Archives of Asian Art, 1990 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Brepols Pub

作者:Not Available (NA)

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:

价格:25

装帧:Pap

isbn号码:9789990014006

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• 亚洲艺术
• 艺术史
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• 1990年
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跨越文化边界的艺术史诗：二十世纪亚洲艺术的新视野 一部全面探索二十世纪亚洲艺术发展脉络的深度研究，聚焦于现代性转型、全球化浪潮下的本土回应，以及艺术本体语言的革新与冲突。 本书旨在为读者提供一个宏大而细致的视角，审视自二十世纪初叶至世纪末，亚洲大陆及其散落的文化群落如何在全球现代性的话语体系中，构建出既植根于自身传统，又积极参与世界艺术对话的独特艺术景观。我们避开了将亚洲艺术简单地视为西方“他者”的传统叙事，而是深入挖掘了其内部的复杂张力、思想演变和美学实践的广阔谱系。 第一部分：现代性的初期碰撞与本土觉醒（约 1900-1945） 本部分着重考察了在殖民主义、民族主义兴起以及东西方文化激烈碰撞的背景下，亚洲各国艺术界所经历的剧烈变革。 东亚的“新国画”与“洋画”之争： 在中国、日本和韩国，传统水墨画的士人精神与西方学院派写实主义、印象主义的冲击形成了尖锐的对立。我们详细分析了“师古”与“师今”之间的路线之争，探讨了如徐悲鸿、齐白石、潘天寿等大师如何试图调和中西，为中国画注入新的时代精神和表现力。尤其关注了日本“洋画”运动中，艺术家们对欧洲现代主义流派的吸收与本土化的尝试，以及这种融合如何催生了具有强烈地方色彩的现代主义形式。 南亚的民族主义与象征主义复兴： 印度艺术界在英属殖民地背景下，对“孟加拉画派”的兴起进行了深入考察。这一运动不仅是对维多利亚时期学院派的抵制，更是一场精神上的回归，试图通过复兴印度古典神话和莫卧儿细密画的技法，来激发民族自豪感和文化认同。探讨了阿宾德拉·纳特·泰戈尔等人的理论实践及其在后世的影响。 东南亚的去殖民化前奏： 分析了越南、印度尼西亚等地在艺术教育体系中，西方写实主义与本土民间艺术（如巴迪克蜡染、木雕）之间的张力。重点研究了早期寻求脱离欧洲主导的美学规范，尝试以本土主题和材料来表达日益增长的政治和文化自主意识的艺术先驱。 第二部分：战后重建、政治动荡与身份重塑（约 1945-1970） 二战的结束和冷战格局的形成，为亚洲艺术带来了新的主题和动力。艺术不再仅仅是美学探索，更成为意识形态斗争和国家叙事的载体。 抽象表现主义的亚洲变体： 探讨了抽象艺术在亚洲的特殊发展路径。在日本，以“具体派”（Gutai Group）为代表的前卫艺术团体，如何超越了西方抽象表现主义的个体情感抒发，转向对“物性”、行为和空间场所的激进探索，挑战了艺术作品的传统界限。在韩国，受到朝鲜战争创伤影响的艺术家们，如何通过更具物质感和大地色彩的抽象表达，来处理集体记忆与精神创伤。 社会主义现实主义与国家艺术： 详细剖析了在中华人民共和国、朝鲜民主主义人民共和国等社会主义国家，艺术如何被纳入国家意识形态的框架内。分析了“革命现实主义”的美学原则，以及艺术家如何在严格的政治限制下，探索题材、构图和象征手法的微小变化，以求在集体叙事中保留一丝个人表达。 非西方中心的美学构建： 关注了新兴的独立国家，如印度尼西亚、菲律宾等，其艺术家如何拒绝被西方艺术史简单归类，开始自觉地从自身丰富的宗教、民间和地域文化遗产中汲取养分，构建具有鲜明地方特征的现代艺术语言。 第三部分：全球化、多元媒介与批判性转向（约 1970-2000） 随着全球艺术市场的兴起和后殖民理论的深入，亚洲艺术家开始以更加批判、多元和实验性的方式介入全球艺术对话。 女性艺术家的崛起与身体政治： 考察了在父权社会结构下，亚洲女性艺术家如何利用装置、行为艺术和观念艺术，挑战传统性别角色、探讨身体与文化创伤的关系。例如，探讨了特定文化背景下女性对欲望、生育和历史记忆的表达方式。 观念艺术与社会介入： 分析了在八十年代，随着经济起飞和民主化进程的加速，艺术的焦点从对形式的关注转向对社会、政治和历史问题的直接介入。探讨了香港、台湾艺术家如何运用概念性作品，对殖民遗产、身份的流动性以及城市空间的快速变迁进行深刻反思。 装置艺术与空间叙事： 重点分析了在亚洲独特的物质环境和历史遗迹中，装置艺术如何成为一种强大的叙事工具。这些作品常常结合了废弃材料、宗教符号或日常生活物件，创造出多层次、充满隐喻的空间体验，邀请观众重新审视被历史和官方叙事所压抑的“非主流”记忆。 亚洲艺术的国际化与“亚洲性”的辩证： 最终部分讨论了亚洲艺术家在威尼斯双年展、卡塞尔文献展等国际平台上的亮相，以及策展人对“亚洲艺术”这一概念的构建与解构过程。探讨了艺术家们如何在迎合国际兴趣的同时，保持其作品的内在复杂性和文化深度，避免沦为符号化的东方奇观。 结论：未完待续的对话 本书最终强调，二十世纪的亚洲艺术并非一条单向的现代化线性发展道路，而是一系列充满张力、反思和独特创造力的复杂互动场域。它在拒绝被简单定义的同时，成功地为世界艺术史贡献了不可或缺的、充满生命力的篇章。本书为深入理解这一时期的艺术脉络，提供了坚实的基础与丰富的案例分析。

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说实话，我一开始是被它那精美的版式设计所吸引的。这本书的印刷质量，尤其是在色彩还原度和纸张的质感上，处理得极为考究。那些关于奈良时代佛教雕塑的彩色插图，其光影层次和材质的肌理感都得到了完美的再现，这在许多同类出版物中是极其罕见的。我记得有一篇关于敦煌壁画修复工作的专题报道，图文并茂地展示了从脆弱的丝绸底子上揭取颜料层面的复杂过程，那种对历史遗存的敬畏之心跃然纸上。文字的叙述风格非常具有现场感，仿佛跟着修复师一起经历了那些漫长而精细的劳动。更不用说，它对一些鲜为人知的少数民族艺术形式的关注，打破了主流艺术史的窠臼，提供了新鲜的视角。我对其中关于云南地区铜鼓纹饰中神话叙事的考证印象深刻，它揭示了艺术符号在不同社会结构下的生命力。这本书的装帧本身就是一件值得收藏的艺术品。

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从整体的阅读感受来看，这部文献的编纂者无疑是具有高度文化敏感性和国际视野的专家群体。它的章节组织逻辑严密，从宏观的时代脉络梳理，过渡到微观的单件器物精细解读，张弛有度。我注意到，其中有几篇聚焦于“被遗忘的艺术家”或“边缘化流派”的重估，这体现了一种批判性的学术勇气。例如，对明末清初一些不愿入仕的女性画家作品的重新发现与评价，挑战了传统上以男性士大夫为中心的艺术史叙事。文章在引用一手材料时处理得非常得当，既有对古代文献的精准翻译和注释，也巧妙地结合了最新的考古发现来佐证或修正既有观点。这种严谨与开放并存的态度，使得整部书读起来既有历史的厚重感，又不失对当代学术前沿的敏锐把握，是一部真正具有里程碑意义的艺术史参考资料。

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这本书的学术深度令人敬畏，但更难能可贵的是它对艺术史研究方法的革新探索。它不仅仅是梳理和介绍已有的艺术品，更是在方法论上进行了大胆的尝试。我特别欣赏其中关于“观众反应”理论在亚洲古代绘画鉴赏中的应用。作者引入了现象学和接受美学的视角，来探讨古代士大夫在面对一幅画作时，其“在场感”是如何被营造和消费的。这种跨学科的融合，使得原本静态的艺术品分析变得立体而动态。举个例子，一篇关于江户时代浮世绘中“町人文化”兴起的文章，没有简单地将其归类为世俗艺术的胜利，而是深入分析了其背后的经济基础和社会阶层的流动性，以及这种流动性如何反作用于视觉表达的题材选择和构图方式。这种对社会结构与审美取向之间复杂互动的挖掘，让原本熟悉的题材焕发出新的生命力。

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这部汇集了大量珍贵图像与深度文本分析的学术期刊，简直是打开了一扇通往东亚艺术史核心的大门。我尤其欣赏它对于宋代山水画中“虚实相生”这一美学范畴的探讨。作者不仅仅停留在对技法的描述上，而是深入挖掘了当时的哲学背景，将禅宗思想与笔墨的运用进行了精妙的关联。例如，对范宽《溪山行旅图》中留白处理的解析，细致入微，指出那不仅仅是“未画之处”，更是蕴含着无限可能的“气韵生动”的载体。阅读这些文字，仿佛置身于古代文人的书房，与他们一同品茗论道，领会那种“咫尺之内再造乾坤”的境界。它对不同地域艺术风格的比较研究也令人耳目一新，比如将高丽青瓷的釉色变化与同期景德镇瓷器的发展脉络并置，揭示了文化交流中的吸收与创新，这种跨区域的视野极大地拓宽了我的艺术认知边界。对于任何严肃研究中国古典艺术的学者或爱好者来说，这里的每一篇文章都值得反复咀嚼。

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阅读这本书的过程，体验更像是与一群充满激情的策展人进行了一场跨越时空的对话。它在介绍艺术品时，从不吝啬于提供丰富的背景资料，即便是对一件看似简单的青铜器，也会细致到其出土的地层学意义、祭祀仪式的具体情境，乃至其冶炼技术的区域特征。这种百科全书式的详实，对于希望建立完整知识体系的学习者来说是无价的。我印象最深的是对印度尼西亚巴厘岛面具艺术的民族志学式研究。作者花费数年时间融入当地社区，记录了面具制作的各个环节以及其在宗教仪式中的实际功能和被赋予的社会权力，文字充满了田野调查的生动细节，而非僵硬的学术总结。通过这些描述，我得以理解艺术的“功能性”远比其“纯粹审美价值”更为核心。这种对艺术“活态”的关注，是教科书里往往缺失的宝贵财富。

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