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出版者:上海人民美术出版社

作者:比尔吉德·奥康纳

出品人:

页数:128

译者:

出版时间:2016-1-1

价格:CNY 38.00

装帧:平装

isbn号码:9787532296446

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西方经典美术技法译丛 引言 在人类文明的漫长画卷中，艺术始终是不可或缺的瑰宝，它承载着时代的精神，记录着人类的情感，也探索着美的无限可能。西方艺术，以其悠久的历史、辉煌的成就和深邃的思想，在全球艺术史中占据着举足轻重的地位。从古希腊的雕塑，到文艺复兴的绘画，再到巴洛克时期的宏伟，乃至现代主义的革新，西方美术的每一个时代都涌现出无数天才的艺术家，他们用画笔、凿子、色彩和线条，创造出令人惊叹的杰作。 然而，这些杰作的背后，不仅仅是灵感的迸发，更是对技法的精益求精和对材质的深刻理解。每一笔勾勒，每一次色彩的调和，每一个形体的塑造，都凝聚着艺术家数年甚至数十年的磨砺。而这些宝贵的技艺，往往通过言传身教，或在实践中慢慢领悟。幸运的是，许多伟大的艺术家在他们的创作生涯中，也乐于将自己的心得体会、技巧秘诀记录下来，或是通过口述，由其学生和后人整理成册，成为了宝贵的艺术文献。 《西方经典美术技法译丛》 正是这样一套致力于将西方艺术史上一系列具有里程碑意义的美术技法经典著作，以最忠实、最易懂、最专业的方式呈现给广大中文读者的重要出版项目。我们深知，要真正理解和欣赏一件艺术品，除了对其历史背景、文化内涵和审美价值的认识，对其创作技法的掌握和理解同样至关重要。一件宏伟的雕塑是如何被赋予生命力的？一幅传世油画是如何通过色彩与光影的配合，营造出如此逼真的空间感和情感张力？一件精美的版画是如何在有限的线条中展现出无限的韵味？这些问题的答案，都隐藏在艺术家们赖以生存和创造的技法之中。 这套译丛并非简单地罗列各种绘画、雕塑、版画等技法的步骤，而是力求深入挖掘每一本原著的核心价值。我们将精选那些在西方艺术史上具有广泛影响、被奉为圭臬的技法著作，涵盖从古典到近代的各个时期，囊括油画、水彩、素描、版画、雕塑、壁画等多种艺术媒介。每一本书的选取，都经过审慎的考量，旨在为读者提供一个系统、全面、深入的西方美术技法学习和研究的平台。 译丛的核心价值与内容特色 一、权威原著的严谨选译 我们深知，对艺术技法的理解，其根本在于对原文的准确把握。《西方经典美术技法译丛》在原著的选择上，力求权威性和代表性。我们参考了国际艺术史学界和艺术教育界的广泛共识，遴选那些在各自领域内被公认为经典、影响深远的作品。例如，可能包含历史上关于油画颜料调配、底料制作、色彩理论、笔触运用等方面的奠基性著作；也可能涉及水彩画中对光线、水分控制的精妙阐释；抑或是素描中关于造型、透视、明暗处理的系统性论述；乃至铜版画、木版画等版画技法的经典教程。 在翻译过程中，我们秉持“信、达、雅”的原则，力求将原文的学术严谨性和艺术魅力原汁原味地传递给中文读者。我们组织了经验丰富、学养深厚的艺术史学者、美术教育家和专业翻译人员，组成翻译团队。他们不仅具备扎实的语言功底，更重要的是，他们对西方美术史和各类艺术技法有着深刻的理解和研究，能够准确把握术语的含义，理解作者的创作意图，并将其转化为符合中文阅读习惯的流畅表达。对于一些在中文语境中可能存在翻译障碍的专业术语，我们会根据上下文进行恰当的解释和说明，以确保读者能够无障碍地理解。 二、技法精髓的深入剖析 这套译丛不仅仅是翻译，更是一次对西方经典美术技法的深度挖掘和系统梳理。每一本书都将围绕其核心技法展开详细的介绍。例如，在涉及油画技法时，我们可能会重点介绍： 媒材与颜料： 从古代的蛋彩、矿物颜料，到近代植物油、合成颜料，介绍不同媒材的特性、保存方法、调色技巧，以及如何根据不同的绘画需求选择合适的颜料。 底料与画布准备： 详细阐述不同画布材质的选择，以及如何制作合适的底料（如石膏、铅白等），以保证油画颜料的附着力和色彩的表现力。 色彩理论与运用： 深入解析色彩的冷暖、明暗、饱和度等基本概念，以及如何运用色彩原理进行构图、塑造形体、营造氛围。可能还会介绍经典色彩理论家（如柯罗连科、伊顿等）的观点及其在实践中的应用。 笔触与肌理： 探讨不同笔触（如平涂、点画、刮刀、罩染等）所产生的不同视觉效果，以及如何通过笔触的疏密、方向、力度来表现物体的质感和情感。 光影与空间： 讲解如何运用明暗对比来塑造体积感，如何通过色彩的冷暖、远近来营造空间深度，以及如何捕捉和表现自然光与人造光的微妙变化。 经典技法的传承： 介绍如“湿画法”、“干画法”、“罩染法”、“薄涂法”等经典油画技法，分析其历史演变、适用范围以及在不同时期艺术家的实践。 对于水彩画，译丛可能会侧重于： 水与纸的互动： 强调水分的控制，以及水与纸张纤维之间的微妙关系，如何利用水的流动性来创造偶然的效果。 色彩的透明与叠加： 讲解水彩色彩的透明特性，以及如何通过色彩的叠加来丰富画面层次和色彩变化。 写意与写实： 介绍不同风格的水彩技法，既包括对细节的精准描绘，也包括对意境的写意表达。 在素描部分，则会深入探讨： 线条的语言： 分析不同线条（如粗细、虚实、刚柔、曲直）所传达的不同信息，以及如何运用线条来勾勒轮廓、表现形体、暗示体积。 明暗关系： 详细讲解明暗的构成原理，如何观察和表现光源、阴影、反光，以及如何通过明暗对比来塑造画面的空间感和立体感。 透视原理： 介绍一点透视、两点透视、多点透视等基本原理，以及如何在画面中准确运用透视来表现物体的空间关系。 三、图文并茂的视觉呈现 一本优秀的艺术技法书籍，绝不能仅仅依赖文字的描述。《西方经典美术技法译丛》 深谙此道。我们将尽可能地在译本中保留原著中的精美插图、范例作品和步骤图解。这些视觉材料不仅是技法演示的直观体现，更是激发读者创作灵感的重要源泉。 经典范例分析： 译丛会精选西方艺术史上的经典画作，并结合原著的技法讲解，对这些作品进行深入的技法分析。例如，分析达芬奇《蒙娜丽莎》中“晕涂法”的运用，或者伦勃朗《夜巡》中光影的表现手法。通过对大师作品的剖析，让读者不仅能学到技法，更能体会技法在实际创作中的运用及其所能达到的艺术高度。 步骤图解详解： 对于一些需要具体操作演示的技法，我们将尽可能地保留或补充详细的步骤图解，配以精准的文字说明，让读者能够清晰地跟随指导进行学习和实践。 精美印制： 我们会投入大量的精力在书籍的装帧设计和印刷质量上，力求以最佳的视觉效果呈现每一幅图画和每一段文字，让读者在翻阅过程中就能感受到艺术的魅力。 四、面向广大艺术爱好者的实用指南 《西方经典美术技法译丛》 的目标读者群非常广泛，包括但不限于： 美术院校学生： 为他们提供系统、权威的艺术技法学习资源，打下坚实的专业基础。 艺术专业教师： 为他们提供教学参考和理论支撑，更新教学理念和方法。 职业艺术家： 帮助他们拓展技法视野，掌握更多表现手段，提升艺术创作水平。 艺术爱好者和业余学习者： 为他们提供一条接触、学习、实践西方经典艺术技法的便捷途径，点燃对艺术的热情。 我们相信，通过学习和掌握这些经典的西方美术技法，读者不仅能够提升自己的绘画、雕塑等创作能力，更能加深对西方艺术史的理解，从中汲取灵感，形成自己独特的艺术风格。 结语 艺术的传承，离不开技法的传递；艺术的创新，也常常建立在对经典技法的深刻理解之上。 《西方经典美术技法译丛》 的出版，是我们对这一理念的实践。我们希望通过这套译丛，能够搭建一座连接过去与现在、东方与西方的艺术桥梁，让更多人能够走进西方艺术的殿堂，领略其独特的魅力，并从中获得启迪，在中国当代艺术发展的道路上，贡献自己的智慧和力量。 这是一次漫长而充满挑战的旅程，但我们深信，当您翻开这套译丛的每一本书，您将被其中蕴含的智慧和匠心所吸引，并从中受益匪浅。让我们一同踏上这段精彩的艺术技法探索之旅吧！

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我个人对十九世纪学院派对古典技法的“复兴”阶段特别感兴趣，比如对安格尔的线条的痴迷，以及后来拉斐尔主义者对文艺复兴早期技法的模仿。我希望这套译丛中能有专门的篇幅解析这些“模仿”背后的技法逻辑。例如，他们是如何用现代油画材料去重现早期坦培拉或蛋胶画的那种平面感和光泽度的？这种跨时代的技法移植，必然涉及到对媒介和底层的重新理解和调整。我特别想看到关于“色彩理论”在不同时期演变的部分——从早期的光谱划分到后来的色彩调和实验。如果书中能通过清晰的图解和案例分析，展示不同流派（比如威尼斯画派的湿润与提香的厚涂、佛罗伦萨画派的精细过渡）在处理人体结构和织物纹理上的技法差异，哪怕只是通过对某几幅代表作的局部剖析，都将极大地丰富我对西方艺术史的理解层次。我需要的不是一本讲故事的书，而是一本能让我看到“他们是怎么做到的”的书。

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坦白讲，我关注这套书，主要是冲着它对“材料学”的关注度去的。现在的颜料工业化生产已经大大简化了艺术创作的难度，但同时也让我们失去了对材料本源的理解。我很好奇，早期艺术家如何自己研磨矿物颜料，如何处理天然树脂以制作稳定的清漆。如果译丛能收录关于“圣像画”中金箔打底和晕染的技术，或是早期油画颜料中铅白的使用与风险提示，那将是非常宝贵的知识。我期待的不是那些已经过时的配方可以直接应用（毕竟现代材料更好用），而是通过了解这些历史材料的局限性，反过来理解古典大师们是如何在限制中创造出不朽的视觉效果的。这是一种思维方式的训练，即如何在有限的工具箱内，最大化地发挥创造力。这套译丛如果能做到这一点，它就成功地扮演了连接过去与现在的桥梁角色。

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这本《西方经典美术技法译丛》的出现，对于我们这些长期在传统美术领域摸索，却苦于缺乏系统、权威的西方艺术史和技法资料的爱好者来说，简直是雪中送炭。我一直觉得，要真正理解西方绘画的精髓，光看现当代那些光怪陆离的创作是不够的，必须回溯到文艺复兴乃至更早的时期，去探究那些大师们是如何调和色彩、处理光影、构建空间的。然而，市面上关于文艺复兴时期湿壁画的颜料配方、油画的底子制作，或是巴洛克时期明暗对比的精确运用，要么是翻译质量堪忧，要么就是过于学术化，晦涩难懂。我期望这套译丛能够填补这个空白，带来真正来自源头、经过精心挑选和翻译的技法指南。我特别关注其中关于古典素描训练的部分，希望能够从中找到一套可以循序渐进、有效提升我造型能力的练习方法，而不是那种只停留在理论层面的空泛论述。如果它能像我听说的那样，包含了详细的材料准备和步骤分解，那它就不仅仅是一本参考书，更是我工作室里不可或缺的实践手册了。

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对于一个科班出身，却发现自己基础不扎实的学习者而言，这套《西方经典美术技法译丛》对我来说更像是一剂“矫正剂”。我们过去学习的速成班或者网络课程，往往会跳过那些“枯燥”但至关重要的基础训练环节，比如精确的透视网格绘制，或者如何通过观察来确定色彩的纯度。我希望这套书里的内容是那种“笨功夫”的精髓提炼。我梦想着看到详尽的关于蛋彩画在木板上的多层罩染技巧，或者中世纪玻璃画的铅条固定与色彩渗透原理。这些技术细节，往往是现代艺术教育中被忽略的“手艺”，但它们却是支撑起西方古典艺术宏伟结构的基础。如果这套译丛能够提供那些细到连画笔的选取和清洗都要详细说明的指南，哪怕读起来需要极大的耐心和重复练习，我也愿意投入时间。因为我知道，真正的艺术深度，往往藏在那些看似琐碎的步骤之中。

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说实话，我拿到这套书时，内心是带着一丝忐忑的，毕竟“经典”二字的分量太重了。我接触过不少声称是“大师秘笈”的翻译作品，结果发现内容大多是东拼西凑，翻译腔严重，很多专业术语的对应都极其混乱，读起来非常费劲。我最看重的是它对不同媒材特性的深入剖析。比如，我想知道提香晚期那种朦胧、充满空气感的油画肌理是如何通过特殊的上光和笔触实现的，而不是简单地一句“他用了油层”。我期待看到的是关于“媒介剂”的精确配比、不同季节和湿度对颜料干燥速度的影响，甚至是对不同画家个人习惯的细致描述。如果这套译丛能把这些“工匠精神”层面的细节挖掘出来，而不是只停留在“光线与阴影”这种宏大叙事上，那么它就超越了普通的美术史著作，达到了技艺传承的高度。我尤其希望它能对威尼斯画派和佛罗伦萨画派在油画处理上的差异有深入的对比分析，这才是真正有价值的比较研究。

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能临摹的步骤图不多，不过可以学到一些水彩花卉的技巧！

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能临摹的步骤图不多，不过可以学到一些水彩花卉的技巧！

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能临摹的步骤图不多，不过可以学到一些水彩花卉的技巧！

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非常棒的一本水彩学习书籍，结构思路清晰，还有很多实用的tips。

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讲得还行，就是临摹的图好少也就三四张，内容讲得也不多，而且作者的画都是花卉局部大特写，不是我想画的