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出版者:W W Norton & Co Inc

作者:Hardy, Alain-Rene

出品人:

页数:256

译者:

出版时间:2003-5

价格:$ 50.85

装帧:HRD

isbn号码:9780500511176

丛书系列:

图书标签:

• Art Deco
• Textiles
• Design
• History
• Fabric
• 1920s
• 1930s
• Patterns
• Vintage
• Decoration
• Interior Design

装饰艺术纺织品：风格、工艺与文化影响 图书简介 《装饰艺术纺织品》深入探讨了二十世纪二〇年代至一九三〇年代席卷全球的“装饰艺术”（Art Deco）运动中，纺织品设计所扮演的核心角色及其深远影响。本书不仅仅是对这一时期华丽布料的视觉回顾，更是一部结合了艺术史、设计理论、材料科学与社会文化变迁的综合性研究。它旨在揭示装饰艺术风格如何通过纤维、图案和色彩的创新，重新定义了现代家居、时装以及公共空间的审美标准。 第一章：时代的脉动——装饰艺术的兴起与纺织品设计的时代背景 本章首先勾勒出装饰艺术运动诞生的历史土壤。第一次世界大战后的全球重建，科技的飞速发展（如人造丝的普及和机械提花技术的成熟），以及对传统维多利亚式繁复装饰的反叛，共同促成了这种强调几何化、流线型和奢华感的全新风格的出现。我们考察了1925年巴黎国际装饰艺术与工艺博览会（Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes）对全球设计界的影响，特别聚焦于纺织品设计如何迅速吸收了新艺术、立体主义和古埃及、美索不达米亚等古代文明的元素，将其转化为符合现代审美的平面语言。本章详细分析了早期先驱，如玛丽·奎尔特（Marie Cuttoli）和珍妮·拉夫里特（Jeanne Lanvin）的纺织品试验，为后续章节奠定了理论基础。 第二章：几何的交响——图案、色彩与构成原理 装饰艺术纺织品的标志性特征在于其对几何形式的狂热运用。本章细致剖析了构成这一时期图案的核心元素：锯齿形（Ziggurat）、人字形（Chevron）、太阳爆发纹（Sunburst）、梯形、流线型和高度风格化的动植物形态。我们将研究设计师如何运用精确的对称与不对称，创造出既充满活力又极度秩序化的视觉效果。 色彩运用是本章的另一重点。我们探讨了“黄金时代”的典型调色板——从大胆的黑白对比、亮丽的宝石色（如祖母绿、深红宝石色），到奢华的金属色调（镀金、银色）。通过分析来自著名制造商，如高蒙（Comptoir des Cotonnades）和斯托夫公司（Stoff & Nagel）的实际样本，本章展示了色彩如何被用来增强图案的立体感和材质的奢华感。此外，还将对比法国和美国（特别是洛克菲勒中心和克莱斯勒大厦的室内设计）在色彩运用上的区域差异。 第三章：材料的革命——纤维、技术与工艺的创新 装饰艺术时期是纺织材料技术取得突破的关键阶段。本章深入研究了新旧材料的融合。人造丝（Rayon，当时被称为“人造丝”）的崛起，因其光泽和悬垂性，极大地拓宽了设计可能性，尽管早期存在染色稳定性的问题。真丝（Silk）依旧是高端定制的首选，但其织法更加注重光影反射效果。 工艺方面，我们重点分析了： 1. 复杂提花技术（Jacquard Weaving）：如何用于复制立体派风格的复杂网格和几何图案，实现无缝的连续性。 2. 刺绣与贴花（Embroidery and Appliqué）：特别是在时装和室内帷幔上的应用，如何利用珠片、亮片和不同密度的线材来模拟金属的质感。 3. 印花技术（Printing）：丝网印刷和滚筒印刷在实现大规模生产中大胆、清晰图案方面的进步。 通过对这些技术细节的考察，读者将理解装饰艺术纺织品的高成本与高度技术含量是如何成为其身份的一部分。 第四章：应用领域——从高级时装到现代主义家居 装饰艺术纺织品渗透到了社会生活的方方面面。本章分两个部分详细阐述其应用场景： 时装纺织品： 探讨了服装设计如何从宽松的“Flapper”风格转向更贴合身体、更强调直线轮廓的剪裁。我们分析了设计师如保罗·波烈（Paul Poiret）和可可·香奈儿（Coco Chanel）如何利用几何图案的针织面料和丝绸，为女性创造出“现代感”的衣橱。重点讨论了晚礼服和舞会服装中对闪光和动态图案的需求。 室内装饰纺织品： 深入研究了装饰艺术风格的室内设计对窗帘、壁纸、地毯和软垫面料的要求。这些纺织品必须与光滑的漆面、抛光的金属和硬朗的木材形成视觉上的平衡。本章特别关注了地毯设计，如苏富特（Sodap）和法国现代地毯制造商的作品，它们如何将墙面图案的抽象语言转化为地面上的触感体验。 第五章：文化对话——异域影响与全球化审美 装饰艺术运动的“现代性”并非凭空产生，它是一种对全球文化进行提炼和挪用的结果。本章探讨了纺织品设计中“异域风情”的体现： 1. 东方主义的延续与更新： 对中国漆器、日本浮世绘中提炼出的平面化处理的吸收，以及对印度和波斯几何图案的重新解读。 2. 古文明的复兴： 1922年图坦卡蒙墓的发现如何激发了埃及主题在纺织品上的爆发，特别是对莲花、圣甲虫和方尖碑图案的几何化运用。 3. 速度与机械之美： 铁路、轮船和汽车的流线型外观如何被抽象化，融入到面料的动态图案中，体现出对现代交通工具的崇拜。 本书通过详尽的图版和案例分析，展现了装饰艺术纺织品如何在全球化的背景下，成功地将历史的深度与未来的速度融合在一起，创造出独一无二的视觉遗产。 结论：遗产与当代回响 最后，本书总结了装饰艺术纺织品在现代设计史上的地位。尽管在1930年代末期，功能主义和国际风格占据了主导地位，但装饰艺术对色彩的精准控制、对几何形式的纯粹追求，以及对新材料的开放态度，为后来的中世纪现代风格（Mid-Century Modern）和后现代设计提供了重要的视觉语汇和工艺基础。本书旨在为研究者、收藏家和设计师提供一个全面、深入的参考，理解这一光芒四射的风格如何通过一根根纤维得以永恒。

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与其他同类主题的书籍相比，这本书在展现“功能性”与“装饰性”的平衡方面做得尤为出色。很多时候，人们将Art Deco仅仅视为一种浮夸的装饰风格，但这本书成功地证明了在那个时代，纺织品的设计是如何紧密服务于新式生活的需求的——无论是对耐用性的要求，还是对清洁便利性的考虑。书中对某些特定类型的面料，比如用于公共交通工具或现代主义住宅的特制织物，进行了细致的图解分析，这让我对那个时代的材料科学和工业设计有了全新的认识。它拓宽了我对“设计史”的定义，不再局限于“美不美”，而是延伸到了“如何适应时代的需求”。那些关于材料处理、防火性测试乃至大规模生产效率提升的讨论，虽然技术性稍强，但却让整个主题变得更加坚实和可信，展示了美学背后强大的工程支撑。

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阅读体验上，这本书的叙事节奏把握得非常到位，不像某些学术著作那样枯燥乏味，它充满了活力和一种娓娓道来的亲切感。作者的文笔流畅且富有画面感，读起来丝毫没有压力，即使是对于不太熟悉专业术语的新读者来说，也能轻松进入状态。我印象最深的是关于某些特定图案的起源追溯部分，那种抽丝剥茧的过程，揭示了从埃及考古发现到现代几何抽象之间的奇妙联系，读起来简直像是在进行一场侦探游戏。它成功地将那些冰冷的、结构化的图案，赋予了生命力和情感张力。而且，书中引用的文献和参考资料都非常扎实，为进一步的深入研究指明了方向，这对于有志于进行更专业学术探索的读者来说，无疑是一个巨大的加分项。这本书无疑是为真正的艺术爱好者准备的，它尊重读者的智力，并慷慨地分享知识的深度。

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我一直对那个“爵士时代”充满了无限的好奇，这本书在很大程度上满足了我对当时室内装饰和纺织品之间复杂关系的探究欲。它不仅仅是展示了那些华丽的挂毯或窗帘，更深入剖析了它们是如何融入建筑、家具乃至日常器皿中的。作者似乎非常擅长将看似孤立的艺术品放置于更宏大的社会经济背景下进行解读，比如提到技术进步如何影响了染色工艺和提花技术的飞跃，这让整个研究显得立体而有深度。我特别欣赏它对于不同地域风格差异的探讨，比如欧洲大陆的锐利线条与美国对奢华材质的偏爱是如何相互影响、相互塑造的。它提供了一个极佳的框架，让我能够系统地理解Art Deco是如何从一个短暂的潮流，演变成一种影响深远的全球性审美运动。对于希望将这些元素融入当代设计实践的设计师而言，这本书提供了一个既有历史厚度又不失实用性的参考指南。

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这本书的装帧设计简直是一场视觉盛宴，从封面到内页的排版，都散发着那个黄金时代的精致与奢华。我尤其喜欢它对手工细节的捕捉，那些繁复的几何图案、大胆的色彩碰撞，以及对面料纹理的细腻呈现，都让人仿佛能亲手触摸到那个时期顶尖设计师们的匠心独运。它不像是一本纯粹的图录，更像是一件精心策划的艺术品，每一次翻阅都是一次对美学的致敬。纸张的选择也极具考究，厚重且带有微微的哑光质感，使得那些深邃的蓝色和闪耀的金色调表现得尤为出色。对于任何热爱设计史，或者痴迷于二十世纪早期装饰艺术风格的人来说，这本书的实体呈现本身就已经值回票价。我常常花很长时间只是欣赏扉页的设计，那种对称与秩序感带来的心灵平静，是许多现代设计作品难以比拟的。这本书的编辑显然深谙如何用视觉语言讲述历史，每一个章节的过渡都处理得流畅而富有韵律感，完美地呼应了Art Deco精神中的动感与优雅。

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我个人认为，这本书的价值在于它提供了一种全新的视角来审视“经典”的持久性。它没有沉溺于对昔日辉煌的简单怀旧，而是通过对特定纺织设计原则的解构，展示了它们如何能够跨越时间鸿沟，在当下的语境中焕发新的生命力。书中对色彩理论在Art Deco中的应用分析尤其精彩，那些如何通过对比、渐变和突出的纯色块来营造空间深度和戏剧效果的技巧，至今仍是室内设计师案头的圭臬。我甚至开始尝试在自己的小项目中使用书中的一些配色方案，它们带来的那种精致的、但绝不幼稚的复古感，非常独特。这本书不仅是历史记录，更是一本关于如何“重构优雅”的实用指南，它提醒我们，真正的设计创新往往建立在对历史脉络的深刻理解之上，而不是盲目地推翻一切。这是一本值得反复研读、时常翻阅的宝藏。

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