The Art of the American Musical pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026
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具体描述
Musical theater has captivated American audiences from its early roots in burlesque stage productions and minstrel shows to the million-dollar industry it has become on Broadway today. What is it about this truly indigenous American art form that has made it so enduringly popular? How has it survived, even thrived, alongside the technology of film and the glitz and glamour of Hollywood? Will it continue to evolve and leave its mark on the twenty-first century? Bringing together exclusive and previously unpublished interviews with nineteen leading composers, lyricists, librettists, directors, choreographers, and producers from the mid-1900s to the present, this book details the careers of the individuals who shaped this popular performance art during its most prolific period. The interviewees discuss their roles in productions ranging from "On the Town (1944) and "Finian's Rainbow(1947) to "The Producers (2001) and "Bounce (2003). Readers are taken onto the stage, into the rehearsals, and behind the scenes. The nuts and bolts, the alchemy, and the occasional agonies of the collaborative process are all explored. In their discussions, the artists detail their engagements with other creative forces, including such major talents as Leonard Bernstein, Jerome Robbins, Bob Fosse, Liza Minnelli, Judy Garland, Barbra Streisand, Jule Styne, Richard Rodgers and Oscar Hammerstein, Alan Jay Lerner, Zero Mostel, and Gwen Verdon. They speak candidly about their own work and that of their peers, their successes and failures, the creative process, and how a show progresses from its conception through rehearsals and tryouts to opening night. Taken together, these interviews give fresh insight into whatOscar Hammerstein called "a nightly miracle"--the creation of the American musical.
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用户评价
读完这本厚重的著作，我最大的感受是作者在梳理美国音乐剧发展脉络时所展现出的那种近乎苛刻的学术严谨性。它不是那种浮光掠影、只停留在介绍著名剧目和明星的通俗读物，而是深入到了创作背后的社会、经济和文化动因。比如，书中对二战后“社会问题剧”的分析，非常到位地揭示了音乐剧如何从纯粹的娱乐转向对现实的深刻反思，那种对歌词和剧情潜台词的剖析，简直是教科书级别的。我尤其欣赏作者对于“美国本土化”进程的论述，他没有简单地将欧洲歌剧或轻歌剧视为对立面，而是细致地描绘了爵士乐、蓝调乃至民谣如何一点点渗透并最终定义了百老汇的独特声音。读这本书就像进行了一次高强度的智力拉力赛，需要时不时停下来，查阅一些历史背景资料，但这种主动探索的过程，极大地增强了知识的吸收和内化。对于想要真正理解百老汇艺术形式底层逻辑的专业人士或学生来说，这无疑是一份极其宝贵的资料库。
评分这本书的装帧设计简直是一场视觉盛宴，那种沉甸甸的质感，拿在手里就仿佛握住了某种厚重的历史感。封面选用的复古色调和精致的排版，透露出一种对经典艺术的深深敬意。我特别喜欢扉页那几张精心挑选的黑白剧照，它们不仅仅是装饰，更像是通往百老汇黄金时代的任意门。内页的纸张选择也很有品味，光滑而不反光，使得文字的清晰度和图片的细节得以完美呈现。阅读过程中，那种触感上的愉悦感是很少有书籍能给予的。如果说有什么可以挑剔的，或许是索引部分可以更细致一些，毕竟内容如此丰富，有时候想快速定位到某个特定年代的某个制作人或者作曲家，需要多花一点时间翻阅。但瑕不掩瑜，仅仅是作为案头参考书，它的物理存在感和视觉吸引力就已经值回票价了。它不仅仅是一本关于音乐剧的书，更像是一件可以世代流传的艺术品，适合那些热爱实体书的、追求阅读体验的深度爱好者。书本的整体感觉是扎实、优雅且充满怀旧情怀的，非常符合我对“艺术”二字的期待。
评分这本书的价值，对我来说，更体现在它所激发出的“再发现”的欲望。每读完一个章节，我都会立刻打开流媒体平台，重新去聆听那些被书中详细剖析的经典唱段。作者对某一特定歌曲的编曲结构、歌词意象的层次分析，常常会让我产生“原来如此”的顿悟感，仿佛第一次真正听懂了那些耳熟能详的旋律背后的深层含义。这是一种非常互补的学习体验：书籍提供了理论框架和历史深度，而音乐本身则提供了直接的情感冲击。我记得书中对某个特定年代制作人过于商业化的批评，读完后，我特意去看了当时一部被作者评价为“平庸但卖座”的剧目，结果发现，即便在平庸的作品中，依然能找到作者所指出的那种“为了迎合市场而牺牲艺术完整性”的影子。这种带着批判性眼光重温经典的能力，是这本书带给我的最宝贵的财富，它让我的音乐鉴赏水平得到了质的飞跃，不再满足于表面的华丽，而是开始探究其内在的结构与灵魂。
评分说实话，这本书的叙事节奏掌控得相当精彩，一点也不枯燥，这对于一本内容如此密集的历史梳理类书籍来说，实属难得。作者非常懂得如何运用“人物弧光”来串联起跨越半个世纪的变迁。他没有平均用力地介绍每一个人，而是精准地抓住了几位关键性的“变革者”——那些打破常规的编剧、颠覆传统的导演——作为叙事的核心支点。通过对这些核心人物创作生涯的起伏、他们之间的合作与冲突的描绘，历史事件仿佛被赋予了鲜活的戏剧冲突。我仿佛能看到奥斯卡·汉默斯坦二世与理查德·罗杰斯在工作室里争论不休的场景，也能感受到斯蒂芬·桑德海姆那种近乎偏执的对韵脚和语法的追求。这种将宏大历史叙事与个人微观挣扎相结合的手法，使得阅读过程充满了代入感和戏剧张力，读起来酣畅淋漓，让人迫不及待想知道下一个里程碑式的作品会如何诞生。
评分我必须得说，这本书在处理不同时期风格的转变时，展现出了一种令人惊叹的敏感度。从早期弗雷德·阿斯特和金格·罗杰斯时代那种轻盈、注重舞蹈美学的作品，到中期对严肃题材的探索，再到后来的“后现代解构”浪潮，作者对每一种美学取向的特征总结得极其精准且易于理解。例如，他区分“音乐剧”（Musical）和“音乐剧场”（Musical Theatre）的微妙界限时所用的词汇和举例，简直是点睛之笔，让我对近年来一些模糊地带的作品有了全新的认识。更值得称赞的是，书中对音乐元素的分析，即便是一个不懂五线谱的读者也能领会其精髓——作者擅长用生动的语言来描述和声进行带来的情感效果，而不是堆砌技术术语。这种高水平的“翻译”能力，让这本书超越了纯粹的学术研究，成为了一本真正面向所有热爱音乐和戏剧的普通读者的佳作。它成功地搭建了一座桥梁，连接了艺术鉴赏的深度与大众理解的广度。
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