The Sculpture of Maurice Lambert pdf epub mobi txt 电子书下载 2026

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☆☆☆☆☆

出版者:Ashgate Pub Co

作者:Nicolson, Vanessa/ Panourgias, Klio K./ Lambert, Maurice

出品人:

页数:128

译者:

出版时间:2002-10

价格:$ 98.88

装帧:HRD

isbn号码:9780853318347

丛书系列:

图书标签:

雕塑
莫里斯·兰伯特
艺术史
雕塑艺术
现代雕塑
英国雕塑
艺术
传记
艺术评论
20世纪艺术

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具体描述

This volume makes a critical reassessment of a sculptor whose work was considered important in his time and has been unjustly neglected since his death. The sculpture of Maurice Lambert (1901-1964) can be linked stylistically with the movements of his time - Surrealism and Art Deco - but is also highly eclectic. Lambert worked prolifically in his studio, but also undertook a wide variety of commissions for public buildings, fountains, ocean liners and portraits - both public and private. Although his early work could be viewed as quite radical, as Professor of Sculpture at the Royal Academy he became closely linked with the establishment, and towards the end of his life upheld essentially conventional views on the role and function of art. Lambert's interest in the primitive and the art of other cultures, his experimentation with materials and in his investigations into form and movement show that he shared the concerns of his contemporaries. He had a series of important and critically well-received one-man shows in the late 1920s and early 1930s, and by the mid-1930s was ranked with Moore, Hepworth, Skeaping and Dobson as one of the leading new group of sculptors who were "changing the path of sculpture".

雕塑的语言：当代英国艺术的另一面镜子图书名称：《造型的张力：二十世纪英国雕塑的叙事与材质革新》作者：艾莉丝特·汉考克 (Alistair Hancock) 出版年份： 2023年页数： 480页（含插图及索引）装帧：精装，配有全彩图版 --- 书籍简介：《造型的张力：二十世纪英国雕塑的叙事与材质革新》是一部全面而深入的学术专著，旨在重新审视和界定二十世纪英国雕塑艺术的发展脉络，重点关注那些在特定历史语境下，挑战传统纪念碑式创作，并积极探索新材料、新形式与社会对话的艺术家群体。本书并非简单地梳理流派更迭，而是试图剖析英国雕塑家如何在两次世界大战的阴影下，在现代主义浪潮的冲击中，寻找一条既植根于本土文化传统，又面向国际前沿的独特艺术表达路径。本书的叙事结构围绕“形式的解放”与“公共空间的重塑”两大核心议题展开。作者艾莉丝特·汉考克，一位资深的艺术史学家，通过对大量未曾被充分研究的档案资料、艺术家手稿以及未发表的访谈记录的细致梳理，构建了一个多层次的解读框架。第一部分：古典的黄昏与现代的曙光（1900-1939）本部分着眼于爱德华七世时代直至二战前夜的过渡期。雕塑艺术在这一时期面临着来自摄影、新建筑学以及欧洲大陆立体主义和未来主义的双重压力。作者摒弃了将这一时期视为“沉寂”的传统观点，而是强调了在皇家学院体系内部，以威廉·罗伯逊（William Roberts）的早期作品为代表，对人体形态进行几何化和抽象化的实验性尝试。重点章节深入探讨了艺术团体如“公共艺术协会”（The Society for Public Art）如何尝试将雕塑从传统的纪念碑底座上解放出来，转向更具功能性和装饰性的城市景观设计。汉考克特别关注了材料的转变。青铜和大理石的统治地位开始受到木材、铸铁乃至早期的混凝土的挑战。这种对非传统材料的偏爱，不仅是成本驱动的结果，更是一种对既有美学规范的内在反叛。我们得以一窥芭芭拉·赫普沃斯（Barbara Hepworth）在早期阶段，如何从对非洲部落艺术的迷恋中汲取灵感，发展出她标志性的“穿孔”美学，尽管她后期的作品广为人知，但本书将焦点投向了她在1920年代对平面浮雕和原始主义的深刻探索。第二部分：战后重建与抽象的张力（1945-1965）战后英国面临着物质匮乏与精神重建的双重任务。雕塑不再仅仅是纪念阵亡将士，它必须承担起重建社会信心、表达个体存在焦虑的重任。本部分的核心在于分析“英国抽象表现主义”对雕塑领域的影响。与美国侧重于行动的绘画不同，英国的雕塑家更倾向于构建具有强烈触觉感和内在结构的“物体”。亨利·摩尔（Henry Moore）的影响力在这个阶段达到顶峰，但本书并未将他视为终点，而是将其视为一个参照点。汉考克着力分析了与摩尔形成对话甚至对立的艺术家，如雷金纳德·巴克斯特（Reginald Baxter），后者以其粗粝的、充满工业废弃物美学的作品，表达了对战后重建社会中异化（Alienation）的深刻感受。本章对“空间雕塑”（Space Sculpture）的理论进行了细致的梳理，探讨了艺术家如何利用负空间（Negative Space）作为构图的主体，而非仅仅是物体的衬托。这不仅是形式上的革命，更是哲学层面的转向——关注物质世界之间的“关系”而非“实体”。第三部分：工业的语汇与观念的萌芽（1965-1985）随着英国工业基础的转型和消费主义的抬头，雕塑艺术的边界被极大地拓宽。本部分是本书最为激进和前沿的部分，它详尽考察了后现代主义对英国雕塑的渗透。作者深入研究了“新具象”（New Figuration）在雕塑领域的回潮，但这种“具象”已不再是古典主义的再现，而是对大众文化符号和媒体图像的解构与重组。特别是，本书首次系统性地引入了对“环境艺术”（Environmental Art）在英国特定语境下发展的研究。英国的环境艺术家如何利用工业废墟、泥土和水流，创造出介于艺术品与景观之间的临时性作品，挑战了传统美术馆对“艺术品”的固化定义。此外，本书对“过程艺术”（Process Art）在英国的特殊表现进行了深入分析。一些先锋艺术家开始将时间性纳入雕塑作品的考量中，例如那些依赖于材料自然腐蚀、风化或聚合过程才能完成的作品。这使得雕塑从静态的纪念碑，转变为一个持续演化的“事件”。第四部分：公共艺术的争议与未来的回响本书的最后一章回溯了自1980年代以来，公共艺术资助政策的变化对雕塑创作产生的长期影响。它分析了“广场艺术”和“城市更新项目”如何迫使雕塑家在美学追求与公共接受度之间进行艰难的平衡。作者并未提供一个简单的结论，而是通过对比几个高知名度的公共委托项目（如伦敦金融城和曼彻斯特等地的更新项目），展示了不同时期艺术理念在社会层面的摩擦与妥协。核心价值与学术贡献：《造型的张力》的独特之处在于其对“英国性”（Britishness）的审慎探讨。作者认为，英国雕塑的核心特征并非单一的风格，而是一种持续的、内敛的“对话性”——与土地、与历史遗迹、与工业遗存之间永无止境的对话。本书通过引入大量尚未被充分研究的艺术家群像，成功地将英国雕塑史从长期笼罩在摩尔和赫普沃斯的光环之下，推向了一个更加多元、更具批判性的新视野。它不仅是雕塑史研究者的必备参考，也是对二十世纪现代艺术史感兴趣的读者的重要补充读物。本书强调的不是具体的作品，而是造型语言如何回应社会剧变。

作者简介

目录信息

读后感

评分☆☆☆☆☆

用户评价

评分☆☆☆☆☆

这本书的文字部分，尤其是关于早期创作阶段的论述，简直是为我们构建了一个栩栩如生的时代背景。作者没有采用那种干巴巴的学院派叙事，而是巧妙地将艺术家的个人挣扎与当时社会思潮的涌动紧密结合起来。读到描述他如何在战后废墟中寻找灵感时，那种对材料的敬畏和对生命力的执着追求，几乎要从字里行间跳出来。叙事节奏的把握堪称一绝，在关键的转折点上，作者会突然放缓笔墨，深入剖析一个雕塑背后的哲学意图，使得读者不会被冗杂的细节淹没，而是能够抓住艺术家思想演变的核心脉络。而且，作者的语言风格变化多端，时而如诗人般富有画面感，时而又像严谨的学者那样逻辑清晰，这种文风的切换，让原本可能枯燥的艺术史分析变得妙趣横生，每一次阅读都有新的领悟，仿佛是与这位雕塑家进行了一次跨越时空的深度对话。

评分☆☆☆☆☆

这本书在收录的文献资料方面展现了惊人的广度和深度，简直是为深度爱好者量身定做的宝藏。我本以为这是一本聚焦于作品集成的画册，但它却大大超出了预期，纳入了大量来自私人信件、早期日记片段以及同行评论的罕见摘录。这些一手资料的穿插使用，极大地丰富了我们对艺术家创作动机的理解，让我们得以一窥那些被官方展览记录所省略的幕后故事和情绪波动。这些文字材料的遴选标准非常高，它们并非随意堆砌，而是精准地服务于主题的阐述，如同精准的配乐，在最恰当的时候烘托出氛围。这种对“人”的刻画，超越了对“作品”的简单记录，使得整本书的阅读体验充满了探索的乐趣和发现的惊喜，它构建了一个立体、有血有肉的艺术形象，而非一个扁平的符号。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编辑工作做得极其细致入微，简直是教科书级别的范例。首先，索引和附录部分的信息量巨大却组织得井井有条，你几乎不需要猜测就能找到任何想要追溯的展览信息或早期文献引用。更令人称道的是，它对图像和文字的交叉引用机制设计得非常人性化。当正文中提到某件作品时，总能精确地定位到它在全书中的位置，无论是彩图还是附录中的研究性照片，都标注得清清楚楚，这极大地提升了研究和欣赏的效率。我尤其欣赏它在比较分析部分的处理方式。作者不仅仅是罗列事实，而是通过精心挑选的对比图例，清晰地展示了这位雕塑家如何吸收和超越了前辈的影响，形成自己独特的语汇。这种严谨的编排，使得这本书不仅适合普通爱好者，更是对专业研究人员极具价值的工具书，它将复杂的艺术脉络梳理得如同外科手术般精准而清晰。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直是一场视觉盛宴，那种沉甸甸的质感，光是捧在手里就仿佛能感受到某种历史的厚重。纸张的选择非常考究，细腻又不失韧性，印刷的色彩饱满得惊人，尤其是那些黑白照片，层次分明，细节毕现，连雕塑表面那些细微的肌理和光影变化都能清晰捕捉。装帧师显然对艺术品的呈现有着深刻的理解，书脊的曲线处理得恰到好处，使得整本书翻阅起来既舒适又充满仪式感。我特别喜欢它在版式布局上的大胆创新，不同篇幅的图文穿插布局，打破了传统艺术书籍的刻板印象，有时候大开本的照片占据整页，那种扑面而来的震撼力，让人不得不停下来细细品味每一刀的力度与方向。至于封面设计，那留白的处理简直是点睛之笔，简洁却蕴含着无限的张力，让人在看到它的第一时间就被深深吸引，忍不住想立刻翻开一探究竟。总的来说，这本书的物理形态本身就是一件值得收藏的艺术品，它为接下来的阅读体验设定了一个极高的基调。

评分☆☆☆☆☆

深入阅读这本书，我最大的感受是它在处理艺术家内心世界与外部世界冲突时的那种克制与深刻。它没有将这位艺术家塑造成一个神话般的人物，而是极其坦诚地展现了他在不同创作阶段所面临的困境——如何平衡抽象表达与具象摹写之间的张力，如何在追求永恒感的同时，又不失对瞬间情感的捕捉。书中对于他使用特定材料的分析部分，尤其引人入胜。比如他对青铜和石材处理手法的对比，不仅仅是技术层面的描述，更像是对不同物质属性所蕴含的哲学意义的探讨。这种对“物质性”的执着探究，让读者得以窥见雕塑艺术的本质：它不仅仅是造型，更是材料与空间之间永恒的对话。这种内省式的写作，使得整本书的基调沉稳而富有思辨性，读完后留下的不是一堆零散的知识点，而是一种对艺术创作本体更深层次的敬畏。

评分☆☆☆☆☆