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出版者:Schiffer Pub Ltd

作者:Coe, Debbie/ Coe, Randy

出品人:

页数:192

译者:

出版时间:2007-8

价格:$ 39.55

装帧:HRD

isbn号码:9780764327940

丛书系列:

图书标签:

• 艺术玻璃
• 芬顿
• 玻璃器皿
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• 美国工艺
• 装饰艺术
• 历史
• 工艺品
• 20世纪
• 玻璃

琥珀色的记忆与玻璃的交响：一部关于欧洲装饰艺术的史诗 书名：《光影的编织：十九世纪末至二十世纪中叶欧洲玻璃艺术的演变与革新》 作者：艾丽斯·凡德堡 译者：李明 页数：580页，附赠120幅高清彩图及珍贵历史档案照片 出版社：普罗米修斯艺术文库 --- 内容梗概： 《光影的编织》并非一部聚焦于特定工厂或单一风格的专著，而是一部宏大叙事，旨在描绘从维多利亚时代晚期的繁复装饰美学，过渡到两次世界大战之间现代主义的简洁线条，再到战后复苏时期对材质和光线的哲学探索，整个欧洲玻璃艺术的波澜壮阔的百年历程。本书以时间为轴，以地域为支点，深入剖析了技术革新、社会思潮、艺术流派对玻璃这一古老媒介产生的深刻影响。 这部作品着重探讨了那些塑造了现代室内设计和陈设美学的关键人物、技术飞跃以及思潮碰撞。它将玻璃从一种单纯的实用材料提升到了纯粹艺术表现的殿堂，展现了其如何成为反映时代精神的晴雨表。 第一部：世纪之交的华彩——新艺术的勃发与玻璃的复兴 (约1880–1914) 本部分详细考察了欧洲工业革命后期，社会对机械化批量生产的反思，以及由此催生的对手工艺和自然主义的回归。 1. 玻璃工艺的“复兴”： 深入分析了法国圣日耳曼和洛林地区，特别是南锡学派（École de Nancy）的崛起。探讨了埃米尔·加莱（Émile Gallé）对自然形态的痴迷，他如何通过“酸蚀刻”、“夹层玻璃”（cased glass）和“釉上彩绘”等复杂工艺，赋予玻璃器皿以植物、昆虫和神话的生命力。重点解析了其作品中象征主义和东方主义的影响。 2. 维也纳分离派的几何与秩序： 对比南锡的有机形态，本书详述了奥地利维也纳的克里姆特圈子如何将玻璃艺术引入更具结构感和象征意义的领域。讨论了约瑟夫·霍夫曼（Josef Hoffmann）及其合作者在家具和灯具设计中对几何图案的偏爱，以及这种风格如何预示了未来现代主义的简洁性。 3. 英国与北欧的创新： 考察了英国工艺美术运动对玻璃设计的影响，特别是威廉·莫里斯（William Morris）思想在玻璃设计中的体现，强调材质的真实性与功能性。同时，引入了瑞典和丹麦早期工作室的探索，他们开始尝试摆脱过度的装饰，关注玻璃本身的透明度和色彩纯度。 4. 穆拉诺的“回归”： 详尽记录了意大利威尼斯穆拉诺岛工匠们如何尝试将古典的“费拉尼”（Filigrana）和“姆雷恩”（Murrine）技艺与当代设计相结合，但同时也指出了他们在新艺术运动中相对保守的姿态，为后来的现代主义冲击埋下伏笔。 第二部：现代主义的冲击与新古典的对话 (约1918–1939) 战后欧洲的剧变，使得艺术界对“美”的定义发生了根本性转变。本部分的核心是功能至上、去装饰化以及对新材料的拥抱。 1. 巴黎的装饰艺术高潮（Art Déco）： 详细分析了1925年巴黎世界博览会的影响，玻璃艺术在这一时期达到了商业和审美的巅峰。重点探讨了勒内·拉利克（René Lalique）的贡献——他从早期的新艺术风格转向了压制玻璃（molded glass）的大规模生产，利用磨砂和抛光制造出强烈的视觉对比，完美契合了“咆哮的二十年代”的奢华与速度感。本书阐述了他如何在工业化生产中保持极高的艺术水准。 2. 德意志的玻璃理性主义： 聚焦于包豪斯（Bauhaus）学院及其对玻璃的革命性看法。阐释了保罗·克利（Paul Klee）和瓦西里·康定斯基（Wassily Kandinsky）等艺术家对色彩理论和空间构成的研究如何转化为玻璃器皿的设计原则——强调透明度、结构逻辑和材料的纯粹性，拒绝一切不必要的装饰元素。 3. 捷克与波希米亚的风格探索： 研究了捷克斯洛伐克玻璃制造业的独特发展，他们成功地在拉利克式的优雅和包豪斯式的现代性之间找到了平衡。重点分析了波希米亚水晶切割工艺如何被重新诠释，以适应更简洁、更棱角分明的现代造型，例如那些用于宴会和建筑装饰的巨型枝形吊灯。 4. 对光线的哲学思辨： 探讨了建筑师们（如勒·柯布西耶）对大面积玻璃在建筑中的应用，以及这种趋势如何反过来影响了室内装饰玻璃的设计，使其必须在更广阔的空间背景下展现其美学价值。 第三部：战后的重塑与实验精神的回归 (约1945–1960年代初) 战争结束后，欧洲社会渴望重建，艺术界则转向了对个人表达和材料本质的深度挖掘。 1. 斯堪的纳维亚的极简主义与自然之声： 深入研究了瑞典古德龙群岛（Orrefors）和瑞典林德（Kosta Boda）的工作室文化。重点介绍了新的吹制技术，如“气泡嵌入”（controlled bubbles）和“厚重底部”（heavy bases），如何服务于极简主义的设计理念，使玻璃器皿的重量和触感本身成为设计的核心。分析了该地区如何将玻璃艺术与日常生活紧密结合。 2. 法国与意大利的“重磅回归”： 详述了战后意大利的“新斯蒂尔”（Nuovo Stile）运动，以及玻璃制造商们如何重新拥抱色彩和体量。特别关注了马瑟罗·恩佐·费罗（Marcello Nizzoli）等设计师对玻璃材料的实验性运用，以及他们如何将战前的精致工艺与战后对自由形式的渴望相结合。 3. 英国与比利时的雕塑化倾向： 本部分详述了玻璃如何开始脱离传统器皿的范畴，转向纯粹的雕塑艺术。分析了特定工作室对非对称、流动形态的探索，这些作品往往具有厚重的墙体和强烈的色彩冲击力，标志着“设计”与“纯艺术”界限的进一步模糊。 核心主题与贡献： 本书最大的价值在于其跨国界、跨流派的宏观视野。它系统地梳理了技术进步（如热处理、模具技术）如何与艺术思潮（如装饰艺术、现代主义）相互作用，最终塑造了我们今天所理解的欧洲玻璃艺术史。作者通过对大量一手资料、历史文献和艺术评论的梳理，构建了一个既有理论深度又富含视觉美感的叙事框架，对于研究十九世纪末至二十世纪中叶的欧洲装饰艺术、工业设计史以及材料科学史的学者和爱好者而言，是一部不可或缺的参考巨著。 本书特色： 技术解析详尽： 首次系统性地将酸蚀刻、高温吹制、模压成型等关键玻璃工艺的原理与时代风格的形成紧密联系。 档案材料的运用： 结合了从未公开的工厂目录、设计师草图和私人信件，为研究提供了新视角。 视觉盛宴： 精选的彩色图片并非仅仅是作品的展示，而是作为分析的工具，强调光线、色彩和纹理的微妙变化。

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这本书最让我感到惊喜的是，它并没有将费顿玻璃视为一个已经终结的辉煌符号，而是着重探讨了其精神遗产如何影响了后来的玻璃制造商和当代手工艺人。作者在结尾部分安排了一组对比章节，展示了当代工作室如何借鉴费顿的经典造型和配色，进行现代主义的再诠释。这种对“传承与创新”的关注，让整本书的格局一下子打开了，不再局限于对过去的怀旧。阅读过程中，我数次被书中对“色彩心理学”的阐述所触动——费顿的工匠们似乎本能地知道哪种颜色最能抚慰人心，哪种纹理最能吸引目光。这种深入到美学根源的挖掘，使得这本书的价值远远超过了简单的产品目录。它最终呈现给我的，是一部关于光线、玻璃、时间和人类不懈创造力的百科全书式的赞歌，读完后，我感觉自己对“美”的理解也更深了一层。

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我花了很长时间在比对书中刊载的早期宣传册图片和实际产品照片上，这本书在资料的严谨性上几乎无可挑剔。那些泛黄的旧广告，配上清晰的实物照片，形成了一种强烈的时空对话感。作者对于不同时期玻璃配方的微小调整如何影响最终的颜色和透明度进行了细致的化学角度的探讨，虽然技术性稍强，但通过图表和实例解释得非常到位，即使是像我这样对化学不甚了解的读者，也能大致领会其间微妙的变化。其中关于“制造商标记”（Maker's Marks）的辨识指南部分，简直是收藏家梦寐以求的宝典，每一个细微的字母差异、每一个凹凸的深度，都被放大并标注出来，极大地提升了实物鉴定的实用价值。它不仅仅是一本“看图说话”的书，更是一份实实在在的“如何验证真伪和年代”的操作手册，内容细密到令人赞叹。

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坦白说，初次接触这类专注于特定工艺品的书籍时，我总担心会陷入枯燥的学术泥潭，但《费顿艺术玻璃》却成功地将历史的厚重感与阅读的愉悦感融为一体。作者的笔触非常细腻，尤其是在描述那些光线穿透玻璃时产生的折射与变幻上，简直可以用诗意来形容。例如，描述“虹彩”效果（Iridescence）的部分，文字仿佛自带光泽，让我忍不住放下书本，去寻找家中老物件在日光下的微小变化，试图重现书中所描绘的那种“油膜般绚烂的色彩层次”。更值得称赞的是，这本书并没有将焦点仅仅锁定在那些价值连城的博物馆藏品上，而是花了大量的篇幅介绍了普通家庭中曾经拥有的那些“日常奢侈品”——那些造型别致的糖罐、奶壶和果酱碟。这使得阅读体验更加亲切，拉近了历史与现实的距离。它让我意识到，艺术性并非高高在上，而是渗透在我们生活的点滴细节之中。书中对不同收藏系列（如“香槟杯系列”、“花瓶系列”）的风格演变进行了对比分析，清晰地勾勒出费顿设计哲学的延续与革新，逻辑结构严谨而又不失灵动。

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这本书的排版和信息密度处理得极其高超，这对于一个非科班出身的爱好者来说，是极其友好的设计。我特别喜欢它在关键术语旁加入的小型“术语解析”窗口，避免了频繁中断阅读去查阅其他资料的麻烦。内容深度方面，它超越了一般的收藏指南，更像是一部微型的工业史。我原以为费顿的故事只是关于美学和商业的交织，但读完后才明白，它其实是美国工业化进程中一个微观的缩影——关于移民工人、技术迭代、市场竞争以及最终面对全球化冲击时的挣扎与转型。书中对“艺术品设计如何适应大规模生产线”这一核心问题的探讨尤其引人深思。作者没有回避费顿后期产量增加后工艺标准有所下降的争议，而是坦诚地进行了分析，平衡地展示了其商业上的成功与艺术上的妥协。这种不偏不倚的叙事态度，让整本书的权威性大大增强，使得读者在欣赏其辉煌成就的同时，也能理解其历史局限性。

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这本关于费顿玻璃艺术的著作，初翻时便被其精美的图版所吸引，那些流光溢彩的玻璃制品，仿佛穿越了时空的阻隔，在我眼前栩栩如生地展现着。作者在叙事中流露出对这门手艺深厚的敬意与了解，对于不同时期、不同纹饰的特点剖析得极为透彻。我尤其欣赏它对于早期手工吹制技艺的细致描摹，那种带着匠人温度的、独一无二的瑕疵美，被文字和图像完美地捕捉了下来。读到关于那些标志性色彩，比如著名的“缅甸色”（Muranese）或“牛奶玻璃”（Milk Glass）的演变时，我感觉自己仿佛进入了费顿家族那间弥漫着高温与熔融之气的工坊，亲眼目睹了从原料到成品的每一步神奇转化。书中不仅仅是罗列了作品清单，而是深入挖掘了每一件作品背后的时代背景和社会需求，比如经济大萧条时期，费顿如何调整策略，推出更具性价比但同样精美的日常用品，这体现了艺术家与商业头脑的完美结合。此外，对于那些常常被忽略的模具制作过程的详尽讲解，更是让我对玻璃艺术的复杂性有了全新的认识，那不仅仅是吹塑，更是一门关于压力、温度和重力的精确科学。

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