮的绿色来填充天空。这种对色彩的极度主观化处理，彻底打破了视觉再现的传统规范。本章将探讨马蒂斯如何通过色彩的和谐与不和谐来创造一种内在的平衡感，以及德兰在科利乌尔（Collioure）时期作品中那种近乎装饰性的、对光线和饱和度的极致追求。我们分析野兽派如何通过简化形式和强烈的色彩对比，实现了对形式主义的初步解放，为后来的抽象艺术铺平了道路。 第四章：形式的解构与空间错位 最后，本章超越了对单一画派的描述，聚焦于那个时期艺术家们共同面临的一个核心问题：如何在二维平面上处理和表现三维空间。我们将探讨立体主义早期（Analytic Cubism）的萌芽，如何从塞尚的结构探索中接过火炬，并将其推向极端。 分析毕加索（Pablo Picasso）和布拉克（Georges Braque）如何系统性地分解物体，将其多角度的视图同时呈现在一个平面上。这种对“时间性”和“空间性”的并置处理，是油画史上一次深刻的认知革命。我们不再关注他们作品中对现实世界的模仿程度，而是深入研究他们如何使用有限的色调（如棕色、灰色调）来引导观众的注意力集中于形状和角度的重叠与交错，从而建立一种全新的视觉逻辑。 通过对这四个核心阶段的系统梳理，本书旨在为读者提供一个清晰的脉络，理解西方油画艺术如何从对自然的忠实再现，蜕变为对艺术家内在世界和视觉结构本身的深刻探索。这不仅是艺术史的演变，更是人类感知方式的一次重大飞跃。

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这本书的装帧设计非常吸引人，封面采用了柔和的米色调，搭配一幅精致的手绘插画，让人一眼就能感受到它散发出的那种宁静而又充满生命力的气息。纸张的质感也相当不错，厚实而有韧性，即使用力翻阅也不会轻易损坏，这对经常翻看参考资料的人来说简直是福音。内页的排版布局也深得我心，留白恰到好处，既保证了内容的清晰可读性，又不会让人感到拥挤。尤其是那些精美的图片，色彩还原度极高，细节处理得非常到位，即便是新手也能从中清晰地分辨出不同花材的纹理和形态。整体来看，这本书的制作水平完全达到了专业级别，无论是作为案头工具书还是作为收藏品，都非常值得入手。我特别喜欢它在细节上的用心，比如索引页的分类清晰明了，方便查找特定主题，这体现了作者对读者体验的充分考量。

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作为一名业余爱好者，我最大的困惑就是如何突破自己的“舒适圈”，总是习惯性地使用那几种熟悉的花材和造型。这本书大胆地引入了一些非传统花材的运用方法，比如一些形态奇特的绿植枝干、干枯的植物材料，甚至是矿石和木头的结合，这极大地拓宽了我的创作思路。它鼓励我们打破常规，去观察和捕捉日常生活中那些被忽略的美。其中关于“结构美学”的探讨尤其深刻，它不仅仅是教你如何平衡，更是引导你去思考作品的稳定性和视觉重量的分配，这在很多入门书籍中是很少涉及的深度内容。我按照书中的一个“极简主义”插花案例进行了尝试，成品简洁却富有张力，获得了周围朋友的一致好评，让我信心倍增。

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我最近在尝试将自然元素融入室内装饰，但苦于找不到系统性的指导，很多网上的教程零散且不成体系，让我无从下手。这本书的出现，简直像为我点亮了一盏明灯。它并没有停留于表面的花卉介绍，而是深入挖掘了色彩搭配的心理学原理，以及不同季节花材的特性与应用场景。我尤其欣赏其中关于“空间叙事”的章节，它教导我们如何通过花艺设计来讲述一个故事，或者营造一种特定的氛围，而不是简单地把花插在一个瓶子里。作者的讲解方式非常生动，仿佛一位经验丰富的大师在你身边耳提面命，用最朴实的语言阐述最专业的技巧。读完之后，我感觉自己对“美”的理解提升了一个层次，不再是盲目模仿，而是开始真正地理解花艺的灵魂所在。

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我最看重一本书的实用性和可操作性，这本书在这方面做得非常出色。它没有堆砌晦涩难懂的术语，而是用大量的步骤图和前后对比图，清晰地展示了每一个关键步骤的要领。比如，关于如何处理不同硬度花茎的剪切角度，书中就配有微距特写，让你能清楚看到最佳的切割面是什么样子。更贴心的是，书中还专门设置了一个“常见问题解答（FAQ）”单元，涵盖了从花材保鲜到工具选择等一系列新手会遇到的棘手问题，这些都是作者多年一线经验的结晶，对于我们这些需要即时反馈的学习者来说，价值千金。我感觉这本书更像是一位全天候的私人导师，随时可以翻阅解决疑惑。

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这本书的语言风格非常具有感染力，作者的文字中流淌着对生命和自然的热爱。它不仅仅是一本技能手册，更像是一本充满哲思的散文集。阅读过程中，我时常会停下来，细细品味那些关于“时间”、“瞬间”和“永恒”的描述，体会到花艺作为一种媒介，如何连接人与自然、人与情感的深层含义。这种富有诗意的表达方式，让学习过程变得无比愉悦和放松。它成功地将一种技术性的学科，提升到了一种艺术创作和精神修行的层面。每次读完一段文字，我都会感到内心被洗涤了一般，充满了对生活的热情和对创作的渴望，这正是很多纯粹的技术书籍所无法给予的宝贵体验。

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书是好书，不过插花对我来说too much

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很棒的书，超级实用。 从基础的入门造型，到进阶。颜色花材搭配都很经典。跟学的可操作性强。注意要点也都讲解的很清晰。

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西式花艺，绚丽

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西式花艺，绚丽

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很棒的书，超级实用。 从基础的入门造型，到进阶。颜色花材搭配都很经典。跟学的可操作性强。注意要点也都讲解的很清晰。