元代花鸟画珍赏 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:故宫出版社

作者:故宫博物院

出品人:

页数:170

译者:

出版时间:2014-12

价格:220

装帧:精装

isbn号码:9787513406833

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翰墨丹青里的江南烟雨：宋代山水画的审美意蕴与时代精神 书籍名称：《江南烟雨：宋代山水画的审美意蕴与时代精神》 内容简介 本书深入剖析了宋代（960年—1279年）中国山水画的演进脉络、美学范式及其与时代精神的深刻互动。宋代，在中国艺术史上占据着无可替代的地位，它标志着中国绘画从注重“写形”向追求“写心”“写理”的质的飞跃。尤其是山水画，这一门类在北宋的恢弘气象与南宋的内敛沉静中，达到了前所未有的高峰。本书旨在超越传统的分画家、分流派的简单罗列，着力于挖掘支撑起宋代山水画精神世界的哲学基础、社会心理与审美趣味的深层结构。 第一部分：理学的光影——宋代山水画的哲学根基 宋代，程朱理学的兴盛为艺术创作提供了强大的哲学支撑。士大夫阶层推崇的“格物致知”“天理流行”的观念，深刻影响了画家观察和表现自然的方式。 一、从“图画”到“理境”：范式转换的动力 本书首先考察了北宋初年，如李成、董源等人如何摆脱唐代山水画中人物的从属地位，将自然本身提升至审美的核心。我们不再满足于对山川形貌的简单记录，而是追求在山水之中洞察宇宙的秩序与“天理”。这种转变，使得山水画从一种叙事辅助，上升为一种独立的、具有形而上学意味的艺术形式。 二、巨碑式的理想：北宋山水画的“大观”情怀 北宋，特别是以范宽、郭熙为代表的画家，将对自然的敬畏提升至宗教般的虔诚。范宽的《溪山行旅图》并非简单的风景写生，而是对“太华”精神的凝练，其“近景逼塞，远景空阔”的构图，体现了画家在个体生命面前对天地宏大尺度的认知和臣服。郭熙的“论画”理论，如“可行、可望、可游、可居”，则系统地阐述了山水画的审美层级，将观者带入一个可居、可栖、可与自然精神沟通的理想境界。我们详细分析了“雨润”的笔墨技法，如何体现出宋人对物质世界细腻入微的观察与对内在“气”的把握。 第二部分：朝代的转折——南宋山水画的“在野”与“在心” 靖康之变后，政权的南迁不仅是地理上的位移，更是士人心态的剧烈调整。山水画的审美取向也随之转向内敛、精微与抒情。 一、院体画的精致与“界画”的复兴 南宋的李唐、刘松年、马远、夏圭，形成了著名的“南宋四家”。本书认为，院体画的风格变化，反映了宫廷对艺术的更高要求，也折射出在偏安一隅的局促感中，画家转向对细节和笔墨韵味的极致追求。马远的“一角两角”的构图（边角式构图），并非是技法上的偷懒，而是一种主动的选择——将无限的意境压缩至一个观者可把握的焦点，通过大量的“空白”（不着笔墨处）来暗示山川的连绵不绝与人世的聚散无常。 二、文人画的萌芽与诗意栖居 在院体画之外，水墨写意风格开始崭露头角。以牧溪、梁楷为代表的僧肇画家，通过极度简化的笔墨，追求“不着一笔，尽得风流”的禅宗境界。梁楷的“减笔画”是对传统“赋彩”和“工笔”的彻底反叛，它体现了宋人晚期对形式束缚的突破，预示了元代文人画的成熟。我们重点探讨了“水墨”如何从一种媒介，升华为一种象征主体情感的载体。 第三部分：笔墨的语言学——宋代山水画的技法创新与符号系统 宋代山水画的伟大，很大程度上归功于其技法语言的系统化和符号化，这套系统构成了中国后世山水画的基础语汇。 一、皴法的演变与地域性 本书系统梳理了宋代主要皴法的起源、成熟及其象征意义：从董源、巨然的披麻皴所代表的江南温润丘陵，到李成的皱铁皴所象征的北方雄强山体。重点分析了“斧劈皴”如何被巧妙地融入院体画中，用以增强山石的坚硬感和结构性。这些皴法不再是单纯的纹理描绘，而是画家对特定地貌的理解和情感投射。 二、渲染与墨色的层次 宋人对墨色的运用达到了炉火纯青的地步，尤其是在表现烟岚雾霭时。我们详细分析了“破墨法”在处理水汽氤氲中的精妙之处，以及如何通过“宿墨”和“渴笔”的对比，营造出空气感和空间深度。这套对“墨分五色”的精准控制，是宋代山水画区别于前代最显著的标志之一。 结语：时间中的景观 《江南烟雨》试图证明，宋代山水画的魅力，不仅在于其完美的艺术形式，更在于它成功地将个体生命体验融入到对宇宙永恒秩序的探寻之中。无论是北宋的博大浑厚，还是南宋的精微幽远，宋代山水画都是那个时代知识分子在动荡与思辨中，为心灵寻找的一处永恒栖居之所。通过对画作的深入解读，本书带领读者重返那场关于“天人合一”的审美对话之中。

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对于一个普通的艺术爱好者来说，首先吸引我的就是这本书的“可读性”和“愉悦感”。市面上很多艺术书籍内容专业是专业，但文字过于晦涩，让人望而却步。但《元代花鸟画珍赏》的行文流畅自然，知识性与趣味性结合得非常好。即便是对元代历史不太了解的读者，也能轻松跟上作者的思路。我最喜欢的是其中穿插的一些小故事，比如关于某位画家与友人雅集的场景描述，让冰冷的画作一下子有了温度和人情味。它不是一本高高在上的学术专著，更像是一位学识渊博的朋友，耐心地为你娓娓道来那些隐藏在精美图案背后的风雅往事。这种轻松愉快的阅读体验，是许多严肃画册所欠缺的宝贵品质。

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这本书带给我的最独特体验，是那种强烈的“情境代入感”。我常常在想，古代的文人画家在创作这些花鸟时，到底怀着怎样的心绪？这本书的文字部分，特别是作者对画作意境的阐述，往往充满了诗意的想象。比如描述某一幅画中秋蝉的鸣叫，文字竟然能让人在寂静的室内感受到那种清冷和萧瑟。这种文学性的解读，极大地丰富了图像本身的内涵。它让我意识到，看画不仅仅是看技法和布局，更是与古人进行一场跨越时空的对话。读完后，我会情不自禁地拿起笔，试图在自己的画中复现那种被文字点燃的情感火花。

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说实话，我买这本书的初衷是想找一些可以作为日常练习参考的范本。我个人是业余的水墨爱好者，对笔墨技法比较看重。这本书的“技法解析”部分，虽然不是手把手的教学，但它对一些关键笔法的描述，比如“破墨法”在表现水汽氤氲时的运用，或者“双勾填彩”中晕染层次的控制，描述得相当精炼且到位。我尝试着模仿其中一幅写意竹叶的墨法，发现书中所述的“一笔之中，浓淡干湿同时并用”的意境，只有通过反复揣摩书中的高清局部图，才能捕捉到那种微妙的平衡感。它不是教科书，但绝对是提升眼力和手感的绝佳辅助读物。

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作为一位痴迷于中国传统文化研究的学者，我关注的重点往往在于对特定历史时期艺术风格演变的梳理与考证。这本书在选材的广度上着实令人赞叹，它没有仅仅停留在那些耳熟能详的大家名作上，而是深入挖掘了许多具有地方特色或在史料中略显边缘化的画家的作品。尤其值得称道的是，对几件疑似争议作品的考证部分，虽然篇幅不长，但引用的文献来源扎实且多角度，为我们这些后学者提供了新的研究切入点。它不像市面上许多图录那样只是简单地罗列图像，而是通过对画作背后文人情怀和社会背景的解读，构建起了一张细密的艺术网络，使得我们对那个时代的精神风貌有了更深层次的体悟。

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这本书的装帧设计简直是艺术品！厚实的铜版纸，色彩还原度极高，那些宋代院体画作中的细腻笔触和温润的墨色，在指尖都能感受到那种历史的厚重感。特别是几幅巨制的全景再现，那种扑面而来的气势，让人仿佛穿越回了当时的画院之中。我特意在午后阳光下翻阅，那些工笔草虫的绒毛和花瓣的脉络清晰可见，可见印刷技术达到了一个极高的水准。装帧的磅礴大气，与画作本身的精美形成了完美的统一，让人爱不释手，甚至舍不得频繁翻动，生怕破坏了这份完好的状态。这本书放在书架上，本身就是一种极佳的装饰，更是一份可以随时沉浸其中的视觉盛宴。

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三星半。并录牛马竹石虫草。印得很一般，题跋释文不全，错漏所在多有

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三星半。并录牛马竹石虫草。印得很一般，题跋释文不全，错漏所在多有

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三星半。并录牛马竹石虫草。印得很一般，题跋释文不全，错漏所在多有