Mozart in the Jungle

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出版者:Grove Press
作者:Blair Tindall
出品人:
页数:336
译者:
出版时间:2006-6-8
价格:USD 16.00
装帧:Paperback
isbn号码:9780802142535
丛书系列:
图书标签:
  • 音乐
  • 小说
  • 古典音乐
  • 纽约
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具体描述

From her debut recital at Carnegie Hall to performing with the orchestras of Les Miserables and Miss Saigon, oboist Blair Tindall has been playing classical music professionally for twenty-five years. She's also lived the secret life of musicians who survive hand to mouth, trading sex and drugs for low-paying gigs and the promise of winning a rare symphony position or a lucrative solo recording contract. In Mozart in the Jungle, Tindall describes her graduation from the North Carolina School of the Arts to the backbiting New York classical music scene, a world where Tindall and her fellow classical musicians often play drunk, high, or hopelessly hung-over, live in decrepit apartments, and perform in hazardous conditions. (In the cramped confines of a Broadway pit, the decibel level of one instrument is equal to the sound of a chain saw.)

Mozart in the Jungle offers a stark contrast between the rarefied experiences of overpaid classical musician superstars and those of the working-class musicians. For lovers of classical music, Mozart in the Jungle is the first true, behind-the-scenes look at what goes on backstage and in the Broadway pit.

《失落的巴洛克之声》 作者: 伊莲娜·范德比尔特 译者: 张 敏 出版社: 晨星文化 出版日期: 2023年10月 --- 内容简介 《失落的巴洛克之声》是一部深入探索十八世纪早期欧洲音乐史的学术专著,作者伊莲娜·范德比尔特教授以其深厚的音乐学功底和严谨的考据精神,揭示了一段长期被主流历史叙事所忽视的音乐流派——“莱茵河畔风格”的兴衰与特征。本书并非仅仅是对已知音乐家生平的简单回顾,而是通过对大量手稿、私人信件以及当时的音乐评论进行的细致解读,重构了一个充满活力、却最终湮没于古典主义浪潮中的艺术生态。 本书的核心论点在于,在巴赫和亨德尔光芒的阴影下,一个以德国南部和瑞士边境地区为中心的作曲家群体,发展出了一种独特的美学体系。他们既继承了晚期蒙特威尔第的对位精髓,又开始探索更富情感张力和戏剧性的旋律线条,这种过渡状态的音乐,因其在技术上的大胆尝试和在情感表达上的细腻入微,被范德比尔特教授命名为“莱茵河畔风格”(Rheinische Manier)。 第一部分:黎明前的和弦——时代背景与地域孤立 范德比尔特首先将读者带回了三十年战争后百废待兴的德意志邦国。在大型宫廷赞助体系尚未完全恢复,宗教改革余波未平的背景下,音乐创作呈现出高度的碎片化和地方性。作者详尽考察了科隆、美因茨以及巴塞尔等地小型教堂和贵族家庭的音乐活动。不同于维也纳或德累斯顿的集中化发展,莱茵河畔的音乐家们由于地理上的相对隔离和赞助人的保守倾向,使得他们的作品在形式和配器上保持了一种独特的“朴素的复杂性”。 书中详细分析了早期管风琴协奏曲在这些地区的发展轨迹。范德比尔特通过比对多份未出版的乐谱副本,指出莱茵河畔的作曲家(如鲜为人知的约翰内斯·克鲁格和西尔万·德·拉福尔)倾向于使用更少且更具表现力的木管乐器,例如对双簧管音色的偏爱,以及在低音部中频繁使用大提琴与维奥尔琴的交替,而非后来的低音大提琴主导。这种配器选择被视为一种对“纯净音色”的追求,也是对当时意大利歌剧中过度装饰的无声反抗。 第二部分:对位与情感的张力——“莱茵河畔风格”的技法解析 本书的学术核心在于对该风格音乐语法的深入剖析。范德比尔特教授认为,莱茵河畔作曲家们在对位法的使用上达到了一个奇特的平衡点:他们熟练掌握了巴赫式的严谨结构,但却拒绝了其作品中那种近乎神圣的逻辑性与必然性。相反,他们的对位往往带着一种内在的“犹豫”和“纠结”。 书中选取了莱茵河畔的代表作曲家——弗朗茨·约瑟夫·施韦格勒(Franz Josef Schweigler)——的《九部经文歌》(1735年)作为核心案例进行剖析。通过详细的记谱分析,作者展示了施韦格勒如何故意在乐章高潮处引入不协和音,却不立即解决,而是让其在不同的声部间游移,直到情绪达到顶峰才释放。范德比尔特将这种手法称之为“情感的悬置”(Affective Suspension),认为这反映了十八世纪中期普通民众在信仰与启蒙思潮夹缝中挣扎的精神状态。 此外,作者还探讨了该风格中对“民间调性”的吸收。在许多清唱剧和清唱剧咏叹调中,可以清晰地听到来自当地民谣的旋律片段,这些片段被巧妙地编织进复杂的赋格结构中,形成了一种既高雅又贴近生活的听觉体验。 第三部分:剧场、书信与湮灭——风格的终结与档案的重构 《失落的巴洛克之声》的第三部分聚焦于该风格的社会接受度及其最终的衰落。范德比尔特通过对美因茨和斯特拉斯堡歌剧院的财政记录进行梳理,发现莱茵河畔风格的歌剧——多以本地语言(德语或阿尔萨斯方言)创作——在观众中反响不一。一方面,当地贵族赞赏其对本土传统的尊重;另一方面,受意大利歌剧(尤其是那不勒斯学派)风潮的影响,年轻一代的听众和赞助人更倾向于追求炫技和清晰的咏叹调结构。 最具启发性的是,作者引述了大量私人信件。例如,一位名叫安东·梅尔的科隆音乐代理人写给其维也纳同行的信件中,多次抱怨“莱茵河畔的作品过于晦涩,缺乏‘必要的流畅性’,更像是哲学思辨而非音乐享受。” 这种来自音乐权力中心的排斥,是该风格走向边缘化的重要原因。 最终,随着莫扎特风格的兴起以及德意志地区对“统一的古典音乐语言”的追求,莱茵河畔的独特技法被视为“过时”、“地方化”甚至“粗糙”,并迅速从音乐文献中淡出。本书的最后几章,正是关于范德比尔特教授如何花费近二十年时间,在全球各大修道院、私人收藏家和二手乐谱商手中,将这些被遗忘的乐谱碎片重新拼凑起来的过程,充满了田野调查的艰辛与发现的喜悦。 总结 《失落的巴洛克之声》是一部里程碑式的音乐史著作。它不仅为我们填补了十八世纪欧洲音乐版图上的一块重要空白,更提供了一种观察艺术史发展的全新视角:伟大的艺术成就并非总是集中于中心城市,那些在边缘地带独自生长的声音,同样蕴含着深刻的时代精神和精湛的技艺。对于音乐史学者、早期音乐爱好者,以及任何对欧洲文化发展脉络感兴趣的读者而言,这本书都是一次不可多得的、深入历史肌理的智力冒险。 本书特色: 大量珍贵乐谱插图与手稿原貌再现。 清晰的音乐理论分析,即使非专业人士也能领略其精妙。 首次系统梳理了“莱茵河畔风格”的理论框架。 深入探讨了文化中心与边缘地带在音乐传播中的权力关系。

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

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这部小说的叙事节奏简直像一场令人眼花缭乱的室内乐演奏会,每一个乐章都有其独特的张力和情感释放。作者对人物心理的刻画细致入微,尤其是在描绘年轻艺术家们在追求艺术理想与残酷现实之间挣扎时的那种微妙的、近乎神经质的敏感,让人仿佛能透过文字闻到音乐厅里陈旧木材和汗水的味道。我特别欣赏作者如何不动声色地将古典音乐世界的等级森严、幕后的权力斗争,与主角们纯粹的对音乐的热爱并置。那种在宏大交响乐的辉煌背后,隐藏着微妙嫉妒、职业泡沫破裂的恐惧,以及永无止境的试镜和竞争的冰冷现实,被描摹得淋漓尽致。读到主角为了一个首席位置而夜不能寐,反思自己是否付出了过高的代价,我几乎能感受到那种空气中凝固的紧张感。更妙的是,小说并没有将任何一方描绘成绝对的善或恶,即便是那些看起来高高在上、难以接近的指挥家,其内心也充满了脆弱和对时间流逝的恐惧。整本书的结构像是一部精心编排的奏鸣曲,主题的引入、发展、变奏,最后回归到一种略带忧郁的解决,让人在掩卷之后,脑海中仍久久回荡着那些未被演奏出来的音符。

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这本书的魅力在于它对“声音”的捕捉能力。虽然是文字,但阅读时我脑海中仿佛自动构建了一个声音景观。作者对于不同乐器音色的描述,简直就是一场听觉的盛宴。小提琴的“如泣如诉”、大号低沉的“权威性”、长笛在高音区的“水晶般的穿透力”,都被赋予了生命和情感。我能清晰地分辨出不同指挥家带来的不同音色处理,那种对颤音处理的细微差异,对于非专业人士来说,或许是枯燥的,但在这里,它成为了推动情节发展的核心动力。比如,当主角第一次与那位传奇指挥家合作时,那种音色从“僵硬的、机械的”瞬间转变为“流动着的、充满呼吸感的”过程,作者用简短却精准的词汇,将这种质变表现得淋漓尽致。这不仅仅是关于音乐技巧的描述,更是关于人类灵魂如何通过共振达到和谐的哲学探讨。读完之后,我立刻去重温了一些古典音乐录音,试图在熟悉的旋律中,捕捉到书中描绘的那种“理想中的声音”,这种跨媒介的体验,是这本书最成功的地方之一。

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让我感到耳目一新的是,作者巧妙地将“职业焦虑”与“身份认同”这两个宏大主题,放置在古典音乐这个看似封闭的象牙塔中进行解构。书中大部分角色都在追问一个终极问题:我是在为音乐而活,还是仅仅在为在乐团中占有一个席位而感到心安?这种对“位置”的执念,贯穿始终。年轻的音乐家们,他们拿着高昂的学位文凭,却发现自己不过是乐团中可替代的螺丝钉,这种徒劳感,令人唏嘘。小说没有提供廉价的慰藉,反而是让角色们不断地在自我怀疑的泥沼中挣扎。特别是当涉及到代际冲突时,老一辈的音乐家坚守着传统,而新一代则试图用更现代、更具个人化的演绎方式来挑战权威,这种代沟和思想碰撞,制造了极具戏剧张力的场面。这不是一部关于“如何成功”的励志书,而是一部关于“如何在不完美的体制中保持自我”的生存指南,其深刻性远远超出了我对一部文学作品的初期预期。

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从叙事结构上来看,这本书的视角转换极其高明。它不像传统小说那样紧紧围绕一两个主角展开,而是像一个全景摄像机,时而拉近到乐团大提琴手与伴侣间日常争吵的琐碎,时而又瞬间拉远到整个交响乐团在世界顶级音乐厅演出的辉煌瞬间。这种尺度的频繁切换,让读者始终保持一种动态的、审视者的角度,避免了对任何单一角色的过度沉溺。我尤其喜欢书中对于“幕后工作者”的描绘,比如乐团经理人如何如同一个铁血的谈判专家,在预算削减的压力下,用近乎军事化的手段调度着数百名艺术家的日程和情绪。这种对后勤、管理、以及无形压力的细致描绘,构建了一个极其真实且复杂的生态系统。它告诉我们,艺术的呈现绝非仅仅是灵感的火花,更是无数次艰苦的后勤保障和复杂人际关系的平衡术。这种全方位的、多层次的叙事策略,使得整部作品的厚度和可读性都得到了极大的提升,它远比一个简单的“追逐梦想”的故事要丰富得多。

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我得说,这本书在展现艺术圈的“光鲜亮丽”外衣下那些令人咋舌的荒诞性方面,达到了一个令人不安的高度。它毫不留情地撕开了高雅艺术的遮羞布,露出了背后充斥着财务压力、赞助商的独裁,以及无休止的公关战的本质。我尤其对其中对于“文化精英”的刻画印象深刻,他们一面宣扬着艺术的崇高,一面却在私人晚宴上为了争夺一块鹅肝而暗自较劲。这种巨大的反差,让阅读过程充满了黑色幽默的张力。作者的笔触极其犀利,如同精确切割的颤音,不放过任何一个虚伪的细节。例如,书中描述一个小型管弦乐队为了维持运营,不得不屈服于一个品味堪忧的科技富豪的赞助,而这位富豪坚持要求在巴赫的赋格中加入一段俗气的电子节拍——主角们内心的挣扎、他们被迫的妥协,那种艺术尊严被一点点磨损的感觉,简直让人咬牙切齿。这本书与其说是在讲音乐,不如说是在探讨当代社会中,纯粹的创造力如何被资本逻辑异化和消费的过程,它像一面棱镜,折射出我们这个时代对“美”的肤浅追逐。

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中间的sex&drug有点重复 越往后面越好看 如她所写 music hasn't become the glamorous and elite profession of Cold War-era fantasy but an overpopulated, stagnant and low-paying business.Many...highly intelligent and motivated, but ended up in careers that barely supported them and offered few opp. for growth or creativity"(295).也挺像social science phds呢:D 不知道欧洲这个圈子是否不同

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