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出版者:Distributed Art Pub Inc

作者:Noever, Peter/ Wieninger, Johannes/ Moser, Brigitte

出品人:

页数:32

译者:

出版时间:

价格:55

装帧:HRD

isbn号码:9783775717557

丛书系列:

图书标签:

• 浮世绘
• 日本艺术
• 艺术史
• 视觉文化
• 当代艺术
• 插画
• 设计
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• 艺术

浮世绘的再发现：从江户的木刻到当代的视觉对话 书名：浮世绘的再发现：从江户的木刻到当代的视觉对话 作者：[在此处填写作者姓名] 出版社：[在此处填写出版社名称] 出版年份：[在此处填写出版年份] ISBN：[在此处填写ISBN] --- 内容简介 本书并非对日本“浮世绘”（Ukiyo-e）这一传统艺术形式的简单回顾，而是一次深入的、跨越时空的文化考古与当代视觉语言的对话。我们试图摆脱将浮世绘固化为历史陈列品的传统视角，转而审视其作为一种具有颠覆性、适应性和强大传播力的视觉媒介，是如何在江户时代萌芽、繁荣，并最终影响了全球艺术版图的进程。全书共分为四个宏大的部分，层层递进地剖析了浮世绘的起源、技术革新、核心主题的嬗变，以及其在现代和后现代语境中的“复活”与重构。 第一部：江户的诞生——“浮世”的生成与审美基础 第一部分将读者带回江户幕府时期，一个社会结构高度稳定、商业文化蓬勃发展的时代。浮世绘——字面意义上的“飘浮的世界的绘画”——正是这种世俗化、享乐主义精神的直接产物。 章节一：从肉笔到版画的迁移：技术的民主化 本章着重探讨浮世绘之所以能成为“大众艺术”的关键——木刻版画技术的成熟。我们将详细分析菱川师宣、铃木春信等早期大师如何通过改进“肉笔画”（手绘作品）的风格，并将其转化为可大规模复制的彩色木刻。我们不满足于介绍技术流程，而是深入分析了这种可复制性对社会信息传播和审美标准普及的革命性影响。浮世绘不再是贵族或僧侣的专属，它成为了町人（城市平民）文化和消费主义的先声。 章节二：浮世的“三要素”：役者绘、美人绘与风景绘的权力中心 浮世绘的主题选择是其社会功能最直接的体现。本章将聚焦于浮世绘的三个核心流派： 1. 役者绘（歌舞伎演员肖像）： 分析江户歌舞伎的社会地位，以及演员肖像如何成为早期的“名人海报”和粉丝经济的载体。我们考察了东洲斋写乐（Sharaku）如何以其极具心理深度的肖像，打破了传统美化式的描绘，预示了现代肖像艺术的某些特征。 2. 美人绘（美女形象）： 探讨江户时代对“时尚”和“美貌”的定义。从鸟居清长对柔美线条的追求，到喜多川歌麿对个体女性气质的细腻捕捉，美人绘反映了男性凝视下的女性理想，同时也无意中记录了当时服装、发型和化妆的变迁。 3. 风景绘的勃兴：葛饰北斋与歌川广重的地理志与精神漫游： 这是浮世绘走向世界高峰的关键转折点。本章深入分析了葛饰北斋的《富岳三十六景》和歌川广重的《东海道五十三次》。他们不仅是地图绘制者，更是“风景的诠释者”。他们的作品如何将“名胜”与旅行体验、个人情感相融合，为现代旅游宣传和景观摄影奠定了视觉基础。 第二部：艺术的断裂与全球的碰撞——浮世绘的西传与“日本主义”的形成 随着19世纪中叶日本门户的开放，浮世绘以一种近乎“文化休克”的方式涌入西方世界，引发了现象级的“日本主义”（Japonisme）。 章节三：跨越媒介的翻译：从版画到油画 本章详细梳理了浮世绘如何被欧洲的艺术家们“翻译”和吸收。我们分析了凡·高（Van Gogh）对色彩平涂法和轮廓线的借鉴，莫奈（Monet）对构图（如高视点和裁剪）的挪用，以及德彪西（Debussy）音乐中对空灵意境的捕捉。重点讨论了浮世绘中“视点缺失”（Perspective Absence）和大胆的平面化处理，如何直接挑战了文艺复兴以来主导欧洲的焦点透视法，成为印象派和后印象派解放视觉语言的重要催化剂。 章节四：设计革命与现代平面艺术的启蒙 浮世绘对西方设计领域的影响往往被低估。本章将考察其对新艺术运动（Art Nouveau）和装饰艺术运动（Art Deco）的深远影响。海报艺术的先驱，如图卢兹-罗特列克（Toulouse-Lautrec），如何直接借鉴了役者绘的舞台感和夸张的姿态。浮世绘的结构清晰、信息传达直接的特点，也成为了现代广告设计和信息图表的隐形蓝图。 第三部：边缘的肖像——浮世绘中的社会批判与亚文化记录 浮世绘并非总是描绘光鲜亮丽的歌舞伎明星和优雅的吉原游女。它同样是江户社会最底层、最边缘声音的记录者。 章节五：暗流涌动的政治讽刺与时事记录 本章探索了那些不那么“美丽”的浮世绘类型，如“画本”和记载历史事件、政治丑闻或灾难的版画。我们分析了“相扑绘”中对运动员体格的近乎科学的记录，以及涉及农民起义、瘟疫传播等敏感主题的作品。这些作品揭示了浮世绘作为一种新闻媒体的潜力，以及艺术家在审查制度下的巧妙周旋。 章节六：怪异与想象的疆界：妖怪绘与春画的隐秘世界 我们深入探讨了浮世绘中涉及非主流和禁忌主题的作品。以鸟山石燕为代表的“妖怪绘”如何建构了日本神怪体系的视觉词典，影响了后世奇幻文学和电影的审美。同时，对“春画”（Shunga）的研究，不仅是对性描绘的分析，更是理解江户社会在私密领域对身体和欲望的开放态度的重要窗口，以及它如何以极端精细的技艺挑战了官方的道德规范。 第四部：回响与重构——当代语境下的浮世绘的持续生命力 本书的最后部分将焦点拉回到当代，探讨浮世绘精神如何在现代艺术、流行文化和数字媒介中获得新生。 章节七：从安迪·沃霍尔到当代漫画：符号的解构与挪用 本章分析了战后以来，艺术家们如何系统性地解构浮世绘的经典母题。从安迪·沃霍尔对图像复制性的迷恋，到波普艺术中对名人肖像的平面化处理，浮世绘的基因无处不在。我们重点研究了日本漫画（Manga）和动画（Anime）如何继承了浮世绘的夸张动态感、情绪捕捉能力以及对“瞬间”的强调。 章节八：新媒介中的“浮世”：数字时代的版画精神 在数字技术时代，浮世绘“可复制性”的核心精神得到了最彻底的实现。本章讨论了数字艺术、街头涂鸦（如以日本文化为灵感的创作者）如何借用浮世绘的构图、大胆的颜色对比和强烈的视觉冲击力来表达当代议题。浮世绘不再是关于木头和颜料的技艺，而是一种看待世界——记录世俗、捕捉瞬间、并在全球范围内进行快速传播——的思维方式。 结语：持续的“当下” 本书最终强调，浮世绘的伟大不在于其历史的悠久，而在于其对“当下”——即“浮世”——永恒的捕捉能力。它是一面镜子，折射出社会最热衷的、最渴望的和最隐秘的一切。通过对这些版画的再审视，我们得以理解艺术如何驱动文化，以及技术如何解放审美。 --- 本书特色 跨学科研究： 融合艺术史、社会学、设计理论和媒介研究视角。 视觉深度分析： 大量高清图像分析，重点剖析版画的线条、色彩分离和装裱方式。 超越美学： 不仅关注作品的“美”，更关注其作为文化产品和信息载体的“功能”。 脉络清晰： 四大部分结构，引导读者从起源、传播、功能到当代延续进行系统性理解。 适合读者： 艺术史爱好者、平面设计师、文化研究学者、对日本文化有浓厚兴趣的普通读者。

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这本书最让我感到震撼的地方，在于它对“瞬间”与“永恒”这对矛盾体的处理。它似乎在提醒我们，艺术的价值并非在于其物质形态的持久性，而在于它所凝固的那个瞬间所承载的情感重量和文化信息。阅读到关于构图和留白的部分时，我深切体会到了一种“无声胜有声”的艺术哲学。作者用极简的语言阐释了繁复的视觉逻辑，那些看似简单的留白，实则是对观看者想象力的最大尊重和邀请。我发现自己经常在读完一个小节后，会放下书本，闭目冥想片刻，消化那种被强行拉扯出的空间感。这种阅读体验非常少见，它超越了信息传递的层面，进入了一种精神上的共鸣。这本书对于非线性叙事的运用也值得称赞，它不遵循传统的线性时间轴，而是通过主题的穿插和视觉符号的重复，构建了一个迷宫般的阅读路径，引导读者主动去发现内在的联系，而非被动接受结论。

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我带着一种近乎挑剔的心态开始阅读，因为我对“复兴”这一主题总是保持警惕，生怕遇到故作高深的陈词滥调。然而，这本书很快就以其严谨的考据和令人信服的论证赢得了我的尊重。它对特定历史时期美学特征的解构，细致到木刻版画中墨色的渗透层次和纸张的纤维走向，这种对细节的执着令人叹服。更难能可贵的是，作者并未将这些艺术形式孤立地看待，而是将其置于当时的社会经济结构和哲学思潮之中进行剖析。例如，其中关于大众传播媒介的早期形态与当代数字媒体传播速度的对比分析，逻辑清晰，论据充分，让人拍案叫绝。全书的叙事节奏把握得非常好，从宏观的历史背景过渡到微观的技法分析，再到对当代影响的辐射，一气呵成，毫不拖沓。虽然涉及的内容专业性较强，但作者的文字驾驭能力使得复杂的理论变得平易近人，即便是初涉此领域的读者也能迅速抓住核心要点。

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坦率地说，我最初是被其大胆的副标题所吸引，我期待的是一场视觉上的爆炸，一场对既有范式的颠覆。这本书没有让我失望，但它颠覆的方式是内敛而深刻的。它没有哗众取宠地堆砌光怪陆离的图像，而是通过对“观看行为本身”的解构，实现了对既有范式的重塑。书中对光线如何塑造二维空间深度的讨论，简直是一堂大师课。它不仅探讨了传统中的光影处理，更引入了当代摄影和电影语言的对比分析，这种跨媒介的对话使得主题的延展性极强。我特别喜欢作者在讨论“系列性”时所采用的类比，他将一组作品比作一段未完成的音乐，每一幅都是一个变奏，而不是简单的重复。这种细腻的观察和高度概括的能力，使得这本书的学术价值和审美价值得到了完美的统一。

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这本新书的装帧设计实在让人眼前一亮，触感细腻，色彩搭配既有古典的韵味又不失现代的张力。光是翻阅扉页时，那份对于视觉艺术的敬意就油然而生。作者在引言部分对“重新定义”这个概念的探讨，尤其深刻，他没有简单地将过去的事物搬到今天，而是巧妙地构建了一个对话的桥梁，让古老的技艺在当代语境下获得了新的生命力。我尤其欣赏他对材料革新和数字化转型的关注，这使得整本书的基调既扎实又前卫。阅读过程中，我仿佛被带入了一个正在进行中的创作现场，感受到了每一笔线条背后所蕴含的思考深度和技术挑战。书中穿插的那些独家访谈片段，展现了创作者们在坚持传统美学与拥抱创新媒介之间的挣扎与平衡，这种坦诚让人倍感亲近。对于任何对视觉文化演变感兴趣的读者来说，这本书都提供了一个极佳的、多维度的观察视角，它不仅仅是一本关于艺术史的梳理，更像是一份对未来可能性的探索宣言。封面那种光影的运用，已经预示了内容中对于“光”与“影”之间动态关系的精妙解析。

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这本书的重量感不仅仅体现在纸张的厚度上，更在于其所承载的知识密度。我花了很长时间来仔细研读其中关于色彩理论和印刷技术的章节，作者对于颜料历史演变和化学反应的描述，精确得如同科学论文，但叙述的流畅性却保持了文学作品的优美。这种严谨与诗意并存的风格，是极其难以把握的平衡点。它让我重新审视了自己对“精细化”的理解，不再将其视为一种繁琐的劳作，而是通往极致美感的必要途径。书中引用了许多早年工匠的手稿片段，那些略带潦草却充满力量的文字，仿佛穿越时空与我们对话，诉说着他们对完美工艺的执着。对于那些寻求深度和广度兼具的艺术研究者来说，这本书无疑会成为案头必备的参考资料，它提供的不仅是知识，更是一种对待创作的严肃态度。

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