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出版者:Thames & Hudson

作者:Lynda Roscoe Hartigan

出品人:

页数:272

译者:

出版时间:2003-10-27

价格:USD 65.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9780500976289

丛书系列:

图书标签:

• 装置
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《约瑟夫·康奈尔：静默的魔术师》 前言：当日常物件诉说宇宙的秘密 在艺术的广阔星空中，有一些名字宛如夜空中最闪耀的星座，它们不以喧哗和张扬著称，却以一种沉静而深刻的力量，吸引着探索者们驻足凝望。约瑟夫·康奈尔（Joseph Cornell）无疑是这样一位艺术家。他的作品，不是宏大的史诗，也不是激烈的宣言，而是由无数细碎的、被遗忘的、寻常的物件构筑起的梦幻宇宙。这些物件，或是一张泛黄的旧照片，一根羽毛，一个玩偶，一瓶香水，一张明信片，一个地图的碎片，一个鸟笼，甚至是一块不起眼的木头，在康奈尔的精心编排下，被赋予了新的生命，它们不再是孤立的实体，而是彼此交织，共同讲述着一段段引人遐想的故事，揭示着某种超越语言的、诗意的真相。 康奈尔是一位“隐居的艺术家”，他大部分时间生活在纽约皇后区的公寓里，与世隔绝，如同炼金术士般沉浸在他的创作之中。他的“盒子”（box constructions）——这也许是他最为人熟知的艺术形式——是他在一个三维空间内构建的剧场，是微缩的博物馆，是私密的画廊，更是思想和情感的载体。每一个盒子都是一个独立的世界，充满了神秘的象征和隐喻，等待着观者去解读、去体验。他的创作过程，更像是一种考古，一种收集，一种冥想。他会在城市的各个角落搜寻他所需要的“材料”，从旧货店，从古董市场，从废弃的箱子，甚至是垃圾堆里，他都能发现那些“有灵魂”的物件，并将它们带回自己的工作室，如同对待珍贵的文物般小心翼翼地清洗、整理、分类，然后，在静默的沉思中，将它们重新组合。 第一章：盒子里的宇宙——康奈尔的“盒子”艺术 约瑟夫·康奈尔的“盒子”艺术，是他的创作的核心，也是他最为人称道的贡献。这些盒子，通常是尺寸不一的木制盒子，被康奈尔精心布置成一个个充满魔力的三维拼贴。他打破了传统的绘画和雕塑界限，创造了一种全新的艺术语言。 1.1. 盒子的空间：舞台与梦境的交汇 康奈尔的盒子，最显著的特点在于其独特的三维空间处理。他常常在盒子的内部，使用各种平面元素（如纸张、布料、照片）和立体物件（如玩偶、羽毛、贝壳）来构建层次感和纵深感。他善于利用网格、隔断、抽屉等结构，将盒子的内部空间分割成多个小单元，每一个单元都如同一个小小的舞台，上演着独立的戏剧。观众的目光，会被引导着在这些错落有致的空间中游走，体验一种探索和发现的乐趣。 例如，在他的“恒星”（celestial）系列盒子中，他常常使用蓝色的背景，点缀以星星、行星的模型，或者绘制星空的图案，营造出一种宇宙深邃而神秘的氛围。在这种背景下，置入一些与天空、飞行、或探索相关的物件，如羽毛、老式飞行器模型、或者带有航海图元素的纸张，便能唤起观者对宇宙的无限遐想。 1.2. 物件的语言：从日常到象征 康奈尔作品的魅力，很大程度上来自于他对日常物件的选择和运用。他并非寻找昂贵或稀有的物品，而是那些在生活中随处可见，却又承载着某种回忆、情感或想象的物品。这些物品，经过康奈尔的挑选和组合，被赋予了新的意义，从普通的道具蜕变成了具有象征意义的元素。 人偶与肖像： 康奈尔对芭蕾舞者、电影明星、以及来自不同时代的肖像画特别着迷。他会在盒子里放置老旧的玩偶，或者剪贴下来的明星照片。这些人物，往往被置于一种静止、凝固的状态，仿佛被时间定格，又仿佛在诉说着一段被遗忘的故事。它们不仅仅是人物的图像，更是对女性美、青春、梦想、以及逝去时光的一种象征。例如，他的一些盒子以玛丽莲·梦露为主题，用她的照片、剪贴画和与她相关的物品，构建出一个关于好莱坞的梦幻世界，同时又透露出一种哀伤和对脆弱之美的思考。 自然元素： 羽毛、贝壳、石头、干花等自然界的元素，也在康奈尔的作品中扮演着重要的角色。它们带来了生命的痕迹，也暗示着时间的流逝和自然的奥秘。羽毛轻盈而脆弱，象征着自由、飞行，但也可能暗示着消逝。贝壳则带着海的气息，神秘而古老。 地图与百科： 康奈尔对地理、历史、以及科学充满好奇。地图、百科全书的碎片、老式地球仪等，常常出现在他的作品中，它们暗示着知识的边界、探索的欲望，以及世界的多样性。这些元素，将观者带入一个知识和想象交织的领域。 几何图形与机械零件： 除了具象的物件，康奈尔也常常使用几何图形，如圆形、方形，以及一些简单的机械零件，如齿轮、弹簧。这些抽象的元素，为他的作品增添了秩序感和结构性，同时也暗示着某种内在的机制或运行的规律，呼应着他对宇宙秩序的思考。 1.3. 叙事的缺席与暗示：让观者成为故事的创作者 康奈尔的盒子，往往没有明确的叙事。他提供的是一系列的意象，一种氛围，一种邀请。观者被鼓励去主动地解读，去填补那些缺失的部分，去创造属于自己的故事。他创造的是一种“诗意的空间”，在那里，观众的想象力得以自由驰骋。 他不喜欢给作品起名字，或者只是用简单的数字或地点来命名，这更进一步地将意义的生成权交给了观者。每一个盒子，都像是一首没有歌词的歌，一段没有情节的电影，一首没有解释的诗。康奈尔的艺术，是对“观看”行为本身的深刻探讨。他让我们重新审视那些被我们习以为常的物件，发现它们背后隐藏的诗意和故事。 第二章：电影的炼金术——康奈尔的“拼贴电影” 除了“盒子”艺术，约瑟夫·康奈尔也是一位极具创新精神的“拼贴电影”（collage films）制作人。他的电影，与他的盒子作品一脉相承，同样充满了碎片化的影像、诗意的剪辑，以及对梦境和潜意识的探索。 2.1. 影像的碎片与重组 康奈尔的电影，并非采用传统的叙事结构，而是将从各种来源收集来的电影片段、照片、报纸剪辑等进行重新组合。他像一位导演，又像一位剪辑师，将这些碎片化的影像，按照他独特的节奏和韵律，进行拼接和叠加。 他常常使用现成的素材，如老电影的片段、家庭录像、甚至是他自己拍摄的影像。这些素材被他以一种非线性的方式呈现，打破了时间与空间的逻辑，创造出一种梦幻般的视觉体验。例如，他可能将一个芭蕾舞者的表演片段，与一个鸟儿飞翔的镜头，以及一个老式游乐场的画面并置，在这种看似不相关的组合中，却能产生出意想不到的诗意和情感共鸣。 2.2. 节奏与氛围：沉默的诗篇 康奈尔的电影，通常是无声的，或者只配有简单的背景音乐。这种“沉默”，反而是他艺术中的一个重要元素。他让影像本身去诉说，去激发观者的想象。他注重影像的节奏感，通过快速的剪辑和缓慢的画面停留，来营造不同的情绪和氛围。 他的电影，与其说是讲故事，不如说是营造一种情绪，一种体验。它们更像是流动的拼贴画，或者是由视觉元素构成的诗。观众在观看他的电影时，更像是在进行一次冥想，一次对潜意识的探索。 2.3. 主题的探索：童年、梦境与异国情调 在康奈尔的电影中，有一些 recurring themes（反复出现的主题），例如： 童年与纯真： 他对童年玩具、游乐场、以及儿童的形象情有独钟，这些元素常常在他的作品中出现，暗示着对纯真、对失落的美好时光的怀念。 梦境与潜意识： 康奈尔的电影，充满了梦境般的特质，非逻辑的连接，模糊的现实感，以及强烈的象征意义。他似乎在试图捕捉潜意识的流动，将内心深处的图像和情感呈现出来。 异国情调与旅行的欲望： 他对巴黎、摩洛哥、西班牙等异国风情充满向往，这些地方的影像和文化元素，常常出现在他的作品中，反映了他内心深处对远方和未知世界的探索欲望。 第三章：康奈尔的孤寂与宇宙观 约瑟夫·康奈尔是一位极具神秘色彩的艺术家。他选择了一种与世隔绝的生活方式，将自己的全部精力投入到艺术创作中。这种孤寂，并非是一种消极的逃避，而是一种主动的选择，一种通往内心深处和宇宙奥秘的路径。 3.1. 隐居与内省 康奈尔的“隐居”，让他能够不受外界干扰，沉浸在自己的思考和创作之中。他的生活，简单而有规律，大部分时间都在他的公寓里度过，仿佛一个修道士。这种生活方式，为他的艺术提供了必要的空间和时间，让他能够深入地挖掘自己的内心世界，并将其转化为具象的艺术作品。 3.2. 宇宙的秩序与诗意 康奈尔的作品，无不透露出他对宇宙秩序的某种理解和追求。他将各种看似无关的物件，通过精心的编排，组合成一个和谐的整体。这种组合，并非是机械的拼凑，而是遵循着某种内在的逻辑和韵律。 他从微小的物件中看到了宇宙的缩影，从日常的碎片中发现了诗意的光芒。他的艺术，是对人类情感、记忆、梦想，以及宇宙奥秘的深刻反思。他用他的“盒子”和“电影”，构建了一个属于自己的、充满诗意和想象的宇宙，并邀请我们一同进入，一同去感受那份静默的力量。 结语：静默的回响 约瑟夫·康奈尔的作品，就像一颗颗沉入湖底的石子，激起的涟漪虽然不显眼，却能传播很远，并引发人们对水面之下深邃世界的思考。他的艺术，不喧哗，不张扬，却以一种独特而持久的方式，触动着观者的心灵。他的“盒子”和“电影”，是关于记忆的容器，是关于梦境的指南，是关于日常的诗歌。在信息爆炸、节奏飞快的时代，康奈尔的作品，提供了一个让我们慢下来，去感受，去思考，去发现的契机。他是一位静默的魔术师，用他的艺术，为我们打开了通往内心宇宙和广阔宇宙的大门。

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这是一部关于中亚游牧民族服饰变迁的民族志著作，装帧设计本身就极具匠心，封面使用了那种略带粗糙感的羊毛织物纹理，散发出一种古老的、带着风沙气息的触感。全书的重点在于“流动性”与“适应性”如何定义了这些服饰的结构。作者详尽地分析了皮袄的剪裁如何最大化地利用动物皮革的每一寸，以及头饰在不同季节和不同社会仪式中的功能性转换。最引人入胜的是关于“色彩符号学”的那一章，它解释了蓝色在不同部落中代表的从“天空庇护”到“哀悼”的巨大语义跨度，以及红色染料的稀有性如何使其成为权力和财富的直接象征。书中配图的质量极其出色，许多都是作者本人在田野调查中拍摄的特写照片，清晰地展示了刺绣针法的细微差别和珠饰的排列规律。它让我意识到，一件衣服不仅仅是保暖或美观的工具，它是一部可以穿戴的族谱、一部记录迁徙历史的地图集。这种跨学科的叙事方式——融合了人类学、纺织技术史和符号学——使得阅读体验异常充实和富有启发性。

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我不得不承认，我最初被这本书那充满悖论意味的标题所吸引，它承诺探讨“被遗忘的现代性”——那些在历史主流叙事中被刻意忽略的、非欧洲中心的工业化进程。这本书的叙事风格非常跳跃，充满了作者个人强烈的、近乎辩论式的声音。它没有线性地介绍技术，而是选择性地聚焦于几个关键的“技术转折点”，比如十九世纪末南美洲的硝石开采技术，以及二战后东南亚特定地区对水利工程的激进改造。作者对这些事件的批判视角非常尖锐，他毫不留情地揭示了“进步”背后的环境破坏和劳工剥削。阅读过程中，我感觉到一种强烈的认知失调，因为书中描述的那些“现代”奇迹，与我们今天所接受的、由西方主导的技术发展史观完全冲突。语言的张力很大，句子结构复杂而富有节奏感，像是在进行一场马拉松式的智力搏击。这本书迫使我重新审视“发展”这个词汇背后的意识形态捆绑，它是一剂猛烈的清醒剂，让你不得不去寻找那些被主流论述过滤掉的、粗粝而真实的声音。

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这本书探讨了二十世纪早期美国爵士乐，特别是路易斯·阿姆斯特朗早年在新奥尔良和芝加哥时期的发展脉络，其深度和细节令人惊叹。作者显然不是一个泛泛的乐迷，而是一位浸淫在那个时代声音纹理中的历史学家。书中对早期录音技术的局限性如何反过来塑造了演奏风格的论述，极具洞察力。例如，他们如何被迫适应老式麦克风对高音的敏感度，从而发展出那种独特的、略带鼻音的、穿透力极强的铜管音色。文字充满了生动的比喻，将乐句的走向比作“密西西比河口潮汐的起伏”，将即兴独奏形容为“在既定和弦框架下进行的思想的自由漫步”。更精彩的是，书中还穿插了大量对当时社会阶层、种族隔离制度如何渗透到音乐场景中的分析，揭示了那些看似纯粹的艺术表达背后，隐藏着多么复杂的生存挣扎与身份构建。读完后，我立刻找出了那些早期录音片段，带着作者提供的“听觉钥匙”，去聆听那些熟悉的旋律，感受到了前所未有的层次感和历史的厚重。

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这部关于二十世纪后半叶欧洲先锋艺术运动的选集，简直是一场视觉与思想的饕餮盛宴。它没有采用那种按时间线索乏味的梳理方式，而是通过几个核心的、相互碰撞的主题——比如“机械的诗意”、“日常的颠覆”以及“非物质的形态”——来组织那些令人瞠目结舌的艺术实践。我尤其对其中关于“偶发艺术”（Happenings）那几页印象深刻。文字描述了一种在特定城市空间中，艺术家与观众之间的即时、不可复制的互动，那种混乱、充满偶然性和短暂性的爆发力，与当时社会语境下的压抑感形成了强烈的张力。书中收录的那些模糊、充满颗粒感的现场照片，虽然远不如高清数码照片来得清晰，却意外地捕捉到了那种转瞬即逝的“在场感”。阅读时，我不得不频繁地停下来，去谷歌搜索那些被提及的策展人或艺术家的背景资料，这本书成功地在我的阅读路径上凿出了无数个深入探索的岔口。它不是提供标准答案的教科书，而是一个充满诱惑力的迷宫入口，引人不断地迷失在对“艺术”边界的质疑之中。

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翻开这本关于建筑师阿尔瓦罗·西扎·维埃拉的画册，我立刻被那种近乎偏执的精确感和对材料的深刻理解所震撼。书中的大量手稿和模型照片，仿佛将我带入了他那充满光影、几何线条和混凝土质感的创作世界。西扎的设计语言是如此克制而又充满力量，没有一丝多余的装饰，一切都服务于功能与光线的对话。特别是关于他如何处理“光”这个元素的章节，简直是一堂生动的空间美学课。他不是简单地开窗，而是精心雕琢每一个开口的角度和大小，让自然光成为空间本身的一部分，时而锐利如刀，时而柔和如纱。我注意到，书中对葡萄牙本土材料的运用有着详尽的记录，从花岗岩的肌理到水磨石的细腻，都体现了他对地域性的尊重。阅读过程中，我不断地在脑海中构建那些建筑的实体感，那些墙壁的厚度，地板的冰凉，仿佛我正赤脚走过他设计的波尔图大学图书馆的阅览室，感受着那种庄重而宁静的氛围。这种对建筑本质的追问，远超出了寻常的建筑图解范畴，更像是一部关于存在、光影与物质性的哲学思考录。

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从彼此充满神秘的发明物生成的对话中 Duchamp和Cornell互相欣赏 但Ready-Made只是Duchamp的手段媒介 Cornell则更迷恋于Object本身 耽于审美的趣味

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