The Object of Performance

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出版者:University Of Chicago Press
作者:Henry M. Sayre
出品人:
页数:324
译者:
出版时间:1992-02-01
价格:USD 50.00
装帧:Paperback
isbn号码:9780226735580
丛书系列:
图书标签:
  • 表演研究
  • 视觉文化
  • 物质性
  • 身体性
  • 新物质主义
  • 后结构主义
  • 当代艺术
  • 表演理论
  • 文化研究
  • 哲学
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具体描述

Sayre defines for the first time the apparently diffuse avant-garde art of the past two decades in terms of its distinctly postmodern concerns. The range of arts discussed here encompasses contemporary dance, photography, oral poetics, performance art, and earthworks. "Sayre has written one of the most intelligent, sensible, and readable accounts of the tenents of Postmodern artmaking published to date."--Jeff Abell, "New Art Examiner" "No one can read "The Object of Performance" without gaining a far better idea than before of what has happened to art, and, in some measure, why. . . . I find this book consistently illuminating."--Arthur C. Danto

迷宫中的回响:一份关于后现代剧场、身体政治与感知重塑的探索 书名:《迷宫中的回响:一份关于后现代剧场、身体政治与感知重塑的探索》 作者:伊莱恩·维斯特伍德 (Elaine Westwood) 出版信息:欧几里德出版社,2024年秋季 定价:精装本 45.00 美元 / 电子书 29.99 美元 --- 内容简介 《迷宫中的回响》并非对任何特定剧目或经典文本的梳理,而是一次深入结构主义、后结构主义理论与当代剧场实践的交叉地带的智力远征。本书的核心论点在于,自二十世纪中叶以来,西方剧场已不再致力于再现现实,而是沦为一种“意义的拓扑学”——一个充满不可靠指涉、碎片化叙事和身体政治角力的复杂空间。维斯特伍德教授以其深厚的现象学和符号学功底,引导读者穿越传统戏剧的界限,进入一个由表演者自身的物质性、观众的在场(Presence)焦虑以及媒介技术介入共同构建的复杂感知迷宫。 本书分为四个主要部分,层层递进,旨在解构当代表演艺术如何挑战既定的主体/客体、舞台/场域的二元对立。 第一部:解构的舞台:从“文本中心”到“事件中心” 本书开篇首先处理了戏剧理论的根本转向:从对剧本文学性的强调,转向对“事件本身”的关注。维斯特伍德审视了如阿赫托(Artaud)的“身体的残酷”理论如何被后来的实验剧场(如后戏剧剧场——Post-Dramatic Theatre)内化并稀释。 关键议题: 1. “消逝的剧本”与“显现的身体”: 探讨当代编舞和肢体剧场如何利用身体作为主要的语言载体,而非仅仅是文本的阐释工具。这部分深入分析了特定表演者群体(如非专业演员、跨学科艺术家)在构建表演意义时的异质性贡献。 2. 时间与空间的褶皱: 传统剧场将时间视为线性的,空间视为有界的容器。《回响》则追溯了如皮斯(Pina Bausch)和后来的数字剧场如何通过非线性叙事和沉浸式设计,制造出一种“时间错位感”(Chronological Dislocation),迫使观众重新校准其对“此刻”的理解。 3. 观众作为“共谋者”而非“观察者”: 维斯特伍德引入了“感知协商”(Perceptual Negotiation)的概念,分析了在打破“第四堵墙”之后,观众的目光、呼吸和移动如何成为表演不可或缺的变量。我们不再是旁观者,而是被纳入一个开放的意义系统中的活动节点。 第二部:身体的政治学:物质性、能指与权力场域 在第二部中,本书将焦点投向了表演者身体的物质存在,并将其置于当代权力结构和身份政治的审视之下。这部分批判了将身体视为中立媒介的倾向,强调身体在舞台上是如何被符号化、被规训,又是如何进行抵抗的。 关键议题: 1. 脆弱性作为一种美学策略: 探讨了在政治高压和身份审查日益收紧的环境下,表演者主动展示其身体的脆弱性、缺陷或局限性,是否能转化为一种有效的政治宣言。这涉及到对“完美表演”的拒绝,以及对“日常身体的异化”的探索。 2. 数字皮肤与虚拟在场: 随着远程表演和混合现实(Mixed Reality)剧场的兴起,身体不再仅仅是碳基的实体。本书详细考察了面部捕捉技术、动作捕捉系统如何建构出一种“超越性的身体”(Transcendental Body),以及这种虚拟化如何影响观众对“真实痛苦”或“真实欢愉”的判断。 3. “非人”的能动性: 维斯特伍德将目光投向了道具、布景和技术设备。她论证了在某些激进的装置艺术和环境剧场中,非人类实体(如机械、灯光矩阵、环境噪音)如何获得了与人类表演者相匹敌的“能动性”(Agency),共同参与到意义的生产过程中。 第三部:感知重塑:剧场作为认知实验 第三部分是本书最具思辨性的部分,它将剧场实践视为一种认知科学和感觉哲学的实验场。作者探讨了表演如何通过感官的过度饱和或系统性剥夺,来“重置”观众的认知模式。 关键议题: 1. 感觉的过载与神经疲劳: 分析了基于感官轰炸(如噪音音乐、快速闪烁的灯光、密集的空间移动)的表演如何使观众的皮层进入一种近乎迷狂的状态,从而暂时绕过批判性思维的藩篱。 2. 空间体验与拓扑学意识: 关注那些要求观众在表演空间中不断移动、攀爬或参与体力劳动的作品。这种强制性的身体参与如何迫使观众脱离固有的“观看距离”,从而将“空间感”转化为一种对自我存在的确认或质疑。 3. “不确定性的美学”: 探讨了那些故意留下巨大意义空白、拒绝提供情感出口的表演。这种美学策略迫使观众在剧场结束后仍需在日常生活中“完成”作品,使剧场的体验从一个封闭的事件延伸至持续的、未解决的心理状态。 第四部:回响的持久性:剧场之外的场域迁移 在收尾部分,维斯特伍德考察了当代剧场实践的理论遗产如何渗透和改变了其他文化领域——从城市规划到政治示威,再到虚拟社群的互动模式。 关键议题: 1. “体验经济”中的剧场原型: 讨论了剧场对沉浸式、互动性和个人化叙事的追求,如何被商业部门(如主题公园、品牌推广)吸收和商品化,以及这种吸收对表演艺术本体论的侵蚀。 2. 政治抗议的剧场化转向: 审视了当代社会运动中,表演性(Performativity)如何成为组织和传播信息的核心手段。身体的可见性、符号的快速传播和瞬间的公共集会,都带有鲜明的后戏剧剧场印记。 3. 理论的回归与未竟的行动: 总结了前述的批判性工具,并呼吁未来的表演实践不应沉溺于纯粹的解构游戏,而应努力将对感知和身体的深刻洞察,转化为有力的、面向未来的政治想象力。 --- 《迷宫中的回响》 是一部对我们如何观看、如何感受、以及如何参与当下复杂性发出的深刻挑战。它要求读者放弃对清晰答案的渴望,拥抱表演艺术在后现代语境下所提供的、既令人困惑又充满活力的知识场域。这本书适合所有对戏剧理论、表演研究、视觉文化和当代哲学感兴趣的学者、艺术家和深度思考者。

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目录信息

读后感

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用户评价

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翻开这本《失落的挽歌:十九世纪欧洲咖啡馆的兴衰史》,我立刻被作者那近乎偏执的细节描摹所吸引。它并非一本寻常的文化史,更像是一张用浓缩咖啡的蒸汽和烟草的灰烬编织而成的地图,标记着从巴黎的左岸到维也纳的环城大道上那些曾经熙熙攘攘、如今只余回响的场所。作者似乎对建筑的纹理、侍者制服的颜色,乃至顾客讨论的政治流言都有着超乎寻常的敏感度。比如,他对1880年代布拉格一家名为“黑猫”的咖啡馆如何成为波西米亚知识分子秘密集会的场所的描述,细致到连空气中弥漫的朗姆酒气味都仿佛能穿透纸页。书中对不同时期咖啡烘焙技术的演变也进行了深入探讨,这使得那些看似优雅的社交场景背后,隐藏着工业革命带来的技术革新与社会变迁的深刻张力。然而,这种过于详尽的考据偶尔也会让人感到一丝喘息的不足,仿佛被拉入了一个过于密不透风的十九世纪午后。总的来说,这是一部既充满怀旧情愫又兼具严谨学术态度的佳作,适合那些对“氛围感”有着极高要求的历史爱好者。

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很少有一本关于文艺复兴时期佛罗伦萨纺织业贸易垄断的书能让我产生强烈的“史诗感”,但这本《丝绸之路的另一端:美第奇家族与靛蓝染料的战争》做到了。作者的叙事手法充满了古典悲剧的韵味,将那些精明的银行家和手艺高超的织工描绘成被命运(或者说是利润)驱动的角斗士。书中对当时欧洲染料供应链的深度挖掘令人叹为观止,特别是关于从东方获取靛蓝的过程中,所涉及的政治贿赂、航海风险以及对工匠知识产权的掠夺,被描绘得如同惊心动魄的间谍小说。最精彩的部分是关于一次决定性的海上贸易战,作者通过解密船运日志和私人信件,还原了那场风暴中双方物资损耗的精确数字。通读此书,你不仅了解了经济史,更感受到了历史的重量——每一次华丽的丝绸袍子的背后,都可能隐藏着无数人的血汗与精密的算计。它是一部关于贪婪、美学与权力交织的宏大史诗。

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这部名为《无形的引力:量子纠缠与时空结构》的著作,简直是对我心智的一次彻底的颠覆与重塑。读完前三章,我感觉自己像是在一个光滑的、零摩擦的冰面上被推着滑行,每一步都充满了不确定性,但又似乎遵循着某种宏大而隐秘的物理法则。作者对“非定域性”的阐释,并非仅仅停留在教科书式的公式推导,而是通过一系列精妙的哲学思辨,将量子世界与我们日常经验中的因果律进行了残酷的对照。我尤其欣赏作者在讨论贝尔不等式时的那种近乎诗意的描述——仿佛宇宙本身在对我们低语,揭示了其内在的、我们无法完全把握的联结性。书中穿插了对爱因斯坦、玻尔以及费曼等科学巨匠之间关于实在性争论的生动再现,使得原本枯燥的理论探讨充满了戏剧张力。看完后,我无法再用从前那种简单线性的思维去看待世界,每一次对远处星空的凝视,都带上了一种对遥远粒子间神秘关联的敬畏。

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老实说,我一开始对《乡间食谱:从泥土到餐桌的古老智慧》抱有很深的怀疑,觉得这可能又是一本充斥着矫揉造作的“返璞归真”口号的书。但我的偏见很快被一页关于如何用发酵的黑麦面团制作天然酵母的详细步骤所打破。这本书的厉害之处在于,它几乎没有空谈那些宏大的生态理念,而是将所有智慧都内化在了具体的、可操作的烹饪技巧之中。作者似乎拥有某种与土地直接对话的能力,她对不同季节的雨水对土壤微生物的影响,以及这些变化如何反过来塑造了当地特有作物品种的韧性,描绘得淋漓尽致。书中的每一道菜谱,都被赋予了厚重的地域文化背景,比如那道“山谷慢炖野雉”,其复杂的香料配比竟然与当地某个已被遗忘的宗教仪式密切相关。阅读过程中,我的厨房里充满了各种陌生的香草气味,仿佛身临其境地参与了一场古老的、关乎生存与庆祝的仪式。

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《摩天楼的阴影:城市化进程中个体心理的异化》这本书给我带来了极大的情感冲击,其风格与其说是社会学分析,不如说是一种冷峻到近乎病态的内心独白。作者对现代都市人“匿名性焦虑”的剖析,犀利得让人无处躲藏。他没有去讨论宏观的经济政策,而是专注于那些在巨大玻璃幕墙下,眼神游移、步履匆匆的个体。书中对“垂直隔离”现象的描述尤其令人不安:人们居住在同一栋楼的数百层内,却从未进行过一次真正有意义的眼神交流。通过引用大量的存在主义哲学观点和一些略显晦涩的后现代艺术评论,作者成功地构建了一个充满疏离感和压抑感的心理图景。阅读过程中,我时常需要放下书本,到窗边望望外面的街道,确认自己是否也正在不知不觉中,成为他笔下那个“被像素化”的城市幽灵。这本书的语言风格是极简而精准的,如同手术刀般切割着现代生活的表象。

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