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☆☆☆☆☆

出版者:Palgrave Macmillan

作者:Tracey

出品人:

页数:101

译者:

出版时间:

价格:$ 35.03

装帧:Pap

isbn号码:9781845115333

丛书系列:

图书标签:

• 绘画
• 素描
• 艺术
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• 教程
• 插画
• 当代艺术
• 绘画技巧

好的，以下是一份名为《新视界：当代艺术的拓扑学与边界重构》的图书简介，其内容不涉及您提到的《Drawing Now》： 新视界：当代艺术的拓扑学与边界重构 导论：在未定形中寻找锚点 当代艺术的图景，如同一个持续膨胀且不断自我解构的宇宙，其特征是媒介的消融、语境的碎片化以及主体经验的剧烈震荡。我们不再生活在一个可以清晰界定“绘画是什么”或“雕塑该如何存在”的时代。艺术生产的边界如同被拉伸的薄膜，在物质性与数字化、可见性与潜隐性之间不断渗透、折叠与重构。 《新视界：当代艺术的拓扑学与边界重构》正是在这一复杂的场域中，试图绘制一张新的认知地图。本书并非旨在提供一部通史或一部清晰的风格分类手册，而是聚焦于当代艺术实践如何通过其内在的“拓扑学”——即关系、形变与连通性——来挑战既有的美学范式和文化结构。 本书的核心论点在于：当代艺术的真正动能并非源于对既有形式的继承或否定，而是源于对“空间”、“时间”和“本体”这三大基本维度的重新拓扑化处理。我们观察到，艺术家们越来越倾向于使用非线性的叙事结构、基于算法的生成逻辑以及对物质的“去中心化”处理，以此来探寻一种在后人类语境下依然具有阐释力的意义生成机制。 第一部分：空间的重塑——从“场域”到“场” 传统的艺术理论将画廊、博物馆或特定的纪念碑视为艺术作品的“场域”（Field）。然而，在当代，艺术家们的工作常常指向一种“场”（Field）的建构——一个动态的、多维的、常处于临界状态的能量网络。 本部分将深入探讨媒介的“流动性”如何定义新的空间关系。我们分析那些超越传统二维或三维限制的作品：装置艺术如何与观众的身体运动（Kinesics）形成共振；表演艺术如何将时间序列转化为一种可被体验的、多感官的“在场”（Presence）；以及新媒体艺术如何利用虚拟现实和增强现实技术，创造出与物理空间交织、甚至相互取代的“混合现实”（Mixed Reality）环境。 重点章节将剖析“场域特定性”（Site-Specificity）在数字时代的变异。当作品可以瞬间被复制、传播并嵌入全球的数字基础设施时，其“特定性”不再固守于地理位置，而是被重构为“数据位点”（Data Node）。我们考察那些以网络结构、数据库或物联网为基础的艺术项目，探讨它们如何揭示权力运作的非物质化基础设施。 第二部分：时间的折叠——叙事结构与持续的“现在进行时” 当代艺术对时间的介入，往往表现为对线性历史观的颠覆。如果说现代主义试图将艺术视为历史进程中的一个明确阶段，那么当代艺术则更热衷于“时间的折叠”——将遥远的回响、即时的感官输入与对未来的推测压缩在一个作品的体验中。 本书引入了“慢艺术”（Slow Art）的概念，这并非指作品的物理制作速度，而是指其对观者心智作用的延迟效应。我们对比了那些利用延时摄影、循环播放或基于生物节律的作品，它们迫使观众放弃快速消费的习惯，进入一种更具沉思性的时间维度。 同时，我们关注“历史的再激活”：艺术家如何选取历史档案、未完成的草图或被遗忘的社会事件，并以一种非因果的方式将其植入当前语境。这种时间上的“叠印”效应，挑战了我们对“过去即已完成”的刻板印象，强调历史始终处于一个尚未解决的、持续性的“现在进行时”状态。其中，对于“失败”和“断裂”作为时间性建构元素的分析尤为关键。 第三部分：本体的漂移——从“主体”到“关系性存在” “主体性”在当代语境下面临着深刻的危机与重构。本书将探讨艺术不再仅仅是艺术家个人天才的抒发，而是演变为一系列复杂的“关系性存在”（Relational Entities）的集合。 我们深入分析了“关系美学”（Relational Aesthetics）在后金融危机时代的演变——当艺术不再仅仅围绕“人与人之间的互动”展开，而是扩展到“人与算法”、“人与生态系统”、“人与物质残骸”之间的关系网时，艺术品的本体论地位也随之发生变化。 本部分聚焦于那些挑战人类中心主义的作品：对非人类智能（AI、机器人）的拟人化处理、对工业遗存和塑料污染等“拟物质”（Quasi-matter）的关注，以及对生态系统反馈机制的艺术化呈现。这些实践表明，当代艺术的主体正在漂移，它不再是一个固定的“我”，而是一个不断在网络中寻找连接点的、“分布式的主体”（Distributed Subjectivity）。 我们特别审视了“不确定性”作为一种本体论立场如何被采纳：艺术不再承诺提供答案或完成形态，而是致力于维护一种持续的、开放的“生成状态”（State of Becoming）。这种对未完成性的拥抱，正是当代艺术应对复杂世界最直接的策略。 结语：拓扑学作为一种批判工具 《新视界》最终导向一个结论：理解当代艺术，需要一套超越传统美学范畴的分析工具。拓扑学，作为研究空间在连续形变下保持不变的属性的数学分支，恰当地隐喻了当代艺术的本质——形式在不断变化，但其背后的驱动逻辑（如对边界的试探、对连接的渴望、对核心与边缘关系的重组）却得以保留。 本书鼓励读者将艺术作品视为一个活动的、可被穿透的“结构”，去研究其中的张力点、断裂线和潜在的连接通道。通过这种方式，我们不仅能更好地“观看”当代艺术，更能理解它如何以一种深刻而微妙的方式，重塑我们对自身所处世界的理解和参与方式。这是一次对艺术可能性的哲学探索，也是对我们自身感官和认知结构的邀请函，去拥抱一个日益无定形、但充满无限可能的新视界。

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我以一个略带批判眼光的艺术系学生身份来评价《Drawing Now》，坦白说，初看时我有些不以为然，毕竟市面上充斥着大量速成手册。然而，这本书的独特之处在于其对“绘画即思考”这一核心理念的深入探讨。它不是一本教你技巧的工具书，而更像是一部关于绘画哲学的散文集，只不过载体是图像而非纯文字。书中对不同媒介特性（从炭笔的粗粝到水墨的晕染）的探讨，其深度远超一般入门读物所能企及的表面功夫。我特别欣赏作者在处理抽象概念时所采用的视觉语言——那些被拆解、重构的图像片段，仿佛在邀请读者参与一场智力游戏。它要求读者主动去填补留白，去理解艺术家在创作过程中的每一次犹豫与果断。这种互动性极强，使得阅读过程充满了智识上的挑战，但回报也是巨大的，它帮助我梳理了自己对现代艺术语境下“绘画”边界的认知。如果说传统素描是基础训练，那么这本书更像是高级的辩证法，教你在既定的框架外，如何构建属于你自己的视觉语法。

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我从一位专注于数字媒体艺术的角度来审视《Drawing Now》，这本书虽然看似根植于传统媒介，但其核心精神对任何形式的视觉创作都具有普适价值。作者对于“结构与解构”的讨论，尤其是在处理平面空间感时所展现的敏锐洞察力，完全可以被迁移到三维建模或动态图形设计中去。书中对于线条的心理学分析——线条如何暗示速度、情绪、张力或宁静——这一点，对于任何需要通过视觉元素与观众建立情感连接的设计师来说，都是宝贵的财富。它并非教你如何使用Photoshop或Procreate，而是教你如何像一个真正懂得视觉语言的“画者”那样去思考。我尝试用iPad上的Procreate模仿书中一些炭笔的纹理效果，惊讶地发现，理解了媒介的物理特性，即便是数字化工具也能模拟出那种呼吸感。这本书成功地搭建了一座桥梁，连接了模拟时代的深刻洞察与数字时代的无限可能。

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对于一位多年未碰画笔，现在想重拾旧爱，但又害怕被繁复理论吓退的中年人来说，《Drawing Now》简直是雪中送炭。它的叙事节奏非常舒缓，用词平易近人，完全没有那种高高在上的专业术语壁垒。我最欣赏它对于“错误”的宽容态度。书中反复强调，任何看似失败的笔触，都可能是通往新发现的意外之门。这极大地缓解了我重拾爱好时的心理压力。我开始尝试书里建议的，不带目的性的日常记录，比如快速捕捉地铁上乘客的姿态，或是窗外树影的摇曳。这些练习让我发现，原来绘画的快乐并不在于完成一幅“作品”，而在于记录“当下”的那个瞬间。这本书没有给我一张严苛的时间表，而是递给我一把钥匙，让我自己去开启通往创造力的小门。它的配图选择极其富有品味，既有经典大师的精妙之处，也有当代艺术家的无拘无束，这种跨越时空的对话，让整个阅读体验变得丰富而立体，充满了亲切感。

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说实话，我买过无数本关于速写和线条的书籍，大多在翻阅几次后就被束之高阁，因为它们要么过于学院派，要么流于肤浅的“酷炫效果”。然而，《Drawing Now》的魔力在于它的“留白”和“呼吸感”。它不像其他书籍那样恨不得把每一个步骤都塞满，而是懂得在关键节点给读者喘息的空间，让你自己去摸索。我尤其喜欢其中对“非完美”的赞美，作者似乎在用画笔宣告：艺术的生命力恰恰存在于那些未被完全驯服的冲动和不经意的失误之中。这本书的排版设计本身就是一种艺术体现，每一页的留白处理、字体大小的斟酌，都体现出对阅读体验的极致尊重。它让我明白，好的作品，往往是画家与画布之间进行的一场真诚对话，而不是单向的指令灌输。读完它，我感到心胸为之一阔，不再畏惧画面的空旷，反而开始珍视每一次落笔前的沉思。

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这本《Drawing Now》简直是为我这种对绘画有着莫名的冲动却又不知从何下手的“视觉饥渴者”量身定做的指南。首先，这本书的装帧和纸张质量就给我留下了极佳的第一印象，那种微微泛着哑光的手感，让人忍不住想立刻拿起笔在上面涂抹。内容上，它似乎并没有急于教你复杂的透视或光影原理，而是更像一个老朋友在耳边轻声细语，引导你重新审视周围的世界。我尤其喜欢其中关于“观察的艺术”那几章，作者没有直接给出标准答案，而是通过一系列看似随意的速写练习，潜移默化地教会读者如何“看”到事物的本质结构和流动感。比如，书中对日常生活中光线如何在不同材质上折射的捕捉，细致到令人发指，仿佛你拿起铅笔后，眼前的咖啡杯就不再是一个固定的形状，而是一组不断变化的光影关系。这种由内而外的启发，比那些堆砌着几何图形的教程要有效得多，它解放了我的手，更重要的是，它激活了我内心深处那份沉睡已久的创作欲望。读完第一部分，我立刻抛弃了对“画得像”的执念，开始享受线条在纸面上留下的痕迹本身带来的愉悦感。

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