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出版者:Univ Pr of New England

作者:Fisher, Barbara Milberg

出品人:

页数:211

译者:

出版时间:2006-10

价格:$ 29.32

装帧:HRD

isbn号码:9780819568076

丛书系列:

图书标签:

• Balanchine
• 芭蕾
• 舞蹈
• 纽约市芭蕾舞团
• 艺术
• 回忆录
• 表演艺术
• 文化
• 历史
• 传记

舞动的灵魂与时代的剪影：重探二十世纪舞蹈史中的群像与个体 本书致力于勾勒二十世纪舞蹈艺术蓬勃发展之际，那些在舞台上留下深刻印记的舞者、编舞家及其所处的时代氛围。它并非聚焦于某一个特定舞团或个人，而是以宏大的历史视角，穿梭于古典芭蕾的坚守与现代舞的革新浪潮之间，探究艺术形式的演变、跨文化的碰撞以及个体生命体验如何被融入到身体的律动之中。 第一部分：古典的余晖与现代的萌芽（1900-1930年代） 二十世纪初，欧洲的舞蹈界正经历着一场静默的革命。传统的柴可夫斯基式浪漫主义叙事芭蕾虽然仍占据主流，但一股对既有形式的质疑与反叛力量已然蓄势待发。 黎明前的探索：从帝国舞团到先锋舞台 本章首先回顾了十九世纪末彼得堡和巴黎皇家芭蕾的辉煌成就，但重点在于那些不甘于重复的艺术家们。我们审视了伊莎多拉·邓肯（Isadora Duncan）及其追随者们如何挣脱紧身胸衣和足尖鞋的束缚，转而拥抱古希腊式的自由奔放与自然主义。她的哲学——认为舞蹈是灵魂的直接表达，而非技巧的炫耀——在那个渴望解放的时代，产生了巨大的社会回响。 随后，视角转向俄罗斯的“俄罗斯芭蕾舞团”（Ballets Russes）的早期影响。虽然其核心影响深远，但本书将更侧重于探究其如何作为一座桥梁，将古典训练的精髓与前卫的视觉艺术（如立体主义、野兽派）结合起来，催生了前所未有的舞台美学。我们探讨了那些在巴黎和柏林边缘剧院中，默默进行着结构性试验的编舞家，他们是如何质疑叙事性舞蹈的必要性，开始尝试用纯粹的动作、节奏和空间关系来构建作品。 战后情绪的投射：结构与内在张力 第一次世界大战的创伤，使得艺术家的关注点从外部的宏大叙事转向内在的心理景观。这一时期，一群具有强烈德语文化背景的舞蹈家开始崭露头角。他们不再仅仅关注“美”，而是致力于展现“真实”，即人类经验中的焦虑、冲突和非理性。 我们深入分析了那些在弗莱堡、埃森等地悄然兴起的“表现主义舞蹈”（Ausdruckstanz）的早期形态。这些舞者，例如玛丽·魏格曼（Mary Wigman）的早期作品，其特点是高度的身体扭曲、面具的使用，以及对光影的戏剧化处理。他们拒绝了传统芭蕾的轻盈感，转而强调身体的重量感、地面的接触以及集体无意识的表达。本书着重剖析了他们如何利用排练室作为实验室，通过长期的、近乎冥想的身体训练，来挖掘潜藏于身体记忆深处的情绪“原型”。 第二部分：现代的定型与风格的激荡（1930-1960年代） 三十年代至五十年代，舞蹈艺术在美国和欧洲大陆形成了显著的分化，既有对技术学院派的理性重构，也有对个性化表达的极致追求。 技术范式的重塑：新古典主义的兴起 在芭蕾领域，一批艺术家试图在保留古典技术的前提下，剔除过于繁复的装饰和叙事包袱，使动作更具现代感和纯粹性。本章详细考察了这一时期在纽约和伦敦的实践。这些编导者关注的焦点在于“运动本身”——如何利用五位脚的精确性、线条的清晰度以及对空间层面的创新性分割，来表达一种更贴近现代人精神状态的秩序感。他们强调的不再是王子与公主的童话，而是动作序列之间的逻辑关系和呼吸的运用。 美国的多元探索：从工作室到百老汇的渗透 美国成为舞蹈创新的熔炉。本书细致描绘了不同流派如何在这一背景下相互渗透、竞争与融合。 一方面，我们讨论了那些继承了欧洲现代舞血脉，但更加注重人际关系和叙事深度的编舞家。他们对身体语言的探索不再局限于个体体验，而是转向研究群体中的权力结构、亲密关系中的张力与疏离。他们将日常的动作（如行走、跌倒、支撑）系统化，并将其融入到高度技巧性的段落中，以期实现更强的代入感。 另一方面，爵士乐的兴起对舞台产生了巨大影响。本书不回避舞蹈与通俗文化之间的张力，而是分析了如何将即兴的节奏感、身体的摇摆与地面动作（Groundwork）整合进严肃的舞台作品中。这不仅仅是娱乐性的模仿，而是对美国城市节奏和多元文化背景下身体表达方式的认真研究。 第三部分：解构与重构：后现代的语境（1960年代至今的先声） 六十年代后，舞蹈界迎来了对“什么是舞蹈”这一根本问题的颠覆性拷问。 日常动作的合法化与身体的边界 后现代舞蹈的先驱们挑战了观众对“表演”的期待。本书聚焦于那些将舞台上的“美感”和“技巧门槛”降至最低的实践者。他们将走路、站立、甚至静默本身，都提升为具有艺术价值的动作。我们探讨了这种看似“反舞蹈”的趋势，实际上是对表演者与观众之间权力关系的深刻批判，是对“精英化”艺术的消解。重点分析了如何通过非线性叙事、重复性动作以及对环境声音的采纳，来构建一种新的观看体验。 空间、时间与互动：跨界融合的尝试 本阶段的艺术家们开始频繁地走出传统剧场，与建筑空间、自然环境进行对话。他们不再将舞台视为一个封闭的盒子，而是将其视为一个可被探索和定义的场域。本书考察了那些利用录像技术、多媒体投影与现场表演者进行实时互动的早期案例，这些尝试预示了未来舞蹈艺术在数字化时代将如何继续延展其边界。同时，我们也审视了对非西方舞蹈形式（如东方武术、部落仪式）的借鉴，探讨了在全球化背景下，身体知识的传播与误读问题。 全书以一种开放的、分析性的姿态，梳理了二十世纪舞蹈在技术、哲学和美学上的多次跃迁。它旨在为读者提供一个多维度的视角，理解舞者们如何在时代巨变的洪流中，用身体记录下他们对存在、社会和艺术的全部思考。

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这部作品的叙事节奏简直像是夏日午后的漫步，舒缓而又带着一种难以言喻的松弛感。作者对于人物心理的捕捉，细腻得如同芭蕾舞者脚尖的每一次微小颤动。我尤其欣赏那种娓娓道来的笔触，它不急于揭示什么宏大的主题，而是专注于那些日常生活中不经意流露出的情感碎片。读着读着，我仿佛能闻到那种旧剧院里特有的木头和汗水的混合气味，感受到舞台灯光下那种既炙热又疏离的氛围。书中对环境的描写也极为出色，那些灰蒙蒙的排练室，那些堆满了道具的后台，都成了活生生的存在，它们不仅仅是背景，更是角色内心世界的延伸。整本书读下来，感觉像经历了一场漫长而又宁静的冥想，心灵得到了极大的抚慰。那种对生活本真的探寻，没有激烈的冲突，却有着深刻的穿透力。作者的遣词造句也颇具匠心，常常能用一个非常朴素的词汇，构建起一个极具画面感的场景，让人拍案叫绝。

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这部作品散发着一种近乎田园牧歌式的忧郁。它的场景设定大多是宁静的、远离尘嚣的乡村或某种被时间遗忘的角落，人物之间的互动也充满了古典式的含蓄和克制。我感受到的不是现代都市生活的焦虑与喧嚣，而是一种对逝去美好时光的缅怀与不舍。文字的韵律感非常强，仿佛能听到风吹过麦田的声音，或是老旧钢琴发出的低沉回响。作者对自然景物的描摹达到了令人心醉的程度，光影的变幻、季节的更迭，都与角色的命运紧密相连，构成了一幅幅优美的、带着淡淡哀愁的油画。读完后，我的心境久久不能平静，那是一种温柔的失落感，仿佛自己也跟随书中的人物，在某个阳光稀疏的下午，进行了一场没有终点的告别。这本书提供了一种精神上的庇护所，让人暂时逃离了现实的喧嚣。

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我必须承认，初翻这本书时，我被其中大量的专业术语和晦涩的典故给劝退了。它似乎对读者的知识储备有着相当高的要求，仿佛作者在自说自话，对外部世界保持着一种傲慢的疏离。然而，当我强迫自己去查阅那些不明白的背景知识，沉下心来理解那些复杂的象征体系后，才发现这简直是一座知识的宝库。作者的学识之渊博令人咋舌，他将古典文学、哲学思辨以及某种特定的文化符号熔铸一炉，创造出一种极其密实、不留一丝空隙的文本世界。这本书与其说是小说，不如说是一篇篇精心编排的学术论文，只是它披着故事的外衣。每一次重读，都能发现新的隐藏的关联和精妙的结构布局。这是一本需要“研究”而非“阅读”的书籍，对那些渴望深度智力挑战的读者来说，绝对是不可多得的盛宴。

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这本书的语言风格冷峻得近乎残酷，像一把锋利的手术刀，毫不留情地剖开了人际关系中最微妙、最不堪的那部分肌理。我读到一些对话场景时，简直感到后背发凉，那种充满张力却又极度克制的交流方式，让人深刻体会到“言不由衷”的艺术。作者似乎对人类的虚伪和自欺欺人有着一种近乎病态的痴迷，并将这种观察以一种极为精确、近乎科学报告的笔调呈现出来。没有多余的情感渲染，一切都显得客观、冷静，但这恰恰是它力量的来源——因为它让你无法逃避现实。我特别喜欢那些充满讽刺意味的内心独白，它们像冰碴子一样嵌在叙事里，提醒着读者，表象之下的真实是多么的令人不安。这本书的阅读体验是沉重的，它要求你直面那些不愿承认的阴暗面，但正是这种挑战，才使得它具有了非凡的价值。

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坦白说，这本书的结构颇有些令人困惑，更像是一系列零散的笔记和片段的集合，而非一个传统意义上的线性故事。但正是这种破碎感，反而带来了一种后现代主义的疏离和反思。我总觉得作者是在故意打乱时间线，让我们不得不像考古学家一样，从这些看似杂乱无章的线索中，拼凑出属于自己的理解和认知。其中有几段关于“遗忘”与“记忆的不可靠性”的探讨，简直是直击灵魂。它不是直接告诉你答案，而是抛出问题，让你自己去陷进去，去体验那种在记忆迷宫里打转的无助与清醒。这本书需要读者投入大量的耐心和精力去“解码”，初读可能会感到吃力，但一旦找到那个属于自己的切入点，那种豁然开朗的愉悦感是无与伦比的。我甚至会时不时地合上书本，盯着天花板发呆，回味那些晦涩却又充满哲思的句子。它不是那种读完就扔在一边的消遣品，更像是一块需要反复打磨的矿石。

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