Ch'i Pai-Shih

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出版者:University of Washington Press
作者:T. C. Lai
出品人:
页数:220
译者:
出版时间:1973-12
价格:USD 30.00
装帧:Hardcover
isbn号码:9780295953151
丛书系列:
图书标签:
  • 齐白石
  • 奇白石
  • 中国美术
  • 绘画
  • 水墨画
  • 艺术史
  • 岭南画派
  • 齐白石
  • 艺术
  • 文化
  • 传记
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具体描述

青山巍峨,江水悠悠:一部关于中国山水画意境与哲思的深度探寻 书名:《江山万里赋:宋元文人画的审美转向与精神流变》 作者: (虚构作者名,例如:林远航) 出版社: (虚构出版社名,例如:翰墨轩出版集团) 出版时间: (虚构年份,例如:癸卯年仲夏) --- 内容提要: 《江山万里赋:宋元文人画的审美转向与精神流变》并非一部单纯的艺术史编年录,而是一部深植于中国传统哲学与文人精神世界的“意境之书”。本书旨在透过北宋的“浑厚博大”到元代“萧疏简淡”的审美脉络,剖析中国山水画如何从“写物”的具象描摹,逐步升华为“写心”的超验表达。 本书的撰写者,凭借数十载游历名山大川与潜心研读古籍的经验,以细腻入微的笔触,重构了那个时代知识分子面对自然时,其内心世界的微妙波动与哲学思考。我们不关注于某一位画家的生平细节,而是聚焦于他们所处的时代氛围、所受的儒释道三家思想的熔铸,以及他们如何通过笔墨,试图捕捉“道”在万物中的体现。 全书分为“天地之始:北宋宏大叙事中的‘理’与‘法’”、“文人之思:中原板荡与精神的内化”、“笔墨之境:元代‘元四家’的自我构建与诗意超越”三个主要部分,辅以“烟云过眼:古画鉴藏中的时代误读”作为引申讨论。 第一章:天地之始:北宋宏大叙事中的“理”与“法” 本章追溯北宋时期,院体画与新兴文人画的交织。重点探讨了儒家“格物致知”的求理精神,如何投射到对山川形态的精微观察之中。我们不再将李成、范宽视为单纯的画家,而是将其视为那个时代试图以线条和墨色构建宇宙秩序的哲人。 论点一:尺度与崇高。 北宋山水画中常见的“可行、可望、可游、可居”的布局,并非简单的游览指南,而是体现了人与自然之间“敬畏”与“融入”的辩证关系。范宽《溪山行旅图》中的巨碑式山体,是人类个体在天地自然面前的谦卑,也是对自然规律的结构性理解。 论点二:墨分五色的技术哲学。 深入分析了董源、巨然等对“披麻皴”的运用,这不是一种随意的笔法,而是模仿大地肌理,尝试用墨色的浓淡干湿,模拟自然界中物质的生成与消亡。墨色的层次变化,被视为“气”在画面中流动的轨迹,是“太极”生成“两仪”的视觉隐喻。 第二章:文人之思:中原板荡与精神的内化 靖康之变是理解宋元之变的枢纽。本章侧重于探讨从中原失陷到南渡建立南宋的过程中,文人精神的核心焦虑与转向。当山河破碎,传统的“经世济民”的抱负受挫时,山水画的意义开始向个体精神的庇护所转移。 研究视角: 探讨了马远、夏圭等南宋画家的“边角之景”的布局。这些“一角半边”的构图,不再追求全景式的包容,而是聚焦于一隅的幽静与落寞。这反映了士大夫阶层由积极入世到退守内心,寻求自我精神疆域的建构。画中的“留白”,不再是技法的省略,而是心境的真空,是对于逝去美好时代的集体哀思与对未来不确定性的哲学沉思。 第三章:笔墨之境:元代“元四家”的自我构建与诗意超越 元代,文人画彻底独立于宫廷与画院体制,成为士大夫阶层自我身份认同的最高载体。本章将着重分析黄公望、倪瓒等如何将书法入画,实现了绘画的“文人化”的终极目标。 核心概念: “以书为画”的本体论。 本章详细辨析了“中锋”、“侧锋”在表现不同山石(如黄公望的“披麻皴”与倪瓒的“折带皴”)时所蕴含的书法精神。例如,倪瓒画中的“折带皴”,笔法硬朗而疏朗,其背后是“不合时宜”的孤傲与对俗世的疏离。他的画作与其说是山水,不如说是他个人人格的视觉投影——清瘦、干净、孑然一身。 理论推演: 论证了元代画家对“意境”的追求,实质上是对“知行合一”的艺术实践。他们通过长期的临摹与个人化改造,力求在笔墨运行之间,达成一种“有我之境”与“无我之境”的交融。画作上的诗题,成为理解画面精神的钥匙,图画不再是孤立的视觉对象,而是诗、书、画三位一体的“文”。 第四章:烟云过眼:古画鉴藏中的时代误读 本章为非纯理论探讨,旨在批判后世对宋元山水画的“套用化”理解。作者指出,许多清代及近现代的鉴赏,往往过度强调技法的传承与模仿,而忽略了宋元画家创作时所面对的政治、哲学困境。 批判性分析: 探讨了“清雅”的审美误区,指出并非所有元代山水都追求“萧散”,而是在特定的历史压力下,不得不选择以“萧散”来表达“内敛”。对古画的过度“净化”,实则消解了其原初的生命力与历史重量。 --- 本书特色: 哲学驱动的艺术史观: 突破传统以朝代更迭为主线的叙事,以儒、释、道思想对文人精神的渗透为主轴,深入剖析笔墨背后的形而上学意图。 细致的笔墨语言分析: 对皴、擦、点、染等技法,赋予其哲学意义和情感投射,使读者理解“如何画”背后的“为何画”。 史料与现场感: 结合作者的实地考察,力图重现宋元画家面对山水时的真实心境,避免了纯粹的“纸上谈兵”。 目标读者: 本书适合所有对中国传统文化、哲学思辨以及视觉艺术有深度兴趣的读者。它不仅是艺术学者的参考,更是历史爱好者、哲学思考者,以及渴望理解中国文人“精神居所”的现代人必备的读物。阅读此书,如同跟随一位智者,穿越千年的烟云,与那些伟大的灵魂,一同在水墨丹青中,追问“江山万里”的终极意义。

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

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读完这本书,我感觉自己仿佛走过了一条充满色彩和生机的河流。作者对于齐白石绘画风格演变的梳理,条理清晰,又不失趣味性。从早期的工笔人物,到中期的山水花鸟,再到晚期的“衰年变法”,每一个阶段的变化,都伴随着齐白石人生经历的转折和心境的升华。书中对这些画作的详细分析,让我对他的艺术有了更全面的认识。我尤其喜欢书中关于他如何将民间艺术的质朴融入到自己的创作中,以及他对文人画传统的继承与超越的论述。这本书没有流于空泛的赞美,而是通过具体的画作和故事,展现了齐白石作为一个艺术家的复杂性和多面性。我看到了他对于传统艺术的尊重,但也看到了他勇于突破、敢于创新的精神。这本书让我明白,真正的艺术,不仅在于技艺的精湛,更在于内心的真诚和对生活的热爱。它鼓励我,在自己的学习和生活中,也要保持一份纯粹和执着,去发现和创造属于自己的美好。

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这本关于齐白石的书,在我拿到它之前,我对这位近现代中国艺术大师的了解其实是相当有限的。我只知道他是画虾的高手,他的画作在拍卖会上价格惊人。然而,阅读这本书的过程,完全颠覆了我之前的认知,让我如同一叶扁舟,驶入了浩瀚的艺术海洋。书中所描绘的齐白石,不仅仅是一位技艺精湛的画家,更是一位历经沧桑,却依然保持童真和对生活热爱的老人。作者以细腻的笔触,勾勒出他从一个普通木匠,一步步成长为一代宗师的非凡历程。其中,我印象最深刻的是他对艺术的执着追求,即使在贫困潦倒之时,他从未放弃对美的探索。书中引用的许多他早期的作品,虽然略显青涩,却能感受到其中蕴含的勃勃生机和对自然的深情。尤其是他对于“衰年变法”的阐述,让我看到了一位艺术家在生命的不同阶段,依然能够突破自我,寻求创新的勇气和智慧。这本书不仅仅是关于艺术技法的讲解,更是一次深入人心的心灵对话,它让我思考,如何在自己的生活中,也能够像齐白石一样,保持一份对生活的热情和对梦想的追逐,即便前路充满荆棘,也能化腐朽为神奇。

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这本书是一次精神的洗礼,让我对艺术和生活都有了新的认识。作者以极其饱满的热情,描绘了齐白石的艺术人生。我之前对齐白石的了解,仅限于他的虾,但通过这本书,我才了解到他花鸟、山水、人物的卓越成就。他对于色彩的运用,对于线条的驾驭,都达到了炉火纯青的地步。书中对齐白石“衰年变法”的解读,让我看到了艺术家在面对衰老时,依然能够保持创新和突破的勇气。他用画笔,表达了自己对生命的热爱,对自然的敬畏,以及对人生哲理的感悟。这本书不仅仅是一本艺术史的书,更是一本关于人生哲学和生命态度的书。它让我明白,无论面对何种困境,都要保持一颗积极向上的心,用艺术和热爱,去点亮自己的生命。

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这本书带给我的震撼,是难以用言语来形容的。作者以一种近乎虔诚的态度,展现了齐白石这位伟大的艺术家。我之前只知道他画的虾很出名,但在这本书中,我看到了一个更立体、更丰满的齐白石。他的一生,充满了坎坷与奋斗,但从未放弃对艺术的追求。书中对齐白石“借山馆”的描绘,让我感受到了他对于艺术的执着和对自然的热爱。他将自己的工作室命名为“借山馆”,足见他对于自然的敬畏和从中汲取灵感的渴望。书中对他晚年“衰年变法”的解读,尤其让我赞叹,一位老人,在生命的暮年,依然能够突破自我,实现艺术上的飞跃,这是一种何等强大的生命力!这本书让我明白,真正的艺术,是不断超越自我,不断挑战极限的过程。它激励我,在自己的领域,也要保持学习和进步的态度,不断追求卓越。

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坦白说,在阅读这本书之前,我对中国传统绘画的了解并不多,甚至觉得有些枯燥。然而,这本关于齐白石的书,完全改变了我的看法。作者的叙述方式非常吸引人,他将齐白石的人生故事与艺术创作紧密地结合在一起,让我仿佛置身于那个时代,亲眼见证了这位艺术大师的成长与蜕变。书中对齐白石不同时期画作的解析,非常深入浅出,即使是对绘画不甚了解的我,也能从中感受到作品的魅力。我尤其惊叹于他对自然界生物细致入微的观察,那些栩栩如生的虾、螃蟹、花鸟,仿佛都能在纸上跳跃。更让我印象深刻的是,齐白石在艺术创作中始终保持的那份童真与率性,即使功成名就,也未曾失去对生活的热情和对艺术的纯粹追求。这本书不仅仅是一本艺术鉴赏的书,更是一本关于人生智慧的书,它教会我如何热爱生活,如何保持一颗年轻的心。

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这本书带给我的,不仅仅是知识的增长,更是一种对生命的热爱和对艺术的敬畏。作者对齐白石晚年生活的描绘,尤其让我感动。即使年事已高,身体状况不佳,他依然保持着旺盛的创作精力,不断探索新的表现手法。书中的一些轶事,比如他给自己画的“衰年变法”的自画像,以及他与友人之间的趣闻,都让我看到了一个更加鲜活、更加真实的齐白石。他身上那种不服老、不服输的精神,以及他对生活的热爱,深深地感染了我。我常常在想,是什么样的力量,能够让一位老人,在生命的尽头,依然能够爆发出如此强大的创造力?这本书给出了答案:那是对艺术的纯粹热爱,是对生命意义的深刻理解,以及一种永远不老的童心。它让我明白,年龄只是一个数字,真正的生命力,源于内心的丰盈和对生活的热情。

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这本书的文字,如同齐白石的笔墨一样,带着一种朴拙而又极富生命力的韵味。我特别喜欢作者对齐白石创作心境的解读,那些看似随意的笔触背后,蕴含着他对万物细致入微的观察和深刻的理解。书中对于齐白石画作中“意境”的分析,让我茅塞顿开。我之前看他的画,只觉得有趣、生动,却很难说出它为何如此打动人。通过这本书,我才了解到,原来那些寥寥数笔勾勒出的虾,并非仅仅是虾本身,而是寄托了画家对生命自由游弋的向往,对自然生生不息的赞美。书中穿插的许多历史资料和当时的社会背景,也让我对齐白石所处的时代有了更深的理解。他生活在一个变革的年代,也经历了不少动荡,然而,他却能在艺术的世界里,为自己和世人开辟出一片宁静而充满活力的天地。这本书让我看到了一个艺术家如何将个人的情感、时代的印记,以及对自然的敬畏,熔铸于笔端,最终转化为永恒的艺术价值。每一次翻开这本书,都像是一次与智者对话,从中汲取力量和灵感。

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这本书让我看到了一个艺术家的灵魂,不仅仅在于他的画技,更在于他的人格魅力。作者用一种非常平实的语言,讲述了齐白石一生的故事,却充满了力量。我尤其喜欢书中对齐白石与弟子们之间关系的描述,他虽然是大艺术家,但对弟子们却非常关怀和爱护,甚至将自己的艺术理念毫无保留地传授给他们。这种传承的精神,让我看到了一个艺术家高尚的品格。书中也穿插了一些关于齐白石为人处世的轶事,这些细节让人物更加鲜活,也让我看到了他身上那种接地气、充满生活智慧的一面。他并非一个高高在上的神话,而是一个有血有肉,有喜怒哀乐的普通人,只是他将这份普通人的情感,升华到了艺术的高度。这本书让我明白,真正的伟大,源于内心的善良和对生活的热情。

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这是一本让我久久不能平静的书。作者对齐白石艺术创作过程的细致描写,让我仿佛看到了他挥毫泼墨时的神情。书中对齐白石如何从写实到写意,从模仿到创造的转变,进行了深刻的剖析。他不仅仅是模仿自然,更是将自己的情感和理解融入其中,使得每一幅画都充满了生命力。我特别喜欢书中对齐白石在创作中对于“韵味”的追求的描述,这种难以言喻的艺术魅力,是所有艺术家毕生所追求的。这本书让我看到了,艺术不仅仅是技巧的展现,更是心灵的交流。齐白石的画,之所以能够打动人心,正是因为他用画笔传递了对生活的热爱,对自然的敬畏,以及对生命意义的深刻感悟。它鼓励我,在自己的生活和工作中,也要用心去感受,用心去表达,去创造属于自己的价值。

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这本书就像一位老朋友,在不经意间,却又深刻地改变了我对艺术的看法。作者的笔触细腻而富有感染力,他并没有一味地强调齐白石的艺术成就,而是更侧重于描绘他作为一个普通人,在追求艺术道路上的心路历程。书中关于齐白石如何从一个雕花匠人,逐步走向绘画大师的转变,让我看到了坚持与毅力的力量。他并非天赋异禀,而是通过不懈的努力和对艺术的感悟,最终成就了自己的辉煌。我特别喜欢书中对他画作中“味”的分析,那种经过岁月沉淀、生活磨砺而形成的独特韵味,是任何技巧都无法替代的。这本书让我明白,艺术并非高高在上,它源于生活,也回馈于生活。齐白石的画,充满了生活的气息,也传递着他对生命的热爱和对自然的感悟。它鼓励我,在自己的生活中,也要用一颗发现美的眼睛,去感受生活中的点滴美好。

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