具体描述
Twenty-five inspiring biographical profiles span two centuries of African American historyThis lively collection of profiles tells the inspiring stories of twenty-five African American musicians: both the legendary and the forgotten musical heroes whose contributions to the industry were invaluable to those who later followed in their footsteps. Each well-rounded biography covers a musician's origins, challenges, and accomplishments. - Includes many music industry giants, as well as lesser-known names - Boxed features highlight significant achievements and provide historical anecdotes and context - Includes a timeline, index notes, a bibliography, and a glossary Eleanora E. Tate (Morehead, NC) is an award-winning children's book author. Her honors include a CBC/NCSS Notable Children's Trade Book in the Fields of Social Studies. Jim Haskins (New York, NY) is Professor of English Literature at the University of Florida, Gainesville, and the author of more than one hundred nonfiction books for young readers. His awards include the Washington Post Children's Book Award and the Coretta Scott King Book Award.
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读后感
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用户评价
说实话，我拿起这本书是带着点怀疑的，毕竟“非裔美国音乐家”这个主题已经被无数次的歌颂和记录了。然而，这本书的处理方式非常独特，它花了大量篇幅探讨了“声音的政治性”。作者大胆地挑战了一些既定的英雄叙事，比如，他并没有将所有爵士乐手都描绘成纯粹的艺术殉道者，而是探讨了他们在不同历史时期，如何在种族和商业的双重夹缝中做出妥协与抗争的复杂人性。尤其是在讨论灵魂乐从福音音乐中汲取力量时，那种宗教情感和世俗欲望的张力被刻画得淋漓尽致，读起来让人心头一震。这本书的配图选择也极其用心，那些泛黄的演出海报和模糊的舞台照片，无声地诉说着那个时代的粗粝感和激情。我特别欣赏作者在论述中采用的跨学科视角，他引入了社会学、城市研究甚至视觉艺术的理论框架来分析音乐现象，这使得整本书的视野极度开阔。我感觉自己像是在跟随一位经验丰富的向导，穿梭于历史的迷宫，每走一步都能发现新的线索和不同的解读角度。看完之后，我对“什么是真正的美国音乐”这个问题有了全新的思考。
评分这本关于非裔美国音乐家的书简直是一部宝藏，我本来只是想找点背景知识，结果一头扎进了这些音乐巨匠的传奇人生里。作者的叙述方式非常引人入胜，不是那种干巴巴的学术罗列，而是充满了故事性和人情味。我特别喜欢他描述早期布鲁斯音乐家在密西西比三角洲的艰辛生活时所营造的氛围，那种贫瘠土地上孕育出的、充满灵魂深处的呐喊和挣扎，读起来让人感同身受，仿佛能听到吉他弦上滴落的汗水和泪水。书中对爵士乐黄金时代的描绘，更是让我这个门外汉也对路易斯·阿姆斯特朗和艾灵顿公爵的心路历程有了更深的理解。作者没有回避他们在种族隔离制度下面临的挑战，反而将这些社会背景巧妙地融入到音乐的演变过程中，让我明白了为什么他们的音乐会带有如此强烈的社会批判和自我认同的色彩。从早期的福音唱诗班到摇摆乐的兴盛，再到后来的灵魂乐和放克，这本书提供了一个非常清晰的时间线索，但更重要的是，它挖掘了隐藏在音符背后的那些个体的挣扎、创新与辉煌。阅读过程中，我时不时地停下来，去搜索书里提到的那些老唱片，每一次重听，都有了全新的感悟。这本书不仅仅是记录历史，它更像是一部活生生的音乐社会史诗，强烈推荐给所有对美国文化感兴趣的人。
评分我通常对音乐传记类书籍敬而远之，总觉得它们过于煽情或流于表面，但这本著作完全超出了我的预期。它最吸引我的一点是，作者对音乐流派的划分和演进逻辑进行了大胆的重构，尤其是在探讨从迪克西兰爵士乐到咆勃爵士乐的过渡时，他引入了“美学断裂点”的概念，极富启发性。这本书的语言风格非常具有说服力，带着一种近乎辩论的姿态，挑战读者接受新的音乐史观。它没有避讳讨论种族冲突对音乐创作的直接影响，反而将其视为推动创新的强大动力。例如，书中对爵士乐手在欧洲巡演时的心态转变的描述，细致入微地捕捉到了他们在异国他乡所获得的暂时性自由感及其对创作的催化作用。这本书的篇幅很可观，但阅读起来并不觉得累赘，因为每一章都像是一个独立的、精心打磨的学术论文，充满了新的论点和令人信服的证据链。我甚至在阅读过程中做出了很多批注，因为书里提到的很多观点都需要我停下来进行消化和思考。毫无疑问，这是一部需要认真对待的、深刻探讨美国文化内核的力作。
评分我对音乐史的了解一直停留在比较表层的阶段，这本书彻底颠覆了我的认知。它的叙事结构非常巧妙，没有采用传统的年代顺序，而是围绕几个关键的音乐流派展开，深入剖析了它们如何相互影响、彼此渗透，最终构建起非裔美国音乐这片广袤的音乐大陆。让我印象特别深刻的是关于“硬波普”（Hard Bop）那一部分的论述，作者对艺术表达自由和商业化压力之间微妙平衡的分析，精辟独到。书中对泰隆·戴维斯等被低估的音乐家的发掘和重估，也体现了作者深厚的学术功底和对音乐的真挚热爱。我个人认为，这本书最成功的地方在于，它成功地将音乐理论和个人传记完美地结合起来。当你读到查理·帕克如何在一次即兴演奏中推翻了既有的和声规则时，作者会用一种既专业又易懂的方式解释其背后的音乐逻辑，让你在惊叹于其天赋的同时，也能理解其革命性的意义。这本书的文字风格比较老练、沉稳，用词考究，读起来需要集中精神，但回报是巨大的知识量和审美上的愉悦。它不是一本可以轻松翻阅的消遣读物，而是一部值得反复研读的音乐哲学著作。
评分这本书的阅读体验非常具有沉浸感，仿佛作者是一位在录音棚里陪伴了这些音乐家几十年的老友。它没有采取宏大的叙事，而是通过聚焦于几位关键人物——比如某位被边缘化的打击乐手或某位只留下寥寥几首歌的女歌手——来侧面展现整个音乐生态的变迁。这种“以小见大”的写作手法非常高明。我特别喜欢那些细节描写，比如在描述蓝调音乐家如何用简陋的乐器创造出丰富的音色时，作者对琴弦的松紧度、指尖的力度，甚至麦克风摆放角度的描述都极其精确到位。这使得书中的音乐场景仿佛触手可及。文字的节奏感也拿捏得极好，在描述快速的即兴演奏时，句子变得短促、充满爆发力；而在回顾一段漫长的职业生涯时，文字又变得悠长、带有反思的韵味。这本书最触动我的是它对“声音遗产”的探讨，它提醒我们，音乐不仅仅是录音带上的旋律，更是代代相传的技艺、情感和集体记忆的载体。对于那些追求纯粹音乐体验的读者来说，这本书提供了极佳的背景支撑，让你在欣赏音乐时，不再只是“听”，而是真正地在“理解”。
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