Feminist Views on the English Stage pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Cambridge Univ Pr

作者:Aston, Elaine

出品人:

页数:250

译者:

出版时间:2003-11

价格:$ 140.12

装帧:HRD

isbn号码:9780521800037

丛书系列:

图书标签:

• 英国文学
• 戏剧
• Feminist literature
• English drama
• Gender studies
• Theatre history
• Cultural studies
• Women playwrights
• Performance studies
• Literary criticism
• British literature
• Feminism

舞台上的性别革命：18 世纪英国戏剧中的女性主体性与批判性审视 本书深入剖析了 18 世纪英国戏剧——一个在启蒙运动的理性光辉与社会保守思潮交织下充满张力的时代——女性角色是如何被塑造、呈现，以及最终如何开始挑战父权剧场规范的复杂历程。我们不聚焦于特定某一本探讨女权主义视角的著作，而是致力于对整个剧场生态进行宏观的、细致的考察，揭示其中潜藏的关于性别、阶级和表演性的深刻议题。 18 世纪的英国舞台是社会意识形态的放大镜。在狄德罗和卢梭关于“自然”与“德行”的讨论深刻影响着剧作家的背景下，女性角色的构建常常围绕着两种极端模式打转：一是“模范的英格兰淑女”（The Paragon of English Virtue），她必须是贞洁、顺从、贤惠的典范，是家庭秩序的基石；二是“堕落的女性”（The Fallen Woman），一旦偏离道德轨道，便立即遭到社会和戏剧叙事的无情惩罚。 本书首先追溯了 Restoration 喜剧（复辟喜剧）在性角色刻画上的遗留影响。尽管该时期的喜剧以其对社会习俗的辛辣讽刺著称，但女性角色往往被工具化为婚姻交易的筹码，或被塑造成“风流女子”（Rake）戏谑的对象。然而，我们必须警惕地观察，即便是这种被物化的形象，也偶尔流露出对既定社会规范的潜意识反抗。例如，一些女性角色通过言语上的机敏和对婚姻契约的审慎态度，展现出超出时代预期的智力能力。 进入 18 世纪中期，随着感伤主义（Sentimentalism）的兴起，女性角色的悲剧命运被推向高潮。剧作家们倾向于使用女性的眼泪和痛苦来唤起观众的同情，从而强化道德教化功能。这种“为唤起怜悯而设计的悲剧”（Pathos-driven Tragedy）在表面上似乎提升了女性的情感地位，但实际上却将她们的价值牢牢锁定在她们的脆弱性和牺牲性上。大量的剧作中充斥着为家庭荣誉而牺牲自我幸福的女性，她们的“高尚”行为，本质上是对男权社会价值观的被动接受。 然而，舞台并非总是顺从的镜子。本书着重分析了那些“边缘的声音”——那些在主流剧目中不易被察觉，但却在特定剧目类型中闪耀的光芒。例如，在歌剧（Opera）和哑剧（Pantomime）中，女性表演者（尤其是歌唱家和舞蹈家）获得的相对自由度和公众关注度，远远超过了受制于文人剧作家的女演员。她们的身体不再仅仅是道德的说教对象，而成为一种具有商业价值和艺术表现力的载体。这些舞台上的“表演者”，虽然不一定直接参与剧本的创作，但她们在舞台上的存在本身，便构成了对剧场性别权力结构的一种无声挑战。 我们对 18 世纪末期出现的早期“社会问题剧”（Social Problem Plays）进行了细致考察。随着工业革命的推进和中产阶级的崛起，社会矛盾日益尖锐，对女性经济独立和受教育权力的讨论开始隐晦地渗透到戏剧文本中。一些剧作家开始描绘那些因缺乏受教育或经济基础而陷入困境的女性，她们的悲剧不再仅仅是道德瑕疵的结果，而更多被归因于社会结构性的缺陷。尽管这些作品的批判力度尚显稚嫩，但它们标志着剧场叙事开始从纯粹的道德训诫转向对社会现实的关注。 一个关键的分析维度是“观看”（The Spectacle of Viewing）。18 世纪的剧院是一个高度社会化的公共空间，观众的性别构成和他们的凝视方式，直接影响了角色在舞台上的呈现效果。男性观众对“可欲”和“贞洁”女性形象的复杂期待，迫使女演员必须进行精妙的自我定位。本书探究了女演员如何在扮演一个顺从的角色时，通过舞台调度、声音运用和眼神交流，微妙地重新解读甚至颠覆剧本原意，从而在男性主导的表演权力中为自己争取到微小的能动性空间。 总结而言，18 世纪的英国舞台是一场关于性别界限的长期拉锯战。本书旨在描绘一个充满矛盾的图景：一方面，剧本传统和道德规范试图将女性角色紧紧束缚于既定的贤德模范之中；另一方面，舞台实践、表演的商业需求以及社会变革的暗流，不断在这些束缚中凿出裂缝，预示着未来戏剧中对女性主体性更具批判性探索的来临。我们通过对文本、表演实践和观众反应的交叉分析，力求还原一个立体、复杂且充满内在张力的剧场世界。

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坦白说，我最初是被这本书的标题所吸引，它预示着一场对既有观念的颠覆。然而，真正让我持续阅读下去的，是作者展现出的那种对戏剧文本的深厚情感和近乎挑剔的辨识力。书中对特定剧作家的选择和聚焦，绝非偶然，而是经过了精心筛选，用以构建一个清晰的论证链条。我印象最深的是其中关于“沉默的艺术”那一章，作者挑战了戏剧中“话语权即权力”的传统观念，转而探讨了女性角色在被剥夺台词后，如何通过眼神、姿态甚至缺席本身来发出最强烈的控诉。这种对“非语言戏剧性”的挖掘，达到了极高的理论高度，却又始终根植于具体的舞台实践。它不仅是一本关于戏剧史的书，更是一部关于如何在被限制的空间内进行“抵抗美学”的宣言，让人读后久久不能平静，立刻就想回去重温那些曾经被忽略的经典片段。

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这本书的封面设计大胆而富有冲击力，那种深沉的墨绿色调配上烫金的字体，一下子就抓住了我的眼球。我原本以为这会是一本学术性极强的、阅读起来有些枯燥的理论著作，但翻开第一页，那种强烈的叙事感和对历史背景的细致勾勒，立刻将我带入了一个充满张力的时代图景之中。作者在开篇就提出了一个极具颠覆性的观点：我们今天所习以为常的“女性角色”的呈现方式，实际上是经过了数百年的舞台权力结构不断塑造和规训的结果。书中对伊丽莎白一世时期戏剧中那些看似“光芒万丈”的女主角的剖析尤其精妙，它没有满足于简单地赞美剧作的文学价值，而是深入挖掘了女性角色在台词、服装乃至舞台空间中被“物化”的微妙机制。尤其让我印象深刻的是，作者通过对比不同历史时期剧本中的“闺房场景”与“公共辩论场景”，清晰地展示了女性声音在戏剧结构中的边界是如何被精心划定的。这不是那种只会堆砌术语的批判，而是充满了对文本的深情对话，读起来酣畅淋漓，仿佛历史的迷雾被层层拨开，露出了被长期忽视的真相。

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这本书的行文风格非常独特，它糅合了学术的严谨与散文的灵动，读起来有一种在历史迷宫中与一位睿智向导并肩前行的感觉。最让我感到惊喜的是，作者没有将“女性视角”固化为一个单一的、可以被概括的标签，而是展现了其内部的巨大张力与多样性。书中对不同阶层女性角色在剧场中的命运差异的探讨尤为精彩。例如，早期戏剧中对宫廷贵妇的描绘与对城市妓女形象的刻画，它们看似是两个极端，但在作者的梳理下，你会发现它们共享着同一个被男性凝视系统所支配的底层逻辑。这种“同源异流”的分析方法，极大地丰富了我对戏剧史的理解。它提醒我们，所谓“女性的胜利”，往往是以牺牲另一部分女性的可见性为代价的，这种复杂性让人无法轻易下定论，必须反复咀嚼。

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与其说这是一部严肃的学术研究，不如说它更像是一部充满激情的“舞台考古录”。作者的笔触带有强烈的批判性，但这份批判绝非愤世嫉俗，而是源于对艺术形式及其社会责任的深切关怀。读到关于现代先锋戏剧如何尝试“拆解”传统女性叙事的章节时，我仿佛跟着作者走进了那些晦涩难懂的实验剧场，去感受那些演员们如何用身体去挑战既有的性别剧本。作者对表演实践的关注，是这本书区别于许多纯文本分析的亮点。她细致地分析了不同时代女演员的身体是如何被训练、被规范，乃至最终如何通过“反向模仿”来挑战规范的。这种对“身体政治”的深入挖掘，让整本书的视野一下子拓宽了，不再局限于纸面上的文字，而是扩展到了那个充满汗水、聚光灯和观众目光的真实空间。读完后，我对未来观看任何一部戏剧都会多一层警惕和深思。

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这本书的论证逻辑严密得像一件精密的机械装置，每一个章节的衔接都恰到好处，仿佛是为解开一个世纪以来的戏剧谜团而精心铺设的轨道。我尤其欣赏作者在处理跨文本比较时的那种游刃有余。比如，她将十七世纪的恢复期喜剧中那些被推崇的“伶牙俐齿的荡妇形象”与十九世纪维多利亚时代对“纯洁天使”的病态迷恋进行了并置分析，这种对比极具震撼力。她并没有简单地做价值判断，而是深入探讨了社会经济结构如何为特定类型的女性角色提供了“生存空间”和“表演剧本”。那些关于舞台布景和灯光如何潜移默化地强化性别刻板印象的段落，读起来让人脊背发凉——原来我们看戏时所接收到的信息，早就被无形的双手裁剪完毕。全书行文流畅，即使是涉及复杂的福柯或德里达的理论框架，作者也能用极其清晰和富于洞察力的语言进行转译，让非专业读者也能轻松领会其精髓。

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