Half A Century Of Japanese Theater; 1960s pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Univ of Hawaii Pr

作者:Japan Playwrights Association (EDT)

出品人:

页数:426

译者:

出版时间:

价格:40

装帧:Pap

isbn号码:9784314101554

丛书系列:

图书标签:

• Japanese Theater
• 1960s
• Theater History
• Performing Arts
• Drama
• Cultural Studies
• Asia
• Japan
• Modernism
• Postwar Japan

舞台的变迁：战后日本戏剧的流光溢彩（1945-1990） 本书深入剖析了自第二次世界大战结束至二十世纪九十年代初，日本戏剧领域所经历的深刻变革、风格演变与重要流派的兴衰。这段时期，日本社会在经济复苏、文化重塑和全球化浪潮中剧烈震荡，这种动荡与新生，无不投射在舞台之上，催生出形式新颖、思想深邃的戏剧艺术。 第一部分：灰烬与重生——战后初期（1945-1960）的重建与萌芽 战败的创伤为日本社会带来了前所未有的文化冲击。戏剧界首先面对的是如何处理沉重的历史记忆，以及如何应对盟军占领下意识形态的松动与重塑。 1. 战后“新剧”的成熟与批判 战前就已发展起来的“新剧”（以写实主义和现代主义为基础的戏剧形式）在战后迎来了其真正的黄金时代。剧作家们不再受制于旧有的审查制度，得以更直接地探讨战争的非人道性、个体的异化以及战后日本的身份危机。 木下顺二的社会剧： 木下顺二（Kinoshita Junji）的作品，如《午夜的钟声》（The Midnight Bell）和《赤脚的奥基姑娘》（The Girl with Bare Feet），将目光投向底层民众，以尖锐的讽刺和对传统道德的质疑，揭示战后社会结构中的不公。他的作品往往融合了日本民间传说元素与西方现代戏剧结构，形成了独特的“日本式现代主义”。 剧团的崛起： 这一时期，以“文学座”和“云之会”为代表的专业剧团逐渐确立了其在戏剧界的领导地位。他们致力于引进和研究西方现代戏剧的经典，如易卜生、契诃夫，同时培养了大量演技精湛的演员。 2. 前卫的先声：从“安保斗争”到“解构”的渴望 随着冷战的加剧和《美日安保条约》的争议，知识分子群体对现实的批判力度不断增强。虽然“安保斗争”的高潮集中在六十年代初，但其思想基础和反体制情绪已在五十年代末开始酝酿。 寺山修司的早期探索： 年轻的寺山修司（Terayama Shuji）开始活跃于边缘领域，他的作品带有强烈的超现实主义和歌舞伎式的夸张，是对既有美学规范的初步挑战。 第二部分：革新与冲击——从“安保”到“主体性”的挣扎（1960-1970） 六十年代是日本社会思想最激进、文化实验最为充分的十年。大规模的学生运动和对“体制”的反思，直接推动了戏剧领域的革命性发展。 1. 极北的先锋：暗黑神话与身体剧场的诞生 如果说五十年代是重建，那么六十年代则是彻底的颠覆。由几位极具个性的剧作家和导演领导的先锋剧团，将日本戏剧推向了世界舞台。 唐十郎与“剧团唐组”： 唐十郎（Karatani Jūrō）及其创立的“剧团唐组”（Karasu-za），标志着“偶发剧场”（Situation Theater）的兴起。他们彻底摒弃了传统剧场的“第四堵墙”，将表演场所搬到街头巷尾，利用废弃物、奇特的服装和半即兴的表演，创造出一种充满原始生命力和民间色彩的“红毯剧场”（Red Pavement Theater）。他们的主题围绕着被社会边缘化的“流浪汉”和“非理性”的生存状态。 大野一雄与舞踏的兴起： 虽然舞踏（Butoh）更偏向于舞蹈艺术，但它与先锋戏剧的互动极为密切。舞踏以其极端的身体语言、对日本传统美学的反叛（如白色的身体涂装、缓慢的肢体运动）和对战争创伤的深刻挖掘，为戏剧表演提供了新的表达维度，影响了包括寺山修司在内的许多戏剧人。 2. 寺山修司与“天井栈敷”：迷幻与诗意的批判 寺山修司的“天井栈敷”（Tenjō Sajiki）剧团，以其梦幻般、拼贴式的舞台美学独树一帜。 “审美的暴力”： 寺山的剧作是诗歌、电影蒙太奇、马戏团元素与哲学思辨的混合体。他擅长解构“家”的概念、质疑记忆的真实性，并使用大量的文本游戏和视觉冲击力，创造出一种“失乐园”般的舞台氛围。他的作品超越了单纯的社会批判，深入到个体心理和集体无意识的层面。 3. 铃木忠志与“战争剧”的重构 铃木忠志（Suzuki Tadashi）与他的“萨莫·剧团”（Suzuki Company of Toga, SCOT）专注于对日本传统艺术（如能剧、歌舞伎）的“激进化”研究。 身体训练与“铃木训练法”： 铃木致力于通过严格的身体训练，使演员能够达到一种极度精准且充满爆发力的表演状态。他的作品，如对古希腊悲剧的改编，通过强调身体的张力、节奏感和“间”（Ma）的运用，探讨了人类在历史和集体命运面前的挣扎，成为一种全球性的剧场实验典范。 第三部分：多样化与国际化——后现代的渗透与回归（1970-1990） 进入七十年代后，激进的社会运动逐渐平息，戏剧界开始转向更加多元和内省的探索。前卫艺术逐渐被吸收和商业化，同时，一些剧团开始回归对日常生活的细致观察。 1. 剧团经济的成熟与流派的细分 随着社会稳定和经济繁荣，专业剧团开始拥有更稳定的资金和观众基础，这促进了不同风格的专业化发展。 “人形座”与剧本中心的兴起： 在剧本创作层面，涌现出更多注重对话和人物关系的剧作家。剧本中心（Theater Center Japan）等组织致力于推广优秀的当代剧本，并搭建了更规范的演出平台。 “城市剧场”的出现： 许多剧团开始将目光投向都市生活中的疏离感、消费主义的空虚，以及人际关系的微妙变化。 2. 剧场的“日常化”与“小剧场”的繁荣 七十年代末和八十年代，大量“小剧场”（Small Theater）涌现，它们通常在狭小的空间内进行创作，成本较低，为年轻导演和演员提供了试验田。 清水邦夫的冷酷现实主义： 清水邦夫（Shimizu Kunio）的作品以其冷峻、几乎是手术刀般的精确性，剖析现代人与语言的疏离。他的戏剧常常充斥着重复、无效的对话，揭示了现代社会交流的破碎性。 论及剧场的回归： 与前十年对“神话”和“身体”的狂热追求不同，一些后期的剧团开始关注如何用舞台语言来准确地捕捉和放大现代人在日常生活中感受到的荒谬和无力感，标志着戏剧思潮从“外向的革命”转向“内向的审视”。 总结：一个不断自我否定的艺术生态 战后至九十年代初的日本戏剧史，是一部不断自我否定、螺旋式上升的历史。从对西方现代主义的模仿与吸收，到对本土传统（如能剧、歌舞伎）的激进重构，再到对社会体制的直接挑战，日本戏剧始终保持着高度的实验精神和对时代精神的敏锐捕捉。它既是社会动荡的镜子，也是艺术形式不断探索的实验室，为世界戏剧贡献了独特而强烈的声音。

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读完这本书，我感受到的与其说是对“剧场”的描绘，不如说是一种对“社会变动下的文化反应”的深刻剖析。这本书的厉害之处在于，它巧妙地将剧场的革新与日本战后社会心理的微妙变化紧密捆绑。作者没有仅仅停留在舞台艺术的表象，而是深入挖掘了那些先锋派导演是如何通过舞台语言，来挑战当时社会对“秩序”、“家庭”和“美”的既有认知。比如，书中对黑泽明（虽然主要拍电影，但其对舞台影响的讨论也被涵盖）以及一些先锋剧作家的影响力的分析，非常有洞察力。它让我意识到，六十年代的日本剧场不仅仅是娱乐，它是一场关于身份认同和未来方向的激烈辩论的场所。文字的节奏感把握得极佳，时而如疾风骤雨，描述激进的抗议性表演；时而又转为低沉的内省，探讨小剧场中那些关于存在主义的喃喃自语。尽管有时作者的理论框架略显繁复，但其试图构建的那个时代精神的“全景图”，是令人信服且回味悠长的。

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坦白说，这本书的装帧和排版都透露出一种老派的学究气，但内容上，它却展现出惊人的爆炸性。这本书给我最大的惊喜，是它对“地方剧团”和“民间剧场复兴运动”的关注。很多关于日本戏剧史的论述，往往会集中在东京和大阪的“前卫”艺术圈，但这本书却不遗余力地将笔触伸向了那些在地方社区默默耕耘的剧团。通过对这些“草根”艺术家的记录，我看到了艺术在面对经济快速发展和城市化冲击时，如何努力保持其根基和文化载体的功能。书中收录的那些地方剧团的彩排照片和演员的素描，比任何文字描述都更具冲击力，它们展现了一种粗粝而真实的生命力。叙事风格上，作者采用了多视角的碎片化手法，仿佛是一系列散落在时间轴上的闪光点，需要读者自己去拼凑出那个时代完整的面貌。这种叙事上的挑战，反而形成了一种特殊的吸引力——它要求我们成为一个积极的参与者，而非被动的接受者。

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这本书的结构安排极具实验性，它摒弃了传统的编年体叙事，而是围绕着几个核心的“剧场符号”展开论述，比如“面具”、“灯光”和“沉默”。作者以符号学的方法切入，试图探讨在六十年代的社会转型期，这些符号在日本传统与现代的碰撞中，是如何被重新赋予意义的。阅读过程中，我需要不断地在不同章节间跳转，以追踪同一个符号在不同剧团、不同社会事件中的流变，这使得阅读过程充满了智力上的探索感。它更像是一本厚重的“主题词典”，而不是一本连贯的小说。书中对舞美技术革新的讨论尤其精彩，它详细记录了从传统布景到投影技术引入的那个关键时期，技术如何反过来重塑了表演的哲学。这本书的价值不在于它告诉了我们“发生了什么”，而在于它引导我们思考“为什么这些变化会以这样的形式发生”，其深度和广度，远超出了单纯的戏剧史范畴。

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这部作品的开篇就以一种近乎学术的严谨姿态，将我们直接抛入了上世纪六十年代日本演艺界的宏大图景之中。作者似乎拥有一种近乎病态的求真欲，对于那个十年间，从传统的能剧、歌舞伎到新兴的剧团，每一个关键转折点都进行了细致入微的文献梳理。我印象最深的是关于“暗黑之神话”剧团的研究，书中不仅列举了他们每一场演出的时间、地点、参演人员，甚至还尝试去还原当时的舞台设计理念，引用的访谈资料和当时的报纸评论交织在一起，形成了一张密不透风的研究之网。然而，这种对细节的过度沉溺，使得初次接触的读者可能会感到有些吃力。它更像是一份为资深研究人员准备的深度报告，而非面向普通爱好者的引人入胜的故事。阅读过程中，我几次需要停下来，去查找那些陌生的专业术语和剧团名称，这无疑减缓了阅读的流畅性。虽然信息的密度令人敬佩，但少了些许人性的温度和叙事的灵动，使得这场追溯历史的旅程，有时显得过于冰冷和客观。

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这本书读起来像是一场非常私人化的记忆之旅，尽管其主题是宏大的“半个世纪的剧场史”，但作者的笔触却异常细腻和个人化。它似乎将学术的严谨性暂时搁置一旁，转而用一种充满怀旧和诗意的散文笔调，带领读者重温那些失落的剧场空间和那些已经谢幕的艺术家们。尤其是对特定年代音乐剧和歌舞伎新流派演员的描绘，充满了情感的张力。作者似乎与某些艺术家有着某种心照不宣的默契，他们的悲欢离合、舞台上的高光与落幕后的沉寂，都被描绘得淋漓尽致，让人仿佛能闻到老剧场里特有的尘土和汗水的味道。唯一的遗憾是，这种高度主观的叙事方式，使得一些关键的艺术流派的理论基础阐述得略显模糊，更多的是“感受”而非“分析”。对于希望深入了解艺术流派演变机制的读者来说，可能需要寻找补充材料。但作为一部充满人文关怀的时代侧影录，它无疑是成功的。

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