Contemporary Artists

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出版者:St. James Press
作者:
出品人:
页数:1340
译者:
出版时间:1995-12
价格:USD 175.00
装帧:Hardcover
isbn号码:9781558621831
丛书系列:
图书标签:
  • 〖工具书〗
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具体描述

《Contemporary Artists》 这本《Contemporary Artists》并非是对艺术史上的某个特定时期或流派的流水账式记录,也不是一本枯燥的艺术家名录。相反,它更像是一次深度对话,一次关于当下艺术生态的审慎观察与生动呈现。本书旨在捕捉那些在各自领域内引发思考、挑战固有认知、并以独特语言探索世界新视角的当代艺术家们。 我们深入探索那些在作品中展现出非凡创造力、技术精湛度以及深刻人文关怀的创作者。他们的媒介或许包罗万象:从传统的绘画、雕塑、摄影,到数字艺术、装置艺术、行为艺术,乃至跨越多种媒介的实验性实践。我们关注的重点在于艺术家如何利用这些媒介去构筑他们的思想世界,如何通过创作来回应我们所处的复杂时代。 书中收录的艺术家,他们的作品往往触及当今社会最核心的议题。这可能包括但不限于:身份认同的多元化与流动性,科技发展对人类社会及个体经验的影响,全球化进程中的文化碰撞与融合,环境危机下的生态反思,政治与社会议题的敏锐捕捉,以及对记忆、历史和未来的多维度审视。我们力求呈现艺术家们如何以艺术的独特视角,剖析这些宏大叙事下的个体经验,或是用微观的笔触,折射出时代的宏观变迁。 《Contemporary Artists》不回避那些具有颠覆性、挑战性甚至引发争议的作品。我们相信,真正的艺术对话,需要的是勇气和开放的心态。那些能够促使我们重新审视常识、质疑既定观点、拓宽认知边界的作品,正是本书所要关注的核心。这些艺术家们,他们敢于突破艺术的藩篱,敢于在公共领域发出声音,他们的创作不仅是对美学的探索,更是对社会现实的介入与反思。 本书的编排并非按照时间线或地域划分,而是试图发掘艺术家之间潜在的联系与对话。我们精心挑选那些在主题、观念、方法或精神气质上形成呼应的艺术家,通过并置和比较,展现当代艺术创作的丰富光谱和相互激发的活力。读者将有机会在不同艺术家的作品之间发现意想不到的关联,理解他们是如何在各自独立的创作路径上,共同构建起当代艺术的宏大图景。 每位艺术家都将得到详尽的介绍,这不仅仅是作品的罗列,更包含了对其创作理念、灵感来源、技术探索以及艺术生涯的关键节点进行深入剖析。我们引用艺术家的自述、评论家的深度解读,以及相关的历史文献,力求为读者提供一个立体、多维度的理解框架。我们希望读者能够透过文字,感受艺术家创作时的心境,理解他们作品背后的逻辑,并最终形成自己的判断与感悟。 《Contemporary Artists》是一扇窗,透过它,你可以窥见当代艺术的脉搏,感受那些正在发生的、影响深远的艺术实践。它鼓励读者以批判性的眼光去欣赏和思考,去发现艺术如何连接我们与世界,以及如何帮助我们理解和塑造自身。这本书献给所有对当代艺术充满好奇,渴望与那些最具创造力和洞察力的灵魂进行思想碰撞的读者。它是一次邀请,邀请您一同进入当代艺术的浩瀚宇宙,去发现那些令人惊叹的星辰。

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

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我对这本书最大的失望在于其对“批判性”的缺失。当代艺术的魅力很大程度上来自于它对既有权力结构、审美标准和市场机制的挑战与反思。我希望这本书能揭示一些行业内部不为人知的张力,或者揭露某些看似光鲜的现象背后的商业运作逻辑。然而,通篇读下来,我感受到的更多是一种无原则的赞美和一种温和的、甚至可以说是讨好的姿态。作者似乎对所有他提及的艺术家都持有一种近乎崇拜的态度,即便是那些明显存在争议、作品质量参差不齐的个体,也未能得到应有的审视和质疑。例如,对于近期备受争议的NFT艺术热潮,这本书的处理方式是简单地将其归类为“数字化收藏的革命”,而完全避开了其中涉及的能源消耗、投机泡沫以及艺术品所有权模糊等核心伦理困境。这种缺乏锋芒的写作,使得整本书读起来如同味同嚼蜡的白粥,安全、无害,但营养价值极低。它错失了成为一本真正有影响力的“当代”评论读物的机会,因为真正的当代艺术评论,必须敢于发问,敢于触碰那些令人不适的真相。

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这本书,坦率地说,让我有些摸不着头脑。我本期望它能像一本精心策展的画册,或者至少是一部涵盖了当代艺术界核心议题的权威指南。结果呢?它更像是一本在深夜灵感枯竭时胡乱翻阅的笔记,充满了未经验证的轶事和过于主观的臆测。 比如说,书中对于“后数字媒介”的探讨,与其说是分析,不如说更像是一段充满技术术语的独白,完全没有提供任何具体的艺术家案例来支撑其论点。我翻了好几页,试图找到一幅能让我停下脚步、细细品味的图像,哪怕只是一张模糊的展览现场照片也好,但看到的却是大段的理论堆砌,仿佛作者急于向我证明他读过多少晦涩的哲学著作,却忘了读者首先渴望的是视觉的冲击和艺术的直观体验。 这种叙事方式,让整个阅读过程充满了挫败感。我感觉自己像是在一个知识渊博但表达不清的教授的冗长讲座中,不断地追问“所以,重点是什么?” 艺术评论的价值在于连接概念与实践,在这本书里,两者之间的桥梁似乎被彻底抽走了,留下的只是高高在上的理论框架,冷冰冰地悬浮在空中,与真实世界的艺术实践脱节。我实在无法推荐它给任何一个对当代艺术抱有真诚好奇心的人,因为它提供的远非“当代”的鲜活与多元,而是一种僵化的学院派视角,令人感到乏味且隔阂。

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作为一名长期关注视觉文化的读者,我必须指出,这本书在“视觉呈现”方面做得极其失败,这对于一本探讨“艺术家”的书籍来说,简直是致命的疏漏。我理解,出版成本的考量可能会限制全彩印刷的范围,但即便是黑白图片,也应该具有足够的质量和代表性。然而,我看到的许多图片模糊不清,对比度极差,仿佛是从老旧的期刊上粗糙扫描下来的一样。更令人不解的是,有些关键段落明明在讨论某位艺术家的标志性装置或表演的现场效果,配图却是一张空荡荡的白色墙壁,或者是一张只有艺术家背影的远景照片。这迫使我不得不频繁地中断阅读,去搜索引擎上寻找正确的视觉参考,这极大地破坏了阅读的沉浸感和流畅性。一本关于艺术的书,如果不能有效地用图像来支撑和激发读者的想象力,那么它的存在价值就大打折扣了。它未能履行其最基本的职责:充当一个可靠的、有力的视觉导览。读完后,我脑海中留下的不是清晰的艺术形象,而是一系列需要我去独立完成的“图像重建工程”,这着实令人感到疲惫和不值。

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如果把当代艺术比作一个喧闹的派对,那么这本书就像是那个躲在角落里,对着自己的威士忌杯嘀咕着“结构主义的解构”的客人。它完全错过了派对的精髓——那些色彩的碰撞、声音的实验、以及艺术家们对当下社会焦虑的直接回应。我本来期待能读到一些关于材料创新或者跨学科合作的深入报道,比如某位雕塑家如何利用生物科技来创作具有生命力的作品,或者影像艺术家如何巧妙地利用虚拟现实技术来颠覆传统的叙事结构。然而,翻开内页,我发现作者似乎对这些“前沿的”动态不甚关心,反而对一些早就被艺术史梳理得七七八八的流派津津乐道,用一种陈旧的语言去套用全新的现象。比如,对于“全球化语境下的身份政治”,这本书的论述停留在上个世纪九十年代的水平,缺乏对近十年涌现出的来自非西方艺术中心的声音的关注和挖掘。阅读过程中,我几次想拿起手机搜索一下作者提到的那些被“边缘化”的艺术家,结果发现他们根本不是我印象中那些在威尼斯双年展上大放异彩的新星,而是一些似乎只在作者的个人文献库里存在的模糊名字。这使得这本书的“当代性”严重存疑,它更像是一本对过去二三十年艺术史的二手总结,而不是对现在正在发生什么的敏锐捕捉。

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这本书的叙事节奏和语调变化之大,简直像在驾驶一艘时而高速冲刺、时而原地抛锚的船。前半部分,作者以一种近乎散文诗般的、充满感叹的语气,描绘着艺术家的“孤独的创造之旅”,充斥着“灵魂深处的呐喊”、“超越时空的对话”这类空泛的抒情。这种风格,对于初入艺术领域的读者或许有那么一点点吸引力,因为它听起来很“深刻”。然而,当进入到对具体艺术运动的剖析时,笔锋突然一转,变得像教科书一样干巴巴、缺乏生气。每一个艺术家的介绍都像是被塞进了一个固定的模板:出生地、教育背景、主要成就(用项目列表的形式呈现),然后戛然而止,完全没有深入挖掘他们创作背后的驱动力或者其作品在更广阔的社会文化语境中的意义。这种风格的剧烈割裂,让我感觉不是在读一本连贯的著作,而是在看一个初级PPT演示文稿,里面不同部分是不同人赶工拼凑出来的。这种不一致性严重削弱了作者观点的权威性,也让我难以对任何一个章节产生深入的信赖感。

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