Contemporary Theatre, Film and Television pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:Gale Group

作者:Riggs, Thomas 编

出品人:

页数:550

译者:

出版时间:2007-5

价格:$ 335.61

装帧:HRD

isbn号码:9780787690489

丛书系列:

图书标签:

• 戏剧
• 电影
• 电视
• 当代文化
• 表演艺术
• 媒体研究
• 文化研究
• 流行文化
• 艺术理论
• 视觉艺术

20世纪后半叶至21世纪初的舞台、银幕与荧屏变迁：一场跨媒介的艺术探索 导言：媒介融合与艺术的边界消融 本书聚焦于20世纪下半叶至21世纪初这段波澜壮阔的时期，探讨戏剧、电影和电视这三大核心视觉与表演艺术形式如何相互渗透、彼此影响，并共同构建出当代人共享的文化景观。这不是一本对某一特定媒介的孤立研究，而是将视野置于一个广阔的、跨媒介的框架下，审视技术进步、社会思潮和全球化如何重塑了叙事方式、美学范式以及观众的体验。 在这一历史阶段，艺术的边界不再是泾渭分明的。舞台剧的先锋实验渗透到电影的视觉语言中，电影的叙事结构反哺了电视连续剧的复杂性，而新兴的数字技术则以前所未有的速度和广度改变了作品的生产、传播和消费模式。本书旨在深入剖析这些相互作用的动态，揭示它们如何共同塑造了我们今天所理解的“表演艺术”。 第一部分：舞台的革命与回归——从剧场到公共空间 戏剧，作为最古老的表演艺术形式，在战后经历了深刻的反思与重构。本书首先考察了后现代主义对传统戏剧结构的颠覆性冲击。 1. 剧场的反思与先锋探索： 我们追溯了战后“荒诞派”戏剧的深刻哲学根基，如贝克特和尤内斯库的作品如何通过非线性叙事、语言的失效和存在的焦虑，挑战了观众对现实的既有认知。接着，我们转向更具社会介入性的“剧场行动主义”，探讨如彼得·布鲁克（Peter Brook）对仪式感和空间解放的追求，以及德国的彼得·施泰因（Peter Stein）在大型国家剧院中对政治和历史主题的宏大呈现。 2. 表演理论的转向： 表演不再局限于文本的再现。本书详细分析了后戏剧剧场（Postdramatic Theatre）的兴起，特别是汉斯-蒂斯·莱曼（Hans-Thies Lehmann）的理论框架，如何描述了文本权威的下降、图像的凸显以及观众参与的增强。我们研究了非传统表演空间（如场地特定戏剧，Site-Specific Theatre）的实践，这些实践模糊了剧场与现实生活的界限，使得观众从被动的旁观者转变为事件的参与者。这些舞台上的探索，常常成为电影和电视在视觉上追求“真实感”或“沉浸感”的先声。 第二部分：银幕的演变——从好莱坞黄金时代到新浪潮的冲击 电影作为20世纪最具影响力的艺术形式，在这一时期经历了从工业化生产向作者论（Auteur Theory）回归，再到数字技术彻底改变其面貌的巨大转型。 1. 作者论的胜利与国际新浪潮： 本书深入分析了法国新浪潮（Nouvelle Vague）如何借鉴了文学理论和欧洲哲学，将导演提升为作品的绝对作者。特吕弗、戈达尔等人的介入式、个人化的叙事手法，打破了好莱坞传统三幕结构对全球电影的垄断。随后，我们考察了“新好莱坞”的崛起，探讨了科波拉、斯皮尔伯格等一代电影人如何将作者的敏感性与商业潜力相结合，创造出既有深度又广受市场欢迎的作品。 2. 视觉语言的深化与主题的拓展： 在视觉层面，我们审视了电影如何通过蒙太奇、长镜头和声音设计，表达出比以往任何时候都更为复杂和模糊的心理状态。在主题上，电影开始更直接地回应社会变革，从越战的创伤、民权运动的挣扎，到身份政治的复杂性，银幕成为社会焦虑的集中投射场。 3. 数字时代的来临： 进入21世纪，数字摄影和后期制作技术的普及，极大地降低了电影制作的门槛，并彻底重塑了视觉奇观的定义。本书讨论了CGI（电脑生成图像）对叙事自由度的解放，同时也探讨了这种解放所带来的潜在风险——即图像的过度生产可能带来的意义稀释。 第三部分：荧屏的崛起——电视的质量化与碎片化叙事 电视，长期被视为“大众娱乐”的低级形式，在20世纪末期经历了一场静悄悄的革命，最终挑战了电影的霸主地位。 1. 黄金时段的复杂化： 本书重点分析了HBO等付费电视网络的崛起，以及它们如何催生了“黄金时段剧集”（Prestige Television）。我们考察了《黑道家族》、《火线》等剧集如何借鉴了电影的制作标准和复杂的人物弧光，将电视剧提升到可以与严肃电影相媲美的艺术高度。这种“序列叙事”（Serialized Narrative）的复杂性，使得电视能够探索比传统一小时情景喜剧更宏大、更具道德灰色地带的主题。 2. 媒介的互动性与新观众： 互联网和流媒体平台的兴起，从根本上改变了电视的消费模式。从“追剧”（Binge-watching）到弹幕文化，观众不再是被动的接收者，而是参与到内容的讨论和解构中。本书研究了这种互动性如何反作用于剧本创作，促使制作方更加注重叙事的连贯性和粉丝社群的反馈。 3. 电视的“媒介性”反思： 电视剧的篇幅优势使其能够更深入地探讨社会结构和历史进程。我们分析了历史剧、政治惊悚剧如何利用其时长优势，构建出比电影更具纵深感的现实模型，这与舞台剧对空间和时间的即时性处理形成了有趣的对照。 第四部分：跨媒介的对话与未来展望 本书的最终目标是描绘出三大艺术形式在技术浪潮中的对话场景。 1. 风格的挪用与互文性： 我们观察到，电影的视觉风格（如高对比度的摄影、极简的布景）如何被电视的制作团队借鉴；同时，舞台剧对于非线性时间结构和身体性（Corporeality）的强调，也启发了实验性电影和高端剧集的创作。这些借鉴并非简单的复制，而是经过媒介特性的重新编码。 2. 观众体验的重塑： 技术的进步意味着表演的“在场性”发生了变化。舞台剧寻求通过增强互动性来保持其独一无二的即时性；电影则通过沉浸式（Immersive）的观看体验（如IMAX）来对抗电视的便捷性；而电视则通过个性化推荐和随处可看的便利性，赢得了日常的关注。 结论：表演艺术的连续统一体 总而言之，20世纪后半叶至21世纪初的艺术图景，是一个动态的、相互交织的系统。戏剧提供了哲学的深度和对表演本质的追问；电影提供了宏大叙事的视觉诗意和工业化的全球影响力；而电视则提供了持久的叙事空间和对日常生活最即时的反映。理解当代表演艺术，必须摒弃孤立研究的视角，转而审视它们在技术推动下的相互赋权与张力之中，共同定义了我们这个时代的艺术表达。本书旨在为读者提供一个理解这一复杂生态系统的理论工具和历史脉络。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

这本书的行文风格实在是太迷人了，它没有那种典型的学术著作的僵硬感，更像是两位经验丰富的剧评家在午夜酒吧里进行的一场酣畅淋漓的辩论。他们的观点充满激情，偶尔还会带一点挑衅的意味，比如对某些被过度推崇的“大师”作品提出的尖锐质疑，让人读起来大呼过瘾。我特别喜欢作者们在回顾某些经典场景时所使用的生动比喻——形容某部电影的布景设计时，他们用了“如同一个被遗忘的舞台道具库”，这种画面感极强的描述，瞬间就能将你拉回到那个特定的历史语境中去。虽然本书涵盖了从1950年代到近现代的演变，但它始终保持着一种强烈的“当下性”的关怀，总能将历史的脉络与我们今日在流媒体平台上消费的影像内容联系起来。它不是一本让你用来做期末考试复习的教材，而是一本让你忍不住在咖啡馆里，边喝咖啡边忍不住在书页空白处做笔记的伴读书。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，我对这类涵盖面如此之广的“当代”研究总是抱持着一种警惕心理，担心它会流于表面，什么都提一点但什么都不深入。然而，这本书在处理“电视”这部分内容时，展现出了超乎寻常的精到。它没有将电视仅仅视为电影的“低保真”版本，而是认真分析了有线电视兴起初期，那些受戏剧影响的纪录片和迷你剧如何利用分割屏幕、即兴表演和快速剪辑来对抗传统三台的叙事规范。书中有一章专门分析了英国早期政治讽刺节目（Sketch Show）中的身体喜剧，将其与默剧大师马塞尔·马索的技巧进行对比，这种跨领域的嫁接处理得非常巧妙，充满了洞察力。我特别喜欢作者在论述中展现出的那种对媒介材料本身的好奇心——比如光线在CRT屏幕上的散射如何影响了演员面部表情的捕捉，以及这种技术限制如何反过来塑造了表演风格。读完这一部分，我感觉自己对观看电视时的那种无意识的接受状态有了一种更审慎的距离感。

评分☆☆☆☆☆

这本书的视角着实大胆且具有前瞻性，尤其是它对“后戏剧剧场”概念的延伸应用。作者没有把焦点仅仅放在后戏剧剧场本身的文本结构上，而是将其理论框架迁移到对当代电影中“非语言/超文本信息流”的解读上。例如，书中通过分析几部欧洲艺术电影中大量出现的空镜头和长镜头，论证了这些片段在功能上与当代戏剧中舞台上“无人表演的时刻”具有高度的同构性，都是在挑战观众的线性期待，迫使观众去感知剧场/银幕空间本身的物质性。最让我感到震撼的是关于“即时性”的讨论：作者认为，电视直播和网络流媒体的即时反馈机制，正在将舞台上追求的“现场感”重新植入到高度预设的电影制作流程中。这种理论构建非常精巧，它不再将戏剧、电影、电视视为各自独立的发展线，而是视作一个不断相互渗透、互相解构的动态系统。这本书真正做到了打破学科壁垒，为研究视觉艺术的学者提供了一套强有力的、跨界分析的工具箱。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计确实引人注目，那种略带复古感的排版和高对比度的色彩搭配，立刻让我想起上世纪中叶先锋戏剧的那些经典海报。我本来以为这会是一本专注于文本分析或舞台理论的学术专著，毕竟书名听起来就挺“硬核”的。然而，当我翻开第一页，发现它以一种近乎口述历史的方式，探讨了战后欧洲剧场与英美电影的交汇点。作者并没有过多纠缠于晦涩的理论术语，而是非常接地气地通过对几位关键导演——比如彼得·布鲁克和雅克·塔蒂——的早期作品的细致梳理，来展现媒介边界是如何被模糊的。尤其让我印象深刻的是关于“空间政治学”的讨论，书中配有大量珍贵的排练照片和剧场平面图，清晰地展示了如何在有限的空间内营造出电影般的景深感和蒙太奇效果。它让我对“剧场性”这个概念有了全新的理解，不再是孤立地看待舞台表演，而是将其置于一个更广阔的视觉文化场域中去考察。这种跨媒介的视角非常新鲜，对于那些希望了解现代主义艺术如何从剧场走向银幕，再反过来影响电视叙事的读者来说，绝对是一笔宝贵的财富。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，我购买这本书的初衷是想找到一些关于当代英国独立电影制作的案例研究，尤其关注那些从剧场背景出来的编剧和导演群体。这本书在这方面确实给了我惊喜，但却不是以我预想中的那种直接的方式。它没有直接罗列“A名导演的B部电影如何从C部舞台剧改编而来”这种清单式的分析。相反，它深入挖掘了“表演”本身在不同媒介中的形变。其中关于“非叙事性声音设计”在七十年代先锋戏剧和同期独立电影中的共性分析，简直是醍醐灌顶。作者用非常流畅、近乎散文的笔调描述了那些刻意被拉长或减弱的场景，以及如何利用环境音而不是对白来驱动情绪，这种细腻的观察力令人叹服。虽然对某些观众来说，书中引用的许多早期实验电影片段可能需要读者自行去查找观看，但这反而促使我进行了一次非常充实的“拓展阅读”，让学习过程不再是被动的接受，而是主动的探索。这本书的深度，在于它引导你思考的不是“是什么”，而是“为什么会这样发生”。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆