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出版者:School Specialty Pub

作者:Instructional Fair

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:

价格:39.00 元

装帧:HRD

isbn号码:9780742403338

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《星尘与回响：流光溢彩的电影配乐史诗》 一部深入探索光影世界与音乐灵魂交织的恢弘著作。 在电影艺术的宏大叙事中，声音与画面如同孪生火焰，共同照亮银幕。而电影配乐，正是那无形的、却又最能触动人心的情感丝线，它将抽象的意境具象化，将观众的情绪引向高潮或深渊。《星尘与回响：流光溢彩的电影配乐史诗》并非一本专注于某个特定奖项的记录，而是一部跨越百年光影变迁，细致剖析电影音乐创作哲学、技术革新与文化影响的百科全书式研究。 本书带领读者穿越默片时代的管弦轰鸣，进入好莱坞黄金时代的宏大交响，探寻电子乐浪潮的革新，直至数字时代复杂音景的构建。我们拒绝浮光掠影的赞美，转而深入探究那些伟大配乐背后的创作心路、技术挑战与时代精神的投射。 第一部分：无声的序曲与有声的黎明（1900s - 1940s） 电影的诞生并非意味着音乐的缺席。本书从早期电影院中钢琴师与“拟音师”的即兴创作开始，揭示了早期电影配乐的实用性与艺术性是如何在艰苦条件下萌芽的。我们详尽考证了早期配乐师如何通过“心情板”和预设曲目库，为黑白影像注入生命力。 重点章节聚焦于默片时代的配乐革命。从卡尔·霍耶斯（Carl Hoeyers）的“动机矩阵”构建，到格里菲斯（D.W. Griffith）电影中对瓦格纳乐段的大胆引用，本书清晰梳理了电影叙事音乐的早期语法是如何被确立的。 进入有声电影时代，配乐的地位经历了从“伴奏”到“叙事主体”的转变。我们花费大量篇幅研究了马克斯·施特劳斯（Max Steiner）的革命性贡献。施特劳斯不再仅仅是为画面添色，而是首次真正意义上实现了“同步配乐”，尤其是在《金刚》中，他如何运用管弦乐段来塑造角色的内在冲突与情感波动，为后世的电影配乐树立了不可逾越的标杆。 此外，本书还对比分析了欧洲电影配乐的独特路径，如德国表现主义电影中对不和谐音的运用，如何反映了战后欧洲的焦虑与分裂。 第二部分：交响的黄金年代与类型化构建（1950s - 1970s） 二战后，电影工业的成熟带来了配乐的空前繁荣。《星尘与回响》详尽分析了这一时期类型片（西部片、黑色电影、史诗片）如何反过来塑造了配乐的规范。 我们深入解析了伯纳德·赫尔曼（Bernard Herrmann）的“声音雕塑”技法。赫尔曼对极简主义和独特配器（如《惊魂记》中弦乐的尖锐切割）的偏爱，挑战了传统好莱坞“大团圆”式的交响乐模式。本书通过对赫尔曼创作手稿的细致解读，揭示了他如何通过乐器音色的选择，直接传达角色的心理创伤与外部世界的压迫感。 同时，本书并未忽略另一位巨匠——约翰·威廉姆斯（John Williams）的前身。我们详细考察了科尔·波特（Cole Porter）与罗杰斯与哈默斯坦（Rodgers and Hammerstein）对音乐剧元素如何渗透到早期冒险片和歌舞片的配乐结构中。这一时期的配乐工作坊，如米高梅和二十世纪福克斯的内部音乐部门，其组织结构和培养模式，也构成了本书重要的历史档案。 第三部分：电子脉冲与主题的消解（1980s - 1990s） 随着合成器技术的普及和电子音乐的兴起，电影配乐的“管弦至上”的神话开始动摇。本书重点探讨了数字技术对声音美学的颠覆性影响。 从范吉利斯（Vangelis）在《银翼杀手》中创造的赛博朋克氛围，到哈罗德·范特（Harold Faltermeyer）对合成器驱动节奏的驾驭，《星尘与回响》描绘了配乐师们如何努力将冰冷的电子音色注入人性的温度。我们特别探讨了声音设计与传统配乐之间的界限是如何模糊的，例如在动作片中，打击乐和合成器的交织如何形成了新的“听觉冲击波”。 此外，本书批判性地审视了“主题提炼”的时代特征。在这一时期，一些配乐师开始摒弃宏大叙事，转而追求更具辨识度的、片段化的“钩子”（Hooks），这些片段往往比完整交响乐段更容易被大众记住和传播。 第四部分：全球化的音景与技术的融合（21世纪至今） 进入新千年，电影制作的全球化对配乐的融合性提出了前所未有的要求。本书关注跨文化音乐元素如何被巧妙地编织进西方叙事结构中，例如对亚洲传统乐器、非洲节奏模式的借鉴与创新。 更重要的是，本书深入分析了数字音频工作站（DAW）和采样技术的普及对创作过程的根本性改变。配乐不再完全依赖录音棚的大型乐团，而更多地依赖于“虚拟乐团”的精细调制。我们探讨了这种便利性带来的机遇（更快的迭代速度、更低的成本）与挑战（声音的同质化风险，对真实演奏的疏远）。 最后一章聚焦于配乐在流媒体时代的“重定位”。随着观众观看习惯的改变——从影院到耳机，配乐的音量、动态范围和频率响应必须进行新的调整。本书通过对近年来顶级配乐师的深度访谈，揭示了他们如何在保持艺术完整性的同时，适应这一快速变化的技术生态。 --- 《星尘与回响》 是一部为电影制作人、音乐学生、声音工程师以及所有热爱电影艺术的观众准备的深度读物。它旨在提供一个全面的、去中心化的视角，去理解音乐如何在黑暗中引导我们的目光，在寂静中激发我们的情感。这本书承诺提供的，是对电影配乐艺术的完整脉络梳理，而非对任何单一荣誉榜单的重复叙述。它是一场关于声音如何塑造记忆的史诗之旅。

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读完《Music Award》，我最大的感受是，它像一把精密的手术刀，剖开了音乐产业华丽外衣下的复杂肌理。我原以为它会像一本官方年鉴，客观陈述事实，但它呈现的却是无数次权力博弈、艺术取舍以及商业考量的残酷现实。书里对“年度专辑”评选过程中，几位重量级评审之间的意见分歧描写得尤其精彩，那种针锋相对的辩论，涉及的不仅仅是音乐本身的审美，更是不同代际文化观和市场预期的激烈碰撞。书中引用了一些未曾公开的会议记录摘要，让我这个局外人得以窥见，许多我们奉为经典的专辑之所以能够脱颖而出，背后是多么艰难的妥协与坚持。有一章专门探讨了评审团如何平衡“艺术前瞻性”与“市场接受度”这两个天平，那段论述逻辑严密，论据翔实，让人不得不佩服作者的田野调查功力。这本书不满足于歌颂，它更热衷于解构，让读者明白，光荣的殿堂之上，永远是多方力量拉扯的结果。

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坦白说，我最初对《Music Award》抱有一种比较审慎的态度，担心它会落入追捧明星八卦的俗套。但出乎意料的是，这本书的学术性与人文关怀达到了一个令人惊叹的平衡点。它对音乐产业技术层面的探讨，比如录音棚技术的演进如何影响了“年度制作人”奖项的评判标准，以及流媒体数据纳入考量后对传统投票机制的冲击，都进行了深入浅出的分析。作者仿佛是一位资深的行业分析师，用清晰的图表和严谨的数据支撑了自己的论点，而不是仅仅停留在空泛的赞美之上。更难能可贵的是，它并没有将音乐人工具化，反而始终将焦点放在“创造力”本身。书中穿插了一些对作曲家和编曲家的访谈摘录，他们谈论的不是如何赢得奖项，而是如何捕捉到“那个瞬间的灵感”，这种对创作内核的尊重，让这本书从一本行业观察报告，升华为对艺术精神的探讨。

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这本书的叙事节奏把握得极其高明，完全没有一般纪实文学的拖沓感。它就像一部剪辑精良的电影，在平铺直叙的行业背景介绍后，突然会切入一个高潮迭起的“关键时刻”。比如描写某位歌手在颁奖礼上表演失误后的状态，作者没有用大量煽情的词汇，而是通过环境光影的变化、工作人员微妙的肢体语言，将那种瞬间的凝固感和巨大的心理落差描绘得入木三分。我特别喜欢它在讨论不同音乐流派在奖项分配上的倾斜与偏见时所采用的对比手法。它将那种在主流舞台上黯然失色的独立音乐人的坚守，与那些一炮而红的流行歌手的快速迭代进行了平行对比，使得不同命运的音乐人形象立体化。阅读体验是流动的，时而沉重，时而又因某个瞬间的纯粹感动而豁然开朗，这种情感上的过山车体验，是很多同类书籍难以企及的。

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这部《Music Award》的封面设计着实引人注目，那种复古的金色和深蓝色的搭配，立刻让人联想到那些辉煌的颁奖典礼现场，空气中似乎都弥漫着镁光灯的炙热和台下观众的屏息以待。我原本以为这会是一本纯粹记录历年音乐大奖得主和精彩瞬间的图册，带着一种怀旧的情绪翻开了它。然而，当我真正沉浸其中时，才发现这远不止于此。作者显然花费了巨大的心血去挖掘那些被光环掩盖的幕后故事——那些在颁奖夜前夕，艺术家们在排练室里挥洒汗水、与自我怀疑搏斗的真实写照。我尤其被其中关于某个“最佳新人奖”得主的段落深深触动，书中细致描绘了他拿到奖杯后，眼中闪烁的泪光中，包含了多少个日夜蜷缩在狭小公寓里对着一架老旧钢琴创作的艰辛。这种对情感深度的挖掘，让原本可能枯燥的“获奖名单”变得鲜活而富有生命力，仿佛每一个奖杯背后，都有一部跌宕起伏的史诗在默默上演。它让我重新审视“成功”这个词的重量，远非一个闪亮的奖杯所能概括。

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这本书的语言风格极其富有画面感，读起来不像是在阅读文字，更像是在聆听一场精心编排的交响乐。作者的用词考究，善于运用复杂的句式来营造氛围，尤其是在描述那些大型颁奖典礼的场景时，那种盛大、喧嚣却又暗含着某种仪式感的氛围被渲染得淋漓尽致。例如，描述一位老牌音乐人重新登上领奖台的段落，作者用了长达半页的篇幅来描绘他走过红毯时，脚下地毯反射的光芒以及他脸上细微的表情变化，那份从容与岁月的沉淀感，通过文字的堆叠，产生了强大的视觉冲击力。它不满足于简单告知发生了什么，而是试图还原“感觉”本身。这本书的阅读门槛略高，需要一定的耐心去品味那些精妙的措辞和长句结构，但回报是巨大的——它提供了一种超越新闻报道的、近乎文学性的行业体验，让你身临其境地感受每一次掌声和每一次遗憾背后的复杂情绪暗流。

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