具体描述
While scholars and critics generally agree that the 1960s signaled the end of high modernism, what is less clear is how to characterize contemporary art since the 1960s. Acclaimed art scholar Jonathan Harris here tackles this question by assembling a rich body of essays, along with an extended interview with renowned feminist art scholar Amelia Jones, that tracks the movements in and issues central to contemporary art practice since this pivotal decade. The contributors to "Dead History, Live Art?" argue that visual art since the 1960s can no longer claim a separate and exalted status; rather, it should be interpreted as an integral part of a larger culture of display, consumption, and power that continues to evolve within a global capitalist system. Distinguished writers and artists such as Frazer Ward, Anna Dezeuze, Richard Layzell, and Jane Chin Davidson launch a new discussion on art and mass culture in their essays, with uncompromising examinations of how, in the context of modern capitalism, visual culture has radically redefined the relationships between the production and use of images, texts, and interpretive analysis. Issues explored in their essays include the rise of performance art in the 1960s and 1970s, the focus on diverse installation and mixed-media practices during the 1980s and 1990s, and, in an investigation reaching into the political sphere, the theater of visuality and spectacle created to support the invasion of and war in Iraq in 2003. "Dead History, Live Art?" proposes an intriguing new perspective on art history and art practice with its critical and uncompromising examination of their conventions, values, and institutions. As such, the volume reconfigures not only our understanding of contemporary art, but also the entire concept of the avant-garde.
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用户评价
总体而言，这是一部极富挑战性，但也极其丰厚和有价值的阅读体验。它不适合那些寻求简单知识输入的读者，但对于那些热衷于在思想的边缘地带游走的探索者来说，这本书无疑是一座宝库。作者那种近乎诗意的批判姿态，使得原本可能晦涩的哲学思辨变得引人入胜。他成功地将晦涩的本体论问题转化为了具体的、可感知的艺术现象，让人在阅读时，既能感受到智识上的巨大愉悦，又能体验到一种近乎道德上的责任感——即我们有责任去审视那些被历史匆匆掩埋的真相。这本书的价值，或许不在于它提供了多少确凿的证据，而在于它成功地在读者的脑海中播下了一颗“怀疑的种子”，这颗种子会随着时间的推移，在我们对艺术、历史乃至日常生活的每一次接触中，生根发芽，并开出独一无二的花朵。
评分深入阅读后，我发现作者的野心远不止于讨论艺术史的得失。他真正着墨的，是如何在“死去的”历史中，重新激活“活着的”主体性。那些被宏大叙事碾碎的小人物、被意识形态边缘化的情感碎片，在作者的笔下获得了新生，但这种新生并非廉价的怀旧。恰恰相反，作者利用了这些碎片，构建起一种极度反讽和尖锐的对话关系。例如，他对比了某一特定历史时期官方宣传画的僵硬结构，与当代某个实验剧场中对“身体的异化”的探索，两者之间看似风马牛不相及，却被作者巧妙地用一个关于“姿态的政治学”的概念串联起来。这种跨越媒介、跨越时代的连接能力，展现了作者深厚的理论功底和惊人的联想力。这本书迫使你跳出舒适区，去直面那些不适、那些断裂，并从中寻找一种属于自己的，虽不完美但却真实的立足点。
评分这部作品，初看书名，便让人心头一紧。《死去的历史，活着的艺术？》，这几个词语的组合，如同两个本不相容的维度被硬生生地拉扯到了一起，充满了张力与思辨的意味。我带着一种探寻谜团的好奇心翻开了它。首先映入眼帘的，是作者那近乎偏执的对“时间性”的解构。他似乎对那种线性的、不容置疑的历史叙事嗤之以鼻，转而将目光投向那些被主流叙事所遗忘、被时间风化、却在当代艺术的某个角落里幽幽苏醒的“幽灵”。这种探讨不是枯燥的学术论证，而更像是一场穿越时空的漫游，作者在历史的废墟上搭建了一个临时的舞台，邀请那些本该沉寂的个体与事件重新登场，用一种极其现代、甚至是挑衅的方式，去质问我们此刻所站立的基础是否牢靠。我尤其欣赏他处理材料的细腻手法，那些被引用的文献、档案、甚至是片段化的口述记忆，都被精心编织进了他宏大的论述结构中，却又保持着各自的肌理和温度，读起来让人仿佛能触摸到纸张的粗粝和记忆的微光。
评分这本书的语言风格，简直像是一场精妙的舞蹈，时而轻盈得如同即兴的爵士乐，时而又沉重得像巴赫的赋格曲。它最吸引我的地方在于，作者拒绝提供简单的答案，而是不断抛出更具挑战性的问题，将读者彻底拖入一种持续的、令人兴奋的质疑状态中。比如，当他谈及某种特定的“遗忘”如何成为构建当代美学范式的必要条件时，那种冷峻的洞察力几乎让人不寒而栗。他似乎在暗示，我们今天所赞颂的“艺术的创新”，很多时候不过是披着新外衣的旧有权力结构的微妙变奏。阅读过程中，我多次停下来，合上书本，抬头望向窗外，试图用全新的眼光去审视日常生活中那些被奉为圭臬的文化符号。这种被强迫进行深度反思的感觉，是很多艺术批评著作难以给予的。它不是在指导你如何欣赏艺术，而是在教你如何带着批判性的眼光，去解构一切被“美化”过的存在。
评分与其他探讨当代艺术与历史关系的著作相比，这本书在结构处理上的独特性令人印象深刻。它不是那种层层递进、逻辑严密的论证体，更像是一本精心编排的“散文集”或者“思想笔记”。章节之间存在着跳跃和回响，有些概念似乎在不同的章节中反复出现，但每一次都带着新的光泽和侧重点。这反映出作者对待“历史”本身的态度——历史不是一个可以被完全梳理清楚的文本，而是一个持续生成、充满噪音的场域。我个人特别喜欢其中关于“伪纪念碑性”的论述，那种对现代城市景观中那些空洞的、权力驱动的公共艺术的反思，尖锐而精准。它让我意识到，许多我们习以为常的“公共记忆”，其实是极其脆弱和容易被操纵的幻象。读完后，我的思维仿佛被高频震动过，对周遭环境的感知力被提升到了一个全新的敏感度。
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