古代中世音楽史の研究 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:吉川弘文館

作者:荻美津夫

出品人:

页数:334

译者:

出版时间:2007-2

价格:8500円

装帧:

isbn号码:9784642024556

丛书系列:

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• 音樂人類學
• 音乐史
• 中世纪音乐
• 古代音乐
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《西方古代与中世纪音乐史探微》 本书致力于深入剖析西方音乐史长河中两个至关重要的时期——古代（公元前约3000年 - 公元476年）与中世纪（公元476年 - 公元1400年）。不同于一般性的音乐史概述，本书旨在通过层层递进的学术探究，揭示这两个时代音乐发展的内在逻辑、社会文化背景及其对后世深远的影响。 第一部分：古代音乐的辉煌与奠基 古代文明，特别是古希腊、古罗马以及近东地区的音乐，为后世音乐的演进奠定了基础，其复杂性与丰富性往往被低估。本书将从以下几个维度展开阐述： 源头追溯：史前与早期文明的音乐痕迹。 我们将考察考古发现的早期乐器，如骨笛、骨哨、早期鼓类等，并结合古代文献和艺术品中的描绘，推测史前人类在祭祀、劳作、娱乐等活动中音乐所扮演的角色。同时，我们将聚焦古埃及、美索不达米亚（苏美尔、巴比伦、亚述）等早期文明的音乐实践，探讨其宗教仪式音乐、宫廷音乐的特点，以及早期音阶、记谱尝试的可能性。重点会放在分析这些音乐如何与当时的神话、宗教、政治结构紧密相连，折射出早期社会的精神世界和权力秩序。 古希腊音乐的智慧与哲学。 古希腊被誉为西方文明的摇篮，其音乐思想对后世影响至巨。本书将深入探讨古希腊音乐的几个核心概念： 伦理教育与音乐的关联（Ethos Theory）： 详细阐述古希腊人如何看待音乐对道德情操、人格塑造的作用。我们将分析柏拉图、亚里士多德等哲学家在《理想国》、《政治学》等著作中关于音乐教育的论述，以及不同调式（modes）如何被认为具有特定的情感力量和伦理效应。 理论体系的构建： 探究古希腊音乐理论的成就，特别是毕达哥拉斯学派对音程、音阶和谐的数学化研究。我们将解读毕达哥拉斯的“宇宙音乐”观，以及由其发展而来的以四度、五度、八度为基础的音程体系。同时，会分析阿里斯托克森（Aristoxenus）在音程划分上的实际测量方法，及其对后世音乐理论发展的影响。 音乐的实践形式： 介绍古希腊音乐在戏剧（尤其是古希腊悲剧和喜剧）、史诗朗诵、宗教庆典、体育竞赛中的应用。我们将尽可能通过残存的乐谱（如德尔菲的圣歌）和当时的文献记载，复原或推测其音乐风格、乐器配置（如里拉琴、基萨拉琴、奥洛斯琴、管乐器等）及其演唱方式。 罗马音乐的继承与演变。 罗马文明在很大程度上继承了古希腊的音乐遗产，并在其基础上进行了融合与发展。本书将分析罗马音乐的特点： 融合与实用性： 探讨罗马音乐如何吸收希腊、伊特鲁里亚以及东方各地的音乐元素，并将其应用于军事、政治宣传、公共庆典、戏剧表演等社会生活的方方面面。 音乐在罗马社会中的地位： 分析罗马帝国时期音乐家的社会地位，音乐在贵族家庭教育、平民娱乐中的角色，以及音乐在帝国扩张和统治中的宣传作用。 音乐文献与乐器： 尽管罗马时期的音乐文献比古希腊更少，但本书仍将考察现存的零散乐谱、理论文献以及雕塑、壁画中描绘的乐器，如角号、喇叭、打击乐器等，并分析其在罗马音乐实践中的作用。 古代音乐的局限与遗产。 尽管古代音乐在理论和实践上取得了显著成就，但其发展也存在一些局限，如记谱法的初级阶段，对和声的认识模糊，以及音乐的传承主要依赖口传等。本书将总结古代音乐的遗产，强调其为音乐理论、音乐美学、音乐教育以及后世音乐创作奠定的思想和技术基础。 第二部分：中世纪音乐的变革与新生 中世纪是西方音乐史发展的一个漫长而充满活力的时期，其音乐面貌发生了深刻的变革，并孕育出日后西方音乐的核心元素。本书将聚焦以下几个关键领域： 早期基督教音乐的形成与确立。 随着基督教的兴起与传播，音乐成为其宗教礼仪不可分割的一部分。 教会音乐的起源与发展： 详细追溯早期基督教早期唱诵（cantillation）的特点，以及早期教会音乐在应对不同地方教会传统、确立统一的音乐形式方面所做的努力。 格里高利圣咏（Gregorian Chant）的时代： 深入研究格里高利圣咏的音乐特性，包括其单音织体、无伴奏演唱、教会调式、拉丁文本的运用以及朗诵式与歌唱式的结合。本书将分析其在弥撒（Mass）和日常礼拜（Office）中的功能，及其在不同时期（如卡洛林王朝的规范化）的发展。我们会探讨其音乐形式的规范化过程，以及为何这种音乐能够成为中世纪欧洲最主要的音乐形式。 记谱法的萌芽与发展： 详细阐述中世纪早期记谱法的演变，从纽姆谱（neumes）的出现，到早期线谱、方括弧纽姆谱（quadratus neumes）的形成，再到后期四线谱的发展，揭示记谱法如何从指示旋律轮廓逐渐发展到可以精确记录音高和节奏。这将是理解中世纪音乐传播和发展的关键。 世俗音乐的多样性与演进。 与教会音乐平行发展的是丰富多样的世俗音乐，它们同样在中世纪留下了深刻的印记。 游吟诗人（Troubadours/Trouvères）与闵内辛格（Minnesinger）的诗与歌： 深入研究这些生活在宫廷和贵族阶层的音乐家所创作的音乐。本书将分析其歌词主题（爱情、骑士精神、政治等）、音乐风格（如旋律的抒情性、节奏的自由与规整）、表演形式（独唱、与乐器伴奏）及其在社会文化中的地位。我们将考察其音乐的传承方式，以及其作品如何反映中世纪的社会风貌和情感世界。 早期市民音乐与民间音乐： 探讨在中世纪城镇兴起和商业发展背景下，音乐在集市、节日、民间庆典中的作用。我们将分析不同地区、不同社会阶层的音乐实践，包括舞曲、叙事歌曲等，并尽可能通过文献记载和图像资料推测其音乐特点。 乐器在中世纪社会中的应用： 详细介绍中世纪时期各种乐器的发展与普及，包括弦乐器（鲁特琴、维奥尔琴、竖琴）、管乐器（肖姆、特鲁姆贝特、风笛）和打击乐器。我们将探讨这些乐器在教会和世俗音乐中的不同角色，以及它们如何为音乐增添色彩和表现力。 复调音乐的曙光与探索。 复调音乐是中世纪音乐最伟大的创新之一，标志着西方音乐向现代音乐迈出了决定性的一步。 奥尔加农（Organum）的早期形式： 追溯奥尔加农从简单的平行音（parallel organum）到自由奥尔加农（free organum）的演进过程。本书将重点分析圣马丁修道院（St. Martial of Limoges）和圣加尔修道院（St. Gall）的奥尔加农风格，以及它们在旋律线条的独立性、节奏的处理和声部结合方式上的创新。 经文歌（Motet）的崛起： 详细阐述经文歌在中世纪音乐史上的重要性。我们将分析其作为一种新的音乐体裁，如何将不同文本、不同旋律独立组合，形成复杂的复调织体。重点将放在13世纪法国的“古乐”（Ars Antiqua）时期的经文歌，探讨其音乐结构、节奏模式（如节奏模式理论）及其与当时神学、文学思想的联系。 音乐理论的深化： 考察中世纪音乐理论家，如法兰克（Francon de Paris）、图尔的约翰内斯（Johannes de Grocheo）等，在复调音乐创作、节奏理论、记谱法规范化方面的贡献，以及他们如何试图为日益复杂的音乐实践提供理论指导。 中世纪晚期音乐的过渡。 跨越到14世纪，西方音乐进入“新艺术”（Ars Nova）时期，音乐的复杂性、技巧性以及表现力都有了显著提升，预示着文艺复兴时代的到来。本书将简要概述这一时期的重要发展，如记谱法的进一步精确化、节奏的自由化、和声的新探索以及对个人创作风格的强调。 结论：古代与中世纪音乐的遗产与未来 本书的最终目标是揭示古代与中世纪音乐并非仅仅是历史的遗迹，而是构成了西方音乐史不可分割的连续体。它们的理论思想、音乐形式、创作技法，乃至其背后所蕴含的哲学、宗教与社会观念，都深刻地影响了此后数个世纪的西方音乐发展。从单音音乐到复调音乐的巨大跨越，从蒙昧的记谱到精准的记录，从与宗教的深度融合到世俗音乐的蓬勃生长，古代与中世纪音乐的探索，为我们理解西方音乐的本质，及其如何演变成今日丰富多彩的面貌，提供了不可或缺的视角。本书旨在激发读者对这段辉煌而复杂的音乐历史的深入兴趣，鼓励进一步的思考与研究。

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这本书的装帧设计简直是古典韵味的现代演绎，厚实的纸张，内敛的封面设计，散发着一种沉静而庄重的气息，让人一上手就知道这不是一本泛泛而谈的通俗读物，而是经过严谨打磨的学术重器。 甫一翻开，那细密的排版和清晰的注释体系便展现出作者深厚的学术功底。我尤其欣赏它在章节结构上的巧妙安排，仿佛是跟随一条蜿蜒的河流，从遥远的源头——早期的圣咏和民间歌谣的模糊轮廓开始，一步步探寻中世纪礼仪音乐的复杂结构，再过渡到文艺复兴初期复调艺术的萌芽与发展。阅读过程中，作者对于文献资料的引用和解读极为审慎，他不仅仅是罗列事实，而是深入剖析了每一乐派、每一位重要作曲家所处的社会、宗教和哲学背景，使得原本抽象的音乐现象变得有血有肉，能够让人真切感受到那些声音是如何在特定的历史土壤中孕育、生长并最终绽放出光芒的。对于任何希望建立扎实西方音乐史知识框架的研究者来说，这本书无疑是奠定基石的绝佳选择，它提供的不是快餐式的知识点，而是经得起推敲的学术深度。

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这本书的论述风格沉稳而富有逻辑的张力，尤其是在探讨中世纪晚期音乐向文艺复兴过渡阶段时，作者的笔触展现出一种令人信服的清晰度。他没有将这一转变视为一个突兀的断裂，而是通过对“人本主义”思潮在音乐领域渐次渗透的追踪，描绘了一个漫长而富有内在驱动力的演化过程。阅读到关于“固定音高”概念如何逐步取代基于模态系统的即兴思维时，我仿佛看到了一场认知革命在缓慢而坚定地发生。作者对和声观念起源的讨论，并非是简单地追溯到某个“发明者”，而是将其置于一个更宏大的技术革新与审美需求相互作用的语境中进行考察。整部作品，从头到尾都保持着一种高度的学术克制与对细节的精准把握，它更像是一份详尽而无可辩驳的地图，指引我们穿越历史迷雾，去探寻西方音乐艺术最深层的根源结构。

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坦率地说，这是一本对读者知识储备有一定要求的著作，它几乎没有采取迎合大众读者的简化策略，这一点反而让我更加信服其学术立场。作者在处理不同音乐中心（如拜占庭、加洛林王朝、以及后来的巴黎乐派）之间的复杂互动关系时，展现出惊人的宏观把握能力。阅读过程中，我多次停下来，查阅那些不熟悉的拉丁文术语和早期的教会法典引用，但这种必要的“努力”最终都转化为了丰厚的理解回报。书中对“世俗音乐”与“宗教音乐”分野界限的探讨尤其精彩，它挑战了传统上将中世纪音乐一概而论的简单化倾向，指出在那些看似铁板一块的宗教权威之下，民间故事、游吟诗人的歌谣是如何以更隐蔽的方式渗透和影响着艺术的走向。这种对权力结构下文化现象的微妙解构，使得全书的论述更加立体和富有张力。

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这本书的价值绝不仅仅在于罗列了多少重要的作曲家名字或者乐曲标题，它真正的魅力在于构建了一套严谨的“理解”音乐历史的工具箱。我特别关注到作者对于早期记谱法（如纽姆记谱法）演变过程的描述，那简直是一场视觉和智力上的双重盛宴。他详细比对了不同时期记谱符号的细微差别，并解释了这些变化如何直接影响了音乐的实际演奏效果和后世的理解。这种对“声音如何被固化”这一核心问题的深入挖掘，极大地提升了我对早期音乐的欣赏维度。过去许多时候，我们只能凭空想象那些声音的样貌，但通过作者细致入微的考证和推断，那些遥远的、模糊的旋律线条似乎变得触手可及，充满了历史的呼吸感。对于那些对音乐“活态传承”感兴趣的读者而言，书中对于口头传统与书面记录之间张力的探讨，提供了极具启发性的思考角度。

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我带着一种朝圣般的心情去接触这本书，毕竟“古代”与“中世”的跨度本身就意味着浩如烟海的资料需要整理和梳理。最让我惊喜的是作者在论述中世纪音乐理论体系演变时的那种洞察力。他没有停留在对“定旋律”和“奥尔加农”这些术语的简单解释上，而是巧妙地将这些音乐实践与同时期神学思想的流变，比如对柏拉图理念论的继承与修正，联系起来进行阐述。读到关于格里高利圣咏传播路径的分析时，我仿佛跟随修道院的僧侣们穿越了整个欧洲大陆，亲眼目睹了不同地区口音和仪式差异如何逐渐被规范化和统一化的过程。这种跨学科的视野让原本可能枯燥的音乐史研究充满了人文的温度和历史的厚重感。虽然篇幅宏大，但作者的叙事节奏控制得极好，总能在关键的转折点设置精妙的总结性段落，帮助读者消化吸收前文的复杂信息，避免了在冗长的时间线索中迷失方向。

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