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出版者:Biblio Distribution

作者:Sugarman, Robert

出品人:

页数:174

译者:

出版时间:

价格:16.95

装帧:Pap

isbn号码:9780970869340

丛书系列:

图书标签:

• Shakespeare
• Performance
• Theatre
• Drama
• Literary Criticism
• Stagecraft
• Acting
• Elizabethan Literature
• Literary Studies
• Cultural Studies

Performing Shakespeare 是一本深入探索莎士比亚戏剧在舞台上生命力的著作。它并非是对莎士比亚作品文本本身的逐字分析，而是聚焦于那些让文字跃然纸上、转化为现场体验的表演实践。本书将带领读者穿越时空，体验不同时代、不同文化背景下，演员、导演、舞美设计如何解读和呈现莎士比亚的经典人物与戏剧张力。 本书的重点在于“表演”，它从多个维度揭示了莎士比亚戏剧为何能够历久弥新，并在每一次的演出中焕发出新的生命。我们将审视演员如何通过声音、肢体、情感的投入，将哈姆雷特的挣扎、麦克白的野心、罗密欧与朱丽叶的炽热爱情，或是福斯塔夫的滑稽与狡黠，转化为观众能够感同身受的现场表演。这其中包含了对传统表演技巧的继承与创新，以及现代演员在面对莎士比亚语言时所遇到的挑战与机遇。 本书还会深入探讨导演在莎士比亚戏剧呈现中的核心作用。导演如何塑造整体的舞台概念？他们如何引导演员挖掘角色的潜能？又如何利用布景、灯光、服饰、音乐等舞台元素，为观众构建一个引人入胜的戏剧世界？我们将回顾历史上一些具有里程碑意义的导演对莎士比亚戏剧的解读，分析他们是如何通过创新的舞台手法，赋予古老文本以新的生命力，从而引发观众对人性和社会的深刻思考。 舞美设计在 Performing Shakespeare 中也占据着重要的位置。从简单的戏台到宏大的数字舞台，每一处的设计都承载着对剧本的理解和对观众的引导。本书将探讨舞台空间的设计如何影响表演的呈现，服装如何塑造人物的身份与性格，道具如何成为戏剧叙事的一部分，以及灯光如何营造气氛、引导视线，甚至成为角色的内心独白。我们将看到，这些看似边缘的元素，实则与演员的表演密不可分，共同构筑了莎士比亚戏剧的独特魅力。 此外，本书还将关注不同文化背景下对莎士比亚戏剧的诠释。从英国的皇家莎士比亚剧团，到美国的百老汇，再到世界各地非英语国家的莎士比亚演出，本书将展示莎士比亚戏剧如何跨越语言和文化的障碍，在全球范围内获得广泛而深入的接受。我们会看到，莎士比亚的普世主题和深刻洞察，是如何在不同的文化土壤中生根发芽，并以令人惊叹的多样化形式呈现。 Performing Shakespeare 并非一本学术理论堆砌的书籍，而是充满了对具体表演案例的细致观察和生动描绘。它将通过丰富的案例研究，分析成功的舞台呈现背后的思考与实践，同时也探讨在实践过程中可能遇到的困难与误区。本书的目的在于激发读者对莎士比亚戏剧表演的兴趣，无论是作为观众，还是作为潜在的表演者或研究者，都能从中获得启发和收获。 本书将带领你： 理解演员如何“活在”莎士比亚的角色中： 探索演员对莎士比亚语言的把握、情感的释放以及肢体语言的运用，如何将诗意的台词转化为真实的舞台行动。 揭示导演的创意与权威： 分析不同导演的艺术风格和诠释手法，以及他们如何通过对剧本的再创造，赋予莎士比亚戏剧新的生命。 感知舞台设计的魔力： 探讨布景、服装、灯光、道具等舞台元素如何协同作用，构建一个完整的戏剧体验，并如何影响观众的情感与认知。 体验跨文化演绎的魅力： 审视莎士比亚戏剧在不同国家和文化中的适应与创新，以及其普世价值如何在多元的表演实践中得到体现。 学习如何欣赏一场优秀的莎士比亚演出： 提供鉴赏莎士比亚戏剧表演的视角和方法，帮助读者更深入地理解舞台上的每一次精彩呈现。 Performing Shakespeare 是一次对莎士比亚戏剧生命力的致敬，也是一场对舞台艺术魅力的探索。它旨在展示莎士比亚剧作在经过代代相传的演员、导演和设计师的共同努力下，如何在每一次的演出中，以最鲜活、最动人的姿态触动人心。

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这本书的结构安排出乎我的意料，它并没有按照时间顺序或者剧目分类来展开，而是采用了主题式的探讨，这使得阅读体验非常具有启发性。例如，有一个章节专门探讨了“面具与化妆在塑造身份认同中的作用”，作者从古希腊的传统一直追溯到现代戏剧对“非自然主义”面具的运用，将莎剧中的人物形象置于一个更广阔的人类戏剧史背景下进行审视。这种跨越时空的对比分析，极大地拓宽了我的视野。我发现作者在论证观点时非常谨慎，他总是先抛出一个极具挑战性的假设，然后通过大量的文献引用和案例剖析来层层递进，直至水落石出。行文之中，偶尔会蹦出一些辛辣的评论，比如他毫不留情地批判了某位著名导演对某一经典场景的过度浪漫化处理，这种大胆的批判性思维让人拍案叫绝。这本书不仅仅是在介绍莎士比亚，更是在探讨“戏剧”这一媒介本身的力量与局限，它迫使我不断反思自己对于“真实”与“表演”的理解，读起来让人感到思想在不断地被刺激和重塑。

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这本书的语言风格简直是酣畅淋漓，犹如一位经验老道的导演在和你分享他多年来对舞台表演的独到见解。它不是那种故作高深的学院派著作，而是充满了实操层面的洞察力。书中大量的篇幅着墨于“身体性”在莎剧诠释中的重要性，作者非常强调演员的呼吸、步伐乃至目光的运用如何直接影响观众的情绪接收。他用非常直白的语言分析了“哈姆雷特之独白”在不同走位下的情感张力变化，甚至详细对比了两种截然不同的持剑姿态所蕴含的心理暗示。我尤其被其中关于“语调重音”的分析所折服，作者列举了十几种对同一句台词进行重音处理的方法，并推导出每种处理方式会如何微妙地改变角色的动机。这种对细节的打磨，让原本枯燥的理论分析变得鲜活起来，仿佛我手里拿着剧本，正和演员一起在排练厅里反复琢磨每一个字眼。对于像我这样一直在舞台实践中摸索的表演者来说，这本书无异于打开了一扇新的窗户，它填补了我知识体系中许多模糊的空白地带，尤其是在处理那些宏大叙事下的个体情感挣扎时，这本书提供了非常坚实的理论支撑和技术指导。

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这本书的魅力在于它彻底打破了“权威解释”的迷思，它鼓励读者乃至所有戏剧创作者，去拥抱不确定性和个人体验。在谈到如何处理那些被解读了数百年的经典角色时，作者表现出一种罕见的开放态度。他没有提供一个“标准答案”，反而提出了一系列挑战性的问题：如果我们将《奥赛罗》的背景移植到当代都市，他依然是那个被嫉妒吞噬的英雄吗？如果用女性的视角去重塑《麦克白夫人》，她的野心会以何种不同的方式爆发？这种“反向工程”式的探讨，让我意识到戏剧的生命力在于其不断被重新阐释的可能性。书中收录了一些非常前卫的、甚至可以说是激进的剧目改编案例，这些案例的视觉材料和幕后访谈，极大地激发了我的创造欲望。它让我明白，对经典最好的致敬，不是盲目地模仿，而是勇敢地与其对话，并在这个对话中，注入我们这个时代的独特声音和困惑。这本书读完后，留给我的不是知识的满足，而是一种迫切想要走到舞台上去实践、去创造的冲动。

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我是一个对文本细读非常着迷的读者，而这本书在语言学层面的剖析深度，简直让我爱不释手。作者对莎士比亚原文中那些古老的词汇和复杂的句法结构进行了极其精微的拆解。他花费了大量的篇幅来解释某些在现代英语中已经消亡的词语在当时语境下的实际含义，这对于准确把握角色的“言外之意”至关重要。比如，书中对“will”这个词在《李尔王》中不同语境下的多重解读，简直是教科书级别的分析。作者不仅仅关注词义，更深入到了莎士比亚对节奏和韵律的掌握，他用音乐理论的术语来分析抑扬格五音步（iambic pentameter）是如何被用来区分贵族对白和普通民众语言的。读这本书，仿佛有一位语言学大师在你耳边轻声细语，耐心地为你梳理每一句台词背后的历史回响和情感编码。我甚至翻出了我珍藏的几本旧版莎翁全集，对照着书中的注释，重新体会那些曾经被我忽略的、藏在词语背后的巨大能量，这是一种回归文本本源的净化体验。

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这本书的封面设计简直是视觉上的盛宴，那种深邃的墨绿色背景，配上烫金的莎士比亚头像剪影，透露出一种古典与现代交织的迷人气质。我是在书店的角落里偶然发现它的，当时就被那种沉甸甸的质感吸引住了。翻开扉页，首先映入眼帘的是对16世纪伊丽莎白时代剧场的细致考据，作者似乎对当时的舞台技术、观众构成甚至演员的服装材质都有着近乎偏执的关注。我特别欣赏作者叙述历史背景时所展现出的那种抽丝剥茧的能力，他没有简单地罗列事实，而是将那些尘封的文献和手稿活化成了生动的场景。比如，他描述“环球剧场”如何利用自然光来模拟一天中不同时间点的戏剧效果，那段文字读起来简直就像是亲临现场，能感受到阳光如何透过屋顶的空隙打在演员的脸上。整本书的排版也极其考究，大量的插图和手绘草图清晰地展示了不同剧目中舞台布置的演变，这对任何一个对舞台美术感兴趣的人来说，都是一份珍贵的视觉资料。我感觉作者的出发点绝不仅仅是学术研究，更像是一位资深戏迷在向同行倾诉他对那个黄金时代的无限热爱与敬畏。读完前几章，我已经对手头正在研究的某部悲剧有了全新的理解框架。

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