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出版者:Greenwood Pub Group

作者:Leiter, Samuel L.

出品人:

页数:1040

译者:

出版时间:2006-12

价格:$ 254.25

装帧:HRD

isbn号码:9780313335297

丛书系列:

图书标签:

• 亚洲戏剧
• 戏剧史
• 百科全书
• 表演艺术
• 文化研究
• 亚洲文化
• 舞台艺术
• 戏剧理论
• 传统艺术
• 世界戏剧

《东方戏剧史：跨越时空的舞台艺术》 导言：舞台的召唤 戏剧，作为人类精神活动中最古老、最富生命力的表达形式之一，在东方这片广袤的土地上，孕育出了与西方截然不同，却同样辉煌灿烂的艺术形态。本书旨在带领读者深入探寻东方戏剧的独特世界，系统梳理其自远古起源至当代发展的漫长轨迹。我们聚焦于那些在历史长河中打磨成型，并深刻影响了区域文化乃至世界艺术格局的戏剧传统。 本书并非对任何特定百科全书进行收录或概述，而是力求呈现一幅清晰、深入的东方戏剧“全景图”，着重分析不同地域、不同时期戏剧艺术的内在逻辑、美学特征与社会功能。我们将目光投向那些在历史舞台上留下深刻印记的流派与剧种，剖析其文本、表演、音乐、舞蹈乃至祭祀仪轨间的复杂交织。 第一部分：源头与奠基——古老仪轨中的戏剧萌芽 东方戏剧的根基深植于早期人类对自然、祖先的崇拜以及巫术仪式的土壤之中。这一部分将追溯戏剧的史前印记，探讨神话、宗教仪式如何逐步演化为具有叙事和表演性质的活动。 1. 远古的律动与歌舞： 我们将考察早期农耕文明中丰收祭祀、驱邪禳灾的集体歌舞活动，分析其中蕴含的原始戏剧元素：模仿、象征与情感的集中释放。重点讨论在史前遗址及早期文献中可窥见的关于“戏”的早期形态，例如原始部落的“模仿戏”与“巫术表演”。 2. 轴心时代的思想熔炉与戏剧的初步规范化： 轴心时代（公元前800年至公元前200年）是东方哲学与宗教思想形成的关键时期。本书将分析儒家、道家、婆罗门教、佛教等主要思想体系如何为后世的戏剧主题、道德规范和审美趣味定下基调。例如，探讨早期印度梵剧的文本结构与宗教教义的结合，以及中国先秦时期乐舞的礼制化倾向。 3. 早期剧场的物质基础与社会结构： 我们考察了早期舞台空间的概念——从露天的祭坛到宫廷的殿堂。重点分析早期统治阶层、寺庙与民间社群在戏剧赞助与接受中的不同角色，以及这些结构如何影响了戏剧内容的世俗化或神圣化。 第二部分：成熟与流变——区域性戏剧体系的形成 在成熟的古代文明中，不同地域的戏剧开始沿着各自独特的道路发展，形成了具有鲜明地域特色的艺术体系。 1. 南亚次大陆的辉煌遗产：梵剧的黄金时代 本章将深入剖析印度古典戏剧的代表——梵剧。我们将详细解读迦梨陀娑等大师的剧作，分析其“相”（Rasa，意境或情味）的理论体系，这是东方美学中关于情感体验的至高表达。重点分析了梵剧的结构，如“前奏”、“独白”、“幕间插曲”，及其在音乐、舞蹈与诗歌之间的精妙平衡。同时，也会简要概述印度地方性民间戏剧在传统梵剧影响下的演变。 2. 东亚的典范：汉字文化圈的舞台艺术 东亚戏剧体系在相互影响中发展出共同的底色，但又各有侧重。 中国戏剧的演进： 从汉代的“角抵戏”到唐代的“参军戏”，戏剧逐步脱离宫廷的纯粹娱乐，走向成熟。我们将系统梳理宋元南戏、杂剧的兴起背景，重点分析元杂剧作为中国古典戏剧的高峰，其“一人主唱、四人伴唱”的结构对后世戏曲的影响。分析关目（情节）、科介（表演指示）与曲牌（音乐格式）的规范化过程。 日本的精炼与升华： 考察雅乐的遗风，并详细阐述能剧（Noh）的哲学基础——幽玄之美。能剧的象征主义、程式化的动作与面具艺术，代表了对瞬间、对虚无的极致探求。随后，对比探讨其后出现的狂言（Kyogen）作为穿插在严肃能剧之间的喜剧形式，如何反映了世俗生活。 朝鲜半岛的叙事传统： 介绍盘索里（Pansori）这一独特的说唱艺术，分析其“唱、说、打”三位一体的表演模式，及其在民间抵抗精神中的重要作用。 3. 东南亚的融合之美： 探讨受印度化影响的东南亚戏剧，如印尼的皮影戏（Wayang Kulit）和爪哇木偶戏，分析其史诗叙事（如《罗摩衍那》、《摩诃婆罗多》）如何与当地文化和伊斯兰文化相融合，形成独特的戏剧美学。 第三部分：表演的精髓与程式的密码 东方戏剧区别于西方戏剧最显著的特征之一，在于其高度成熟和严格的程式化表演体系。本章旨在“解码”这些表演的内在密码。 1. 身体的语言：程式化的动作与虚拟空间 系统分析不同地域戏剧中身体语言的象征意义。例如，中国戏曲中“手、眼、身、法、步”的训练体系，日本能剧中的“すり足”（Suriashi，磨蹭步），以及南亚舞蹈剧场中手印（Mudra）的含义。讨论如何通过极简的舞台调度和表演动作，实现对复杂情境的暗示与转换（如“开门”、“上马”的程式动作）。 2. 声音的殿堂：音乐、唱腔与节奏的支配 东方戏剧是高度音乐化的艺术。我们将区分不同剧种的音乐体系：是基于固定板式和曲牌的声腔（如中国戏曲），还是融合了吟诵、独白与乐器伴奏的叙事节奏（如印度梵剧或朝鲜盘索里）。分析音乐在驱动情节、塑造人物性格以及营造特定“相”（Rasa）中的核心地位。 3. 面具与化妆的哲学：角色的界定 讨论面具（如能剧）和脸谱（如京剧）在东方戏剧中的作用。它们不仅是视觉符号，更是角色的身份标识和心理状态的浓缩。分析面具如何解放演员，使其超越个体，进入原型角色的精神领域。 第四部分：民间力量与当代回响 戏剧的生命力在于其与社会的持续对话。本部分将关注民间戏剧的旺盛生命力，以及它们在现代转型中所面临的挑战与机遇。 1. 民间的活力：地域小戏与街头表演 考察那些扎根于乡土，常以滑稽、讽刺或民间故事为题材的地方性小戏或说唱艺术。它们往往是社会情绪的晴雨表，代表了戏剧最朴素的娱乐与批判功能。 2. 现代性的冲击与实验： 进入近现代，全球化和本土革新的浪潮对传统戏剧提出了严峻的考验。分析剧作家和表演艺术家如何在继承传统美学核心（如程式化、象征性）的同时，吸纳西方戏剧技巧，进行现代改编与实验。探讨“新剧场”运动在亚洲各地的实践，以及传统剧种如何通过“现代化”的舞台呈现获得新的生命力。 结论：永恒的舞台 东方戏剧是人类集体记忆的珍贵载体，它以其独特的东方视角——强调意境的含蓄、表演的内化以及音乐与肢体的融合——为世界戏剧宝库增添了不可替代的价值。本书的终极目标是提供一个坚实的框架，使读者能够理解这些古老而充满活力的艺术形式，而非仅仅停留在表面的观赏。通过对这些跨越数千年的舞台艺术的深入审视，我们得以洞察东方文明深层的精神诉求与审美追求。

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对于一个对舞台服装和道具设计感兴趣的读者来说，这本书无疑是一座视觉的宝库，尽管它并非主要以图册的形式出现，但其对物质文化与表演本体关系的探讨，细致到了令人发指的地步。我记得其中一章专门讨论了中国川剧变脸技术背后的物理原理和仪式意义的结合，它不仅解释了“如何变”，更探讨了在特定观众群体中，“为什么”这种魔术般的效果会被视为对超自然力量的模拟。这种深度挖掘，远超了一般艺术史的范畴，几乎触及了人类学和符号学的领域。此外，书中对不同文化中“女性角色扮演者”的演变历程进行了追踪，从早期由男性垄断的净角到后来的专业女伶出现，这种性别视角的转换，为理解戏剧的社会功能提供了新的切入点。每当我读到某个剧种的服装描述，我都能清晰地在脑海中勾勒出那种特定面料在灯光下的反光效果，以及特定头饰在演员大幅度动作中如何保持平衡，这种描绘的功力，足以让舞台设计师们受益匪浅。

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读完这套书，我最大的感受是“震撼”——不是因为文字有多么华丽，而是因为其体系的庞大和细节的密集。我过去对东南亚传统戏曲的了解非常碎片化，顶多知道一些皮影和皮影戏，但这本书直接切入到菲律宾摩洛族的长篇叙事歌舞剧，以及泰国那种对节奏和姿态要求达到极致的“拉孔”艺术。那种对地方色彩的捕捉入木三分，让我仿佛身临其境地站在了那些炎热的舞台前。有一段对巴厘岛“遮面舞”（Topeng）中面具佩戴者如何通过眼神和呼吸来诠释人物内心活动的描述，简直是文学性的升华，作者没有停留在表面的服装和道具，而是深入到表演者的“内在技术”层面，这在很多同类书籍中是极为罕见的。更值得称道的是，它平衡了历史文献的严谨性和当代田野调查的鲜活。例如，书中引用了多位当代剧团艺术家的访谈录，他们的声音让那些古老的文本重新获得了生命力，揭示了传统艺术在面对全球化和商业化冲击时所展现出的韧性和挣扎。这本书的排版设计也充分考虑了学术阅读的需求，注释详尽且恰到好处，让读者在深入研究的同时，不至于被过多的脚注打断思路。

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我必须承认，在阅读这本书的初期，我感到有些沮丧，因为它涉及的文化背景和历史时期太过庞杂，不熟悉相关的历史地理知识很容易迷失方向。但是，随着阅读的深入，我发现作者设置了一个非常巧妙的“导航系统”——那就是对“观众”角色的持续关注。不同于很多仅关注创作者和文本的著作，这本书不断地提醒我们，戏剧的意义是在表演发生的那一刻，由舞台与观众的互动共同完成的。例如，书中对日本歌舞伎“见得”瞬间观众的集体反应的分析，精确地捕捉了那种强烈的、仪式化的情感共振是如何被设计和引导的。这种以“体验”为中心的叙事角度，让原本看似遥远的古代艺术焕发出惊人的生命力。它成功地打破了时间壁垒，让我感受到，无论是几百年前在寺庙前观看皮影戏的农夫，还是现代剧场里坐着的我，我们都在以不同的方式，参与到人类共同的叙事仪式中去。这是一本真正意义上的“人类舞台史”的浓缩，其视野之宏大、论证之扎实，实属罕见。

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这部厚重的文献，光是捧在手里就能感受到它沉甸甸的分量，光是翻开目录，那种扑面而来的详尽和广博就足以让人心生敬畏。我原本以为这会是一本枯燥的学术工具书，但事实是，它更像是一张错综复杂的历史地图，将东方舞台艺术的脉络描绘得淋漓尽致。尤其让我印象深刻的是它对早期民间祭祀表演与宫廷雅乐之间互动关系的梳理，那部分简直是教科书级别的论述，它清晰地展示了艺术形式如何在不同社会阶层间流转、演变，最终定型为我们今天所见的那些经典剧种。作者在处理跨文化影响时也展现了极高的敏锐度，比如追溯昆曲的某些唱腔元素如何隐约可见早期印度梵剧的痕迹，这种深入骨髓的比较研究，绝非泛泛而谈，而是建立在扎实的文本和考古证据之上的。书中的插图和图表制作精良，并非简单的装饰，而是关键信息的视觉辅助，比如一张关于不同地域木偶戏关节结构的剖析图，几秒钟就让我明白了其复杂精妙之处，省去了我查阅数篇专业论文的时间。总而言之，它不是一本可以快速翻阅的书籍，而是需要投入时间去细细品味和反复查阅的知识宝库，对于任何对亚洲表演艺术史有认真研究意向的人来说，它都是案头必备的参照。

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说实话，这本书的厚度一度让我望而却步，它更像是一座需要攀登的高峰。然而，一旦我调整了阅读策略，把它当作一个互相关联的知识网络来浏览，它的价值就显现出来了。我特别欣赏它对“音乐性”的强调，它没有将戏剧仅仅视为文本或视觉艺术，而是将其还原为一种听觉体验的集合体。比如在论述日本能剧的“謡”（Utai）时，书中不仅描述了其音阶和语调的特点，还巧妙地配以了乐谱片段的分析，即使不懂乐理的人也能感受到那种极简主义美学中蕴含的强大张力。而当我翻到对中亚丝绸之路沿线游牧民族说唱艺术的探讨时，我彻底被征服了。这种艺术形式的记载，通常是最难捕捉的，因为它依赖口头传承和即兴发挥，但作者通过对现有稀有录音资料的分析，成功地重建了那种古老的、充满异域风情的表演现场感。这本书的贡献在于，它将那些散落在偏远地区、缺乏系统整理的边缘艺术形态，以一种结构化的方式纳入了宏大的亚洲戏剧史叙事中，极大地拓宽了我们对“剧场”概念的理解。

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