The Best Book of Ballet pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Kingfisher

作者:Angela Wilkes

出品人:

页数:32

译者:

出版时间:2007-9-15

价格:USD 6.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780753460917

丛书系列:

图书标签:

• 芭蕾舞
• 舞蹈
• 艺术
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• 表演艺术
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• 礼品书
• 插图
• 艺术教育

编织梦想的丝线：一部深入探索古典舞艺术的恢弘巨著 书名：《舞者的灵魂与舞台的辉光：古典芭蕾艺术的传承与革新》 书籍简介 《舞者的灵魂与舞台的辉光：古典芭蕾艺术的传承与革新》并非仅仅是一本介绍芭蕾舞步或历史年表的工具书，它是一部深入剖析古典芭蕾艺术深层结构、美学追求、技术演变及其在当代语境下如何挣扎与重生的深度研究。本书旨在为专业舞者、编舞家、艺术评论家，以及所有对人类肢体表达艺术抱有无限热忱的读者，构建一个全面而立体的认知框架。 本书的结构精心设计，分为“根基的铸造”、“黄金时代的辉煌与内省”、“现代的冲击与后古典的探索”以及“舞者的身体：技术、精神与伤痛”四大核心板块，力求从宏观的历史维度与微观的个体体验双重视角，描摹出古典芭蕾艺术的完整生命周期与复杂肌理。 第一部：根基的铸造——从宫廷到剧院的蜕变 本部分将追溯古典芭蕾的源头，探讨其如何在路易十四的法国宫廷中被系统化、规范化，并最终脱离贵族的娱乐范畴，登上专业剧院的舞台。 1. 欧洲宫廷礼仪与芭蕾起源： 详细解析十五、十六世纪欧洲宫廷舞蹈的仪式性与权力象征。重点分析意大利文艺复兴对法国舞蹈艺术的输入，以及皮埃尔·博尚（Pierre Beauchamp）如何确立了古典芭蕾“五大脚位”这一永恒基石。我们不仅会描述这些脚位，更会深入探讨它们背后的几何学原理和对人体姿态的哲学要求——即“外开”如何成为对自然限制的第一次反抗。 2. 教学体系的标准化与早期浪漫主义的萌芽： 探讨十九世纪初巴黎歌剧院（Opéra de Paris）在教学上的关键作用，以及如何形成第一个成熟的学院派体系。随后，本书将细致考察浪漫主义芭蕾（Romantic Ballet）的兴起，不仅仅是《仙女》（La Sylphide）和《吉赛尔》（Giselle）的剧情分析，更重要的是对“空气感”美学的追求——足尖技术的引入如何从一种技术挑战，转变为象征自由、轻盈与超越物质的精神追求。我们审视玛丽·塔里奥尼（Marie Taglioni）如何定义了这种新的女性形象。 第二部：黄金时代的辉煌与内省——俄罗斯的继承与法式传统的坚守 十九世纪末，俄国成为古典芭蕾的中心，本部分聚焦于这场艺术的“黄金时代”，以及随之而来的对传统规范的反思。 1. 佩蒂帕的建筑美学与古典芭蕾的巅峰： 详尽分析马里乌斯·佩蒂帕（Marius Petipa）在圣彼得堡帝国芭蕾团（后来的马林斯基剧院）的统治时期。这不是简单的剧目罗列，而是对佩蒂帕式“大双人舞”（Grand Pas de Deux）的结构进行解构，探讨其如何通过清晰的段落划分（慢板、变化、女独舞、男独舞、尾声）来展示技巧的完整性和戏剧的冲突。本书将对比《睡美人》中对形式的极致推崇与《天鹅湖》中对双重性（白天鹅与黑天鹅）的深刻表达。 2. 对“完美”的反思：俄罗斯先驱的早期探索： 当古典形式达到顶峰时，艺术家们开始感到束缚。本章将引入早期改革者的声音，特别是对瓦岗诺娃（Agrippina Vaganova）教学法的深入研究。瓦岗诺娃体系强调力量、地面接触和手臂（Port de Bras）的连贯性，她试图在佩蒂帕的结构下，为舞者注入更强的“俄式力量”，为后来的现代探索铺平道路。 第三部：现代的冲击与后古典的探索——颠覆与重构 二十世纪初的“俄罗斯芭蕾舞团”（Ballets Russes）是艺术史上一次巨大的文化海啸，它彻底改变了人们对芭蕾的认知。 1. 佳吉列夫的革命与艺术的跨界融合： 重点分析谢尔盖·佳吉列夫（Sergei Diaghilev）如何通过将尼金斯基（Nijinsky）、福金（Fokine）、巴兰钦（Balanchine）与斯特拉文斯基（Stravinsky）、毕加索（Picasso）等前卫艺术家结合，创造出具有强烈现代主义色彩的作品。福金对“五大动作”的突破性构想——强调动作的叙事性、与音乐的同步性以及对服饰的解放——如何挑战了古典的僵硬。 2. 巴兰钦的“纯粹动作”哲学： 本书将专门辟章讨论乔治·巴兰钦（George Balanchine）对古典语言的“解构与重建”。他的作品被称为“新古典主义”，但其核心是“音乐化”，即让动作本身成为叙事，而不是依附于剧本。我们分析他如何保留了古典的语汇（如转、跳），但彻底改变了其排列方式、速度和空间感，创造出真正属于二十世纪的、流线型的、速度极快的芭蕾形态。 3. 欧洲的抵抗与当代芭蕾的边界拓展： 考察英国皇家芭蕾（Royal Ballet）在弗雷德里克·阿什顿（Frederick Ashton）和肯尼斯·麦克米兰（Kenneth MacMillan）领导下，如何将心理现实主义和情感深度融入到经典框架中，探索人性中更黑暗、更私密的层面，从而在古典与现代之间搭建了成熟的桥梁。 第四部：舞者的身体：技术、精神与伤痛 本书的最后部分将视角收回到个体，探讨成为一名顶级古典舞者所需要的极端投入与付出的代价。 1. 核心技术解析：呼吸、重心与地心引力： 超越教科书式的描述，本章将结合生物力学知识，解析“支撑”（Appuyer）、“弹性”（Élasticité）和“重心转移”在高级技巧中的实际应用。我们探讨如何通过精确的肌肉控制，让身体在完成高难度动作时，仍能呈现出古典要求的“毫不费力”的错觉。 2. 舞者身体的文化建构与内在冲突： 深入讨论“轻盈”这一美学标准对舞者身体形态的塑造。探讨女性舞者在追求极致纤细与力量之间的内在矛盾，以及这种文化压力如何影响其心理健康。同时，我们也将分析男性舞者如何平衡古典的优雅（Port de Bras）与现代对爆发力的要求。 3. 艺术的延续性与未来语境下的挑战： 最后，本书展望古典芭蕾在数字化时代和多元文化背景下的生存状态。面对街舞、当代舞的冲击，以及公众对“传统”艺术形式的审美疲劳，古典芭蕾如何通过吸收新的技术、拓宽选角范围、并保持其核心美学价值，实现可持续的艺术生命力。本书认为，真正的革新并非抛弃传统，而是对传统语言的更深刻、更诚实的运用。 通过对技术、历史、美学和个体经验的立体交织，《舞者的灵魂与舞台的辉光》提供了一部详尽的艺术史诗，它不仅记录了芭蕾的过去，更在审视它如何承载着人类对超越性、完美与永恒之美的无尽渴望。

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《The Best Book of Ballet》这本书，让我体验到了一种“静谧的震撼”。它没有喧嚣的宣传，没有华丽的辞藻，但它所传递出的芭蕾艺术的精致和严谨，却深深地震撼了我。书中对于芭蕾服装和音乐的选择，以及它们如何共同营造出舞台氛围的描述，都极具匠心。我特别着迷于它对不同时期芭蕾服饰演变的介绍，从最初的蓬松裙摆到后来的紧身连体衣，每一次的变化都反映了时代审美和舞蹈技术的发展。同样，它对不同芭蕾音乐风格的解读，也让我对音乐与舞蹈的融合有了新的认识。书中还穿插了一些芭蕾大师的故事，他们的坚持、创新和对艺术的执着追求，给我留下了深刻的印象。读这些故事的时候，我仿佛能听到历史的回响，感受到艺术传承的力量。这本书让我明白，芭蕾不仅仅是优美的动作，更是一种综合的艺术表现，它融合了视觉、听觉，甚至情感的体验。

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这本书的阅读体验，对处于某个特定阶段的我来说，简直是“雪中送炭”。我曾经尝试过学习一些芭蕾的基本姿势，但总是不得要领，感觉动作僵硬，缺乏美感。阅读《The Best Book of Ballet》之后，我才明白很多问题出在对基础动作的理解不够透彻。书里关于“五个基本脚位”以及“手臂的七种基本姿态”的讲解，非常细致，并且配有清晰的图示，让我能够对照着练习，纠正了很多错误的习惯。我尤其喜欢它关于“核心力量”的强调，原来很多看似轻盈的动作，背后都需要强大的核心支撑。书中的一些小贴士，比如如何在练习时保持呼吸的节奏，如何通过眼神来传达情感，都非常实用。读完这些内容，我感觉自己对身体的控制力有了显著的提升，即使是在日常生活中，我也能感受到身体姿态的变化。这本书的价值在于它能够将抽象的舞蹈理论转化为具体的练习指导，让学习者能够切实地感受到进步。我强烈推荐给所有对芭蕾有兴趣，并且想要实际体验芭蕾魅力的人。

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这是一本让我心潮澎湃的 Ballet 启蒙读物！从我翻开第一页起，就被它所描绘的优雅世界深深吸引。我一直对芭蕾舞充满好奇，但总是觉得它遥不可及，充满了神秘感。而这本书，就像一位慈祥的向导，用最简单易懂的语言，为我揭开了芭蕾的面纱。书中对于各种芭蕾舞姿的讲解，我都仿佛能亲眼看见舞者们轻盈的身姿在舞台上舒展。例如，它细致地描述了“阿拉贝斯克”的姿态，不仅仅是告诉你名字，更是让你感受到那种身体的舒展和平衡，那种由内而外散发出的宁静与力量。我还能想象出训练教室里，舞者们严谨而充满激情的模样。那些关于芭蕾训练的细节，比如压腿、劈叉、擦地，都让我对舞者们付出的汗水和坚持有了更深的理解。我特别喜欢它讲述的芭蕾历史部分，让我对这项艺术的起源和发展有了初步的认识，知道了它如何从宫廷走向舞台，又如何经历各种流派的演变。这本书不是一本枯燥的教科书，它充满了画面感，让我仿佛置身于华丽的剧院，聆听着动人的音乐，欣赏着精湛的舞技。我迫不及待地想继续深入了解更多关于芭蕾的知识，这本书无疑点燃了我对芭蕾的热情。

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我对《The Best Book of Ballet》这本书的感受，可以用“惊喜与收获并存”来形容。我原本以为这只是一本泛泛而谈的芭蕾介绍，没想到它在某些方面挖掘得相当深入。尤其让我印象深刻的是关于不同芭蕾流派的比较，虽然篇幅不长，但它清晰地阐述了古典芭蕾、新古典主义芭蕾和现代芭蕾之间在动作、编排以及表达方式上的差异。读到那里，我才恍然大悟，原来那些在舞台上看到的流畅动作，背后承载着如此丰富的艺术理念。书中还引用了一些著名芭蕾舞剧的片段，并对其进行了简要的分析，让我对《天鹅湖》的悲剧色彩，《胡桃夹子》的童话氛围有了更深刻的理解，不再仅仅停留在故事的层面。对于初学者来说，这本书的优点在于它既提供了基础的知识，又在某些点上触及了更深层次的艺术探讨，这种“浅尝辄止”的深度，恰好能够激发读者进一步探索的欲望。书中的插图也非常精美，很多都捕捉到了舞者们瞬间的动态美，让人赏心悦目。总之，这本书给我带来的不仅仅是知识，更是一种对艺术理解的拓展。

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这本书是一次“意外的发现”，它填补了我对某些芭蕾概念的空白，并且以一种非常易于接受的方式呈现出来。我之前看芭蕾表演时，常常会听到一些术语，比如“pirouette”、“plié”，但对其含义和技术要求并不了解。这本书就恰好解释了这些术语，并用生动形象的语言描述了它们在实际表演中的应用。我还发现，这本书对于芭蕾舞剧的幕后故事也进行了一些有趣的介绍，比如舞蹈家们如何克服伤病，如何与导演沟通，以及一场完整的芭蕾演出需要多少人的努力。这些“幕后花絮”让我对这项艺术有了更全面的认识，不再仅仅将它视为舞台上的光鲜亮丽。它让我看到了芭蕾背后庞大的体系和无数人的付出。这本书的优点在于，它能在提供基础知识的同时，也激起读者对更广阔的艺术世界的探索欲，让我觉得，这扇门刚刚被打开。

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