The First Black Actors on the Great White Way pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:Univ of Missouri Pr

作者:Curtis, Susan

出品人:

页数:304

译者:

出版时间:2001-3

价格:$ 33.84

装帧:Pap

isbn号码:9780826213303

丛书系列:

图书标签:

• African American Theater
• Broadway History
• Black Actors
• Theater History
• American Theater
• Performance Studies
• Race in the Arts
• Cultural History
• 20th Century Theater
• Diversity in Theater

舞台上的光影：探索美国戏剧史中被遗忘的声音 一部深入挖掘美国戏剧发展历程中那些至关重要却常被历史忽略的声音、视角与叙事实践的深度研究。 导言：帷幕之外的历史回响 美国戏剧史是一部宏大而复杂的画卷，它记录了从早期殖民地时期的简陋演出到二十世纪百老汇黄金时代再到当代先锋实验的演变轨迹。然而，长久以来，主流的剧场史叙事往往聚焦于特定的剧作家、导演或舞台技术革新，使得许多塑造了美国舞台艺术面貌的关键性群体和叙事方式被置于聚光灯之外。 本书旨在填补这一历史空白，它不是一部简单的年代编年史，而是一次对舞台背后复杂权力结构、社会文化张力以及艺术创新精神的系统性考察。我们将目光投向那些在特定历史时期，以其独特的身份、视角和艺术实践，挑战既有美学规范、拓展戏剧表现边界的剧作家、演员、导演和剧团。这些实践，无论其初衷是迎合主流市场，还是蓄意进行文化反抗，都深刻地塑造了美国戏剧的面貌，并为后世的舞台艺术留下了宝贵的遗产。 第一部分：早期舞台的多元景观与禁忌的界限 (18世纪末 – 19世纪中期) 本部分聚焦于美国建国初期至南北战争前夕的戏剧生态。这个时期，舞台艺术承载着构建“美国身份”的重任，但“美国身份”本身就是一个充满冲突和排斥的集合体。 1. 国家的戏剧：从模仿到本土化 早期美国戏剧深受欧洲模式的影响，但随着民族意识的觉醒，本土题材和人物开始浮现。我们考察了那些试图描绘美国西部拓荒、政治辩论或早期社会道德困境的早期剧作家的作品。重点分析了在这些被视为“爱国主义”或“教育性”的剧目中，不同社会阶层和地域群体是如何被表现或刻意省略的。 2. 流行剧目与社会镜像：黑白之间的灰色地带 在缺乏明确的种族隔离政策之前，一些演出场所试图呈现更为混杂的社会场景。本章深入研究了早期巡回演出团体的运营模式，以及他们如何应对不同城市和观众群体的偏见。特别关注了那些涉及身份模糊、伪装或跨越阶级叙事的通俗剧（Melodrama）中的微妙处理。我们探讨了在这些广受欢迎的剧目中，如何通过夸张的表演风格和固定的戏剧原型来满足或至少暂时安抚多元的观众需求。 3. 舞台技术与物质性：灯光与场景的权力 舞台的物质性在构建戏剧体验中起着决定性作用。本章考察了19世纪中叶机械布景、早期煤气灯照明技术的发展，以及这些技术革新如何影响了戏剧的表现力。我们分析了舞台空间是如何被设计和“规训”的，从而限制了某些身体形态和表演模式的发挥，并无意中强化了特定群体的边缘化。 第二部分：十九世纪末的剧场革命与“真实”的探寻 (1870年代 – 1910年代) 工业化和城市化带来的社会剧变，催生了对更“真实”舞台呈现的渴望，这直接催生了自然主义和现实主义的兴起。 4. 欧洲浪潮与美国的回应：伊布生主义的本土化挑战 现实主义戏剧，特别是易卜生等欧洲大师的作品，对美国剧场产生了巨大冲击。本章对比分析了美国剧作家如何移植和本土化关于社会道德、女性地位和阶级冲突的主题。我们研究了早期将这些深刻的社会批判搬上舞台的先驱导演和剧团，他们如何艰难地在商业剧场的压力下，平衡艺术的深刻性和观众的接受度。 5. 幕后工作者的崛起：导演、设计师与舞台经理的专业化 随着戏剧复杂性的增加，导演和技术人员的专业角色日益重要。本章侧重于探讨这些幕后领导者——他们往往是审美变革的真正推动者——如何通过对排练过程、舞台调度和视觉设计的严格控制，重新定义了“好戏”的标准。他们的决策，即使是纯粹的艺术选择，也必然带有其所处时代的文化偏见，从而影响了哪些演员能够获得重要的角色。 6. 通俗剧的变异与艺术戏剧的萌芽 通俗剧依然是当时的主流，但其叙事结构开始出现微妙的变化，开始吸纳现实主义的元素来增强情感冲击力。与此同时，一些致力于艺术纯粹性的先锋团体开始出现，他们尝试用更具象征意义或心理深度的手法来取代传统戏剧的教条。本章探讨了这两种截然不同的剧场形态如何共存、竞争，并相互渗透。 第三部分：二十世纪初的现代主义冲击与剧场的重塑 (1910年代 – 1940年代) 两次世界大战期间是美国戏剧经历深刻哲学和美学转型的时期。现代主义思潮席卷而来，剧场被视为探索人类内心荒谬、疏离和潜意识的终极场所。 7. 符号与潜意识：表达主义与意象剧场的影响 从德国传入的表达主义（Expressionism）和更早的象征主义（Symbolism）对美国剧场叙事产生了颠覆性的影响。本章分析了运用非写实、高度风格化的舞台语言和扭曲的布景来表达人物内心创伤和现代社会异化的尝试。这些剧作往往挑战了线性叙事，要求演员具备极高的身体和情感控制力来驾驭抽象的概念。 8. 政治的舞台：社会写实主义与工人阶级的戏剧 大萧条时期催生了强烈的社会责任感和政治激昂。许多剧作家和表演者转向社会写实主义，试图将工人的生活、贫富差距和政治斗争直接搬上舞台。本章考察了那些以纪实手法和集体叙事为特征的剧团，他们如何利用戏剧作为一种动员和教育的工具，以及他们所面临的审查压力和市场排斥。 9. 舞台表演的范式转变：从“说”到“做” 在表演领域，从传统的宏大、外放式表演向更内敛、更心理驱动的表演模式过渡。我们研究了那些推动表演技巧革新的演员和导师，他们强调人物的“内在动机”和身体的“真实反应”，而非仅仅是台词的传递。这一转变极大地提高了对演员技术的要求，并最终重塑了角色塑造的可能性。 结论：未竟的对话 本书总结了这些关键时期中，美国舞台艺术在技术、美学和内容上所经历的深刻变革。通过聚焦于那些推动变革的非主流实践和被压抑的叙事声音，我们得以更全面地理解美国戏剧的复杂性和活力。这些被历史边缘化的探索，并非孤立的事件，而是构成现代美国剧场肌理中不可或缺的纤维。它们的遗产，至今仍在当代剧场实践中不断被重新发现和激活。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排堪称教科书级别。它没有采取简单的年代顺序，而是围绕几个关键的戏剧里程碑进行层层递进的阐述，使得每一个章节都像一个独立而完整的迷你纪录片。作者对于艺术史与社会政治史的交叉点把握得极其精准，他并不只是关注舞台上的“好戏”，更深刻地剖析了“为什么是这些戏”以及“为什么是这些人来演”。那种将艺术创作置于宏大历史背景之下进行审视的视角，令人耳目一新。书中对剧场运营、资金筹措乃至观众反响的分析，都展现了超越一般传记文学的广度和深度。文字密度很高，每一页都蕴含着丰富的信息量，需要放慢速度细细品味，稍不留神就会错过一些关键的细节。对于任何一个对美国戏剧史，或者说对少数族裔在主流文化中奋斗史感兴趣的人来说，这本书都是一个不可多得的宝藏，它带来的知识冲击是多维度的，远超预期的收获。

评分☆☆☆☆☆

这本厚重的书卷，带着一种历经风霜的皮革气息，初翻开时，那种扑面而来的历史的厚重感，就让人屏息凝神。它不仅仅是记录了一段舞台史，更像是一部关于挣扎与荣耀的史诗。作者的笔触极其细腻，对于早期那些先驱者的描摹，简直是入木三分，每一个细微的表情、每一个不为人知的幕后故事，都被挖掘得一丝不苟，仿佛我能亲眼看到那些在聚光灯下闪耀，却又在黑暗中承受巨大压力的面孔。书中对于剧作的分析，也展现了深厚的功力，它不仅仅是罗列了演出时间表，而是深入探讨了当时社会背景对剧本内容和表演风格的塑造影响。那些关于角色选择、舞台布景的描述，充满了时代特有的质感，让人联想到那个特定年代的审美趣味和技术局限。读到激动人心的转折点时，那种情绪的张力，即便隔着文字，也能清晰地感受到。这本书的价值，在于它提供了一个观察社会变迁的独特窗口，舞台上的每一次谢幕，都折射出时代洪流中的巨大变革，那种娓娓道来的叙事方式，让人沉浸其中，难以自拔，仿佛自己也成了那个剧场的见证者。

评分☆☆☆☆☆

翻阅此书，就像是打开了一扇通往一个充满奇迹与艰辛的旧世界的大门。作者对于舞台技术的演变，如灯光设计、布景机械的进步，也有着令人赞叹的关注。这些技术细节的描述，让那些古老的剧目仿佛重新获得了生命力，读者可以清晰地想象出当时的舞台效果是如何震撼人心的。更重要的是，书中没有回避那些不那么光彩的往事——关于偏见、关于收入差距、关于妥协与坚持的艰难抉择。作者以一种近乎悲悯的笔触，记录了那些为争取艺术平等所付出的巨大心力。这种坦诚和深刻的人文关怀，使得这本书的价值超越了单纯的艺术史范畴，上升到了社会正义的探讨层面。它不仅仅是关于“表演者”，更是关于“人”如何在社会结构中争取自己的一席之地。每次合上书页，我都会感到一种强烈的震撼和由衷的敬意，它提醒着我们，每一次艺术的胜利，都凝聚着无数人的血汗与不屈的意志。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，阅读过程并非一帆风顺，有些篇章的学术性略强，需要查阅一些背景资料才能完全领会其精髓。但这恰恰说明了作者的严谨态度——他没有为了迎合大众读者而牺牲内容的深度。书中对于早期评论界的反应、观众舆论的转变，有着大量翔实的论述，这些内容揭示了艺术接受是如何随着时间推移而发生微妙变化的。最令我印象深刻的是，作者巧妙地运用了对比手法，将不同时期、不同背景的演员和作品放在一起进行比较分析，这种横向和纵向的交织，构建了一个立体且多层次的历史图景。它迫使读者去思考，什么是真正的“伟大”，什么是被时代定义的“主流”，以及艺术的边界究竟在哪里。这本书的阅读体验，更像是一场与智者的深度对话，它提供的不是简单的答案，而是更深刻的问题。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，拿到这本书的时候，我略带一丝疑虑，生怕这是一本枯燥乏味的学术专著，充满了晦涩难懂的术语和冷冰冰的数据堆砌。然而，这本书完全颠覆了我的预期。它以一种近乎散文诗般的优美笔调，将那些被历史尘埃掩埋的精彩瞬间重新唤醒。作者的叙事节奏把握得炉火纯青，时而如疾风骤雨般展现高潮迭起的戏剧冲突，时而又像午后的暖阳般，温柔地描摹那些幕后人物的内心世界。我尤其欣赏其中穿插的那些详实的访谈记录和信件摘录，这些一手资料的运用，极大地增强了文本的真实感和温度。它们不是生硬的证据，而是鲜活的血肉，让那些早已逝去的名字重新拥有了呼吸。读完之后，我感觉自己仿佛完成了一次穿越时空的旅行，不仅了解了表演艺术的发展脉络，更体会到了艺术的生命力是如何在重重阻碍中迸发出来的。这是一部充满激情与洞察力的作品，绝非是简单的时间线整理，而是一次深刻的人文探索。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆