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出版者:Harry N Abrams Inc

作者:Mullins, Charlotte

出品人:

页数:123

译者:

出版时间:

价格:213.00 元

装帧:Pap

isbn号码:9781854375193

丛书系列:

图书标签:

• 英国
• 艺术
• 雕塑
• 装置艺术
• 当代艺术
• 英国艺术
• 女性艺术家
• 空间
• 记忆
• 遗失
• 透明
• 模具

《光影的织语：当代建筑与空间叙事研究》 作者： 陈思远 出版社： 远方文苑出版社 页码： 488 页 定价： 128.00 元 ISBN： 978-7-5678-9012-3 --- 内容简介： 本书是一部深入剖析当代建筑如何超越单纯的物理构造，转而成为承载文化记忆、社会关系与个体感知之载体的学术专著。作者陈思远以其深厚的建筑学理论功底和敏锐的跨学科视野，构建了一个全新的“空间叙事学”框架，旨在探讨建筑的“在场性”如何被光线、材料、尺度与时间共同编织成一系列复杂而引人深思的故事。 全书共分六个主要部分，结构严谨，论证详实，辅以大量经典与前沿建筑案例的深度解析，力求为读者提供一个既宏观又微观的视角，理解现代建筑语境下的空间哲学。 第一部分：空间的本体论与现象学基础 本部分首先追溯了自现象学诞生以来，空间概念在哲学与艺术领域中的演变。作者批判性地回顾了海德格尔的“栖居”概念，并将其与梅洛-庞蒂的身体经验理论相结合，论证了建筑体验的非纯粹认知性。重点探讨了建筑形式如何通过其边界、体量和穿透性，主动地“塑造”使用者的感官世界。例如，对勒·柯布西耶朗香教堂（Ronchamp）的光影处理方式的细致分析，揭示了材料的物质性如何转化为精神的场所性。同时，引入了符号学视角，探讨建筑构件（如柱、墙、屋顶）在不同文化语境下所携带的潜在意义，为后续的空间叙事分析奠定理论基石。 第二部分：光线作为叙事元素的主导性 光，是建筑叙事中最具动态和易逝性的元素。本部分将光线视为一种可塑的“介质”，而非简单的照明来源。作者详细区分了自然光、人工光、反射光与漫射光在空间氛围营造中的作用差异。通过对路易斯·康（Louis Kahn）作品中对光线“忠诚度”的探讨，特别是萨尔克生物学研究所（Salk Institute）中光线如何界定不同功能区域的等级与韵律，阐释了光线如何引导视线，控制节奏，并最终固化时间感。书中还比较了东西方建筑对“阴翳”的偏好，指出阴影不仅是光的缺失，更是一种积极的、用于强调主体和深度的叙事手段。 第三部分：材料的记忆与触觉的语汇 建筑材料不仅仅是支撑结构，它们携带着历史、地域和工艺的集体记忆。本章聚焦于材料的“在场感”——它们如何通过触觉、视觉和嗅觉与居住者进行无声的对话。作者细致考察了混凝土、木材、玻璃和本土石材在不同当代项目中的应用。例如，对安藤忠雄清水混凝土的分析，不再局限于其极简美学，而是深入探讨了其表面肌理所记录的模板痕迹，如何成为建筑师与时间协作的“签名”。此外，本章还讨论了材料的老化过程，即“时间的雕刻”，以及建筑师如何通过预设材料的演变路径，来延长和丰富空间的叙事生命周期。 第四部分：尺度、比例与身体的计量学 尺度是构建空间秩序和情感共鸣的核心工具。本书认为，建筑的尺度并非客观的物理测量，而是主观的、与人类身体尺寸紧密相关的体验尺度。本部分探讨了宏大尺度（Monumentality）如何引发敬畏感或疏离感，以及微小尺度（Intimacy）如何促进亲密互动。书中引入了关于“人机工程学”之外的“人神工程学”概念，分析了宗教、纪念性建筑如何通过超越人体的尺度，实现对崇高和永恒的表达。通过对比詹姆斯·斯特林（James Stirling）晚期作品中复杂的比例游戏与彼得·卒姆托（Peter Zumthor）对传统工匠尺度的回归，展示了尺度在当代建筑中作为情感调节器的双重作用。 第五部分：空间与社会实践的互动：公共性与私密性的张力 建筑空间是社会行为的容器和中介。本部分转向社会学视角，研究建筑设计如何介入和重塑社会关系。重点分析了“开放性”与“封闭性”的辩证关系。在对城市公共空间，如广场、街道和过渡性门厅的研究中，作者探讨了建筑如何通过透明度、视线渗透和流线设计，促进或阻碍社群的交流。反之，对居住空间的研究则聚焦于如何通过围合、序列和视线阻断，精妙地维护个体的心理疆域和私密性。书中引用了大量城市更新项目案例，论证了成功的当代设计是如何在满足高密度需求的同时，避免空间符号的僵化与异化。 第六部分：时间性、记忆与建筑的“在场” 最终，本书回到时间这一终极维度。建筑叙事的高潮在于其与观看者、使用者之间产生的“在场感”——一种当下发生的、活生生的体验。本章探讨了建筑如何通过循环动线、季节变化对光影的重新定义，以及历史遗迹的并置（Palimpsest），来承载多重时间性。作者总结了当代建筑师如何通过“未完成性”的设计策略，邀请未来的使用者参与到空间的最终叙事建构中。本书以对建筑作为一种“活着的历史档案”的展望作结，强调建筑设计实践必须深刻植根于对人类存在境遇的持续关切之中。 目标读者： 建筑学、城市规划、空间艺术、环境心理学及当代哲学专业师生、研究人员，以及对深度空间分析与建筑文化有浓厚兴趣的普通读者。 --- 附注：本书内容专注于建筑理论、光影艺术、材料哲学与空间社会学的交叉研究，不涉及特定艺术家的个人传记或雕塑艺术作品的创作细节。

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这本书的封面设计真是让人眼前一亮，那种极简主义的风格，用一种近乎冷峻的色调铺陈开来，让人忍不住想探究这背后到底隐藏着怎样一番天地。我拿到书的时候，第一感觉是它的重量，很有分量感，这似乎暗示着内容绝非轻飘飘的浮光掠影，而是需要沉下心来细细品味的厚重之作。从目录上看，章节的划分显得颇具匠心，似乎不是按照传统的时间线索或是主题堆砌，而更像是一种情绪的层层递进，或者说是某种概念的螺旋上升。特别是其中一个标题，我记得是关于“负空间”的探讨，这立刻抓住了我的好奇心，让人联想到艺术领域中那些被忽略却又至关重要的“空白”部分。我期待作者能在这本书中，不仅仅是罗列事实或介绍作品，而是能够深入挖掘那种潜藏在物质表象之下的精神结构，那种无形之物如何影响着我们的感知和存在。翻开扉页，作者的引言用了一种非常克制的语言，没有过多的煽情，只是平静地陈述了一个起点，这个起点本身就充满了张力，仿佛一根绷紧的弦，预示着接下来的阅读体验绝不会是平顺的航行，而更像是一场对边界和界限的不断试探与逾越。我非常欣赏这种不把话说满的姿态，它把解读的空间留给了读者，让每一页的翻动都成为一次主动的参与，而不是被动的接受。这本书的气场很强，它不迎合大众，而是用一种近乎固执的美学立场，引领我们进入一个由结构、材料和沉思构筑的独特世界。

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这本作品的排版和插图选择简直是一场视觉盛宴，它们不仅仅是文字的配角，更像是与文本对话的另一组沉默的叙述者。印刷质量极高，那些黑白照片的层次感，那种对纹理细节的极致还原，让人几乎可以触摸到雕塑表面的粗粝或光滑。我特别留意了那些关于装置作品的现场照片，它们往往采用一种低角度的仰视或者极远的鸟瞰视角，这种选择本身就传达了一种明确的立场——即强调作品与环境的互动关系，以及观众在面对这些巨大、静默的形体时所产生的那种敬畏感。与许多只提供作品大图的画册不同，这本书的图片常常会辅以一些细节的特写，比如边缘的处理、接缝的痕迹，甚至是作品因岁月而产生的细微裂痕。这些“不完美”的细节，恰恰是理解创作者意图的关键。每一次翻到新的大跨页图片时，我的心跳都会不自觉地加快，因为我知道，接下来一段文字将要解读的，正是眼前这个凝固的瞬间所蕴含的全部能量。这种图文之间你来我往的张力，使得阅读体验充满了节奏感，而不是单调的文字灌输。它成功地让阅读行为本身，模拟了观看艺术品的体验——需要专注，需要沉浸，最终才能获得那种瞬间的理解与共鸣。

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说实话，我一开始对这类聚焦于个体艺术家或特定艺术流派的专著抱持着一种谨慎的态度，因为很多时候它们会陷入过度专业化术语的泥潭，使得非科班出身的读者望而却步。然而，这本书的叙事节奏却出乎意料地流畅和富有感染力，它巧妙地在学术的严谨性与大众的可读性之间找到了一个微妙的平衡点。作者似乎深谙如何用最直白的语言去描述那些最抽象的观念。举个例子，书中描述到某种材料的“记忆性”时，并没有堆砌晦涩的哲学名词，而是通过对光影、湿度和时间在特定物质上留下的痕迹进行细致入微的白描，一下子就把那种“永恒中的瞬间”给抓住了。这种细腻的观察力，让我感觉自己仿佛站在了工作室的现场，呼吸着那些混合着灰尘、石膏和某种特有气味的空气。更让我惊喜的是，作者对背景环境的勾勒也十分到位，书中多次穿插了对特定历史时期社会氛围的简要回顾，这使得作品的诞生不再是一个孤立的事件，而是与外部世界的对话和回应。这种将个体创造置于宏大时代背景下的手法，极大地丰富了作品的维度，让读者能更深刻地理解艺术家在面对社会变迁时的内心挣扎与表达的渴望。阅读过程中，我多次停下来，合上书本，对着窗外发呆，试图在自己的日常经验中去寻找那些与书中描述的“空间之诗”相呼应的片段，这种思维的穿插和重构，正是优秀艺术评论的价值所在。

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这本书的语言风格有一种奇特的“建筑感”，它不是那种流畅如水、一泻千里的散文，而更像是用一种极其精确的刻刀，在坚硬的文本石块上进行雕琢。句子结构往往偏长，充满着从句和精确的限定词，这使得每一句话都承载了极大的信息密度。我常常需要放慢语速，甚至回读几遍，才能完全消化其中蕴含的复杂关系和多重指涉。这种阅读过程是费力的，但绝非令人厌倦，反而带有一种解谜的快感。每一次攻克一个长句，都像是在一座精心设计的迷宫中找到了一条正确的路径。作者似乎对语言的“边界”也抱有艺术家般的敏感，他不断地在名词、动词和形容词之间进行游走和重组，创造出一些你从未在其他地方读到过的组合词汇，它们初看之下略显生硬，但一旦意会，便觉其精准无比，仿佛是为描述特定艺术现象而量身定做的“术语”。这本书没有急于取悦读者，它的目标群体似乎更侧重于那些愿意为理解而付出努力的探索者。对我而言，它更像是一本工具书，一本思想的“脚手架”，它没有直接把意义搭建好，而是提供了搭建更高、更复杂思想结构的材料和蓝图，指导我如何去审视和构建自己与艺术世界的关系，这无疑是一次高效且令人振奋的智力锻炼。

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我对这本书中涉及到的“伦理”和“缺席”这两个概念的探讨印象最为深刻，这部分内容触及了艺术创作更深层次的哲学命题。作者似乎并不满足于停留在“是什么”和“如何做”的层面，而是勇敢地深入到了“为什么”和“留下了什么”的追问之中。特别是对于纪念碑性作品的反思，那种对传统纪念方式的质疑与解构，展现了极高的批判精神。书中分析了如何通过“移除”和“空缺”来表达“存在”，这种反向思维极具颠覆性。它挑战了我们习惯性的认知模式——即认为艺术品必须是“填充”和“具象化”的产物。我读到关于对某种集体记忆的探讨时，深感作者的敏锐与克制，他没有直接给出答案，而是构建了一个迷宫般的思辨场域，引导读者去思考，在面对那些无法言说、无法完全弥补的创伤或缺失时，艺术应该采取何种姿态。这种姿态是谦卑的，是退让的，同时又是无比有力的。它迫使我反思自己在日常生活中是如何处理那些“不在场”的人或事，以及我们如何通过仪式和空间去界定这些“空洞”。这本书的价值，就在于它提供了一种全新的观看和思考工具，让我们学会欣赏那些未被言明、未被塑形，却真实存在于我们感知世界中的“隐形结构”。

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205元 wopaila.com

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negative space 概念也不算新 通过cast表现出来

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