The Big Book of Ceramics pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Watson-Guptill

作者:Joaquim Chavarria

出品人:

页数:192

译者:

出版时间:1994-09-01

价格:USD 35.00

装帧:Paperback

isbn号码:9780823005086

丛书系列:

图书标签:

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雕塑的奥秘：一部深入探索雕塑艺术的恢弘巨著 书名： 雕塑的奥秘：从史前巨石到数字建模的艺术之旅 作者： 艾尔莎·范德比尔特 出版社： 寰宇艺术出版社 --- 内容简介 《雕塑的奥秘：从史前巨石到数字建模的艺术之旅》是一部对雕塑艺术史进行全面、深入且富有洞察力的考察，旨在揭示人类表达自我的最古老、最持久的媒介之一的演变、技术和哲学意义。这本书不仅仅是一部艺术史的编年史，更是一部关于材料、形式、空间和精神追求的百科全书。 本书的叙事结构围绕着三大核心支柱展开：物质的嬗变（材料与技术的革新）、形式的革命（风格与观念的演进）以及空间的对话（作品与环境的相互作用）。 第一部分：物质的嬗变——从大地之子到合成之物 本部分追溯了雕塑创作所依赖的物质基础，探讨了人类如何与自然界的原材料建立起创造性的张力。 第一章：原始的低语——泥土、石头与骨的觉醒 我们从史前时代开始，考察最早的立体造型尝试——从维纳斯小雕像中流淌出的生命力，到巨石阵所蕴含的宇宙秩序感。重点分析了早期人类如何理解和驾驭粘土的塑性、石头的坚韧以及骨材的纹理。我们将深入研究美索不达米亚的圆雕，以及埃及法老的永恒纪念碑，特别是对石材选择（如闪长岩、花岗岩）的考量，以及凿刻技术从粗糙到精细的演进过程。 第二章：古典的熔铸——青铜的黄金时代 本章聚焦于公元前五世纪至罗马帝国时期青铜铸造技术的巅峰。详细解析了失蜡法（Cire Perdue）的复杂流程，从蜡模的制作、耐火石膏的配比，到最终的浇注和后期打磨。通过对《掷铁饼者》和《米洛的维纳斯》（假设其可能存在青铜原件或其在青铜技术背景下的意义）的分析，我们探讨了如何通过金属的流动性捕捉到人体动态的瞬间。此外，书中也涵盖了早期对大理石的精细雕琢，特别是希腊人如何通过“湿润表面”的技术，赋予冰冷石材以肌肤般的质感。 第三章：中世纪的信仰与哥特式的飞升 进入中世纪，雕塑服务于宗教叙事。本章关注木雕的兴盛，尤其是在北方森林地区，以及木材的特性如何影响了雕塑的表达：宗教人物的戏剧性扭曲、服装的深刻褶皱，以及彩绘和镀金对“神圣光芒”的模拟。哥特式大教堂的门楣雕塑，展示了雕塑如何从建筑的附庸转变为独立的叙事主体，探讨了如何利用尖拱结构和高耸的飞扶壁来平衡巨大石雕的重量。 第四章：文艺复兴的复兴与解剖学的精确 文艺复兴时期是人体形态研究的里程碑。我们详细分析了多那太罗（Donatello）对古典技法的重新发现，以及米开朗基罗（Michelangelo）对大理石的近乎暴力的改造。书中专门辟出一个小节，探讨了画家与雕塑家在解剖学知识上的互相促进，以及大理石“内在生命”的哲学观——艺术家如何“释放”被囚禁在石块中的形象。同时，我们也会触及微型雕塑和浮雕技术的复兴。 第五章：工业时代的冲击与新材料的诞生 随着工业革命的推进，铸铁、熟石膏乃至早期的水泥开始被纳入雕塑家的工具箱。本章探讨了罗丹（Rodin）如何打破传统的光滑表面，引入粗粝的肌理（Non Finito），用未完成感来表达内在的精神挣扎。此外，书中还讨论了19世纪末期，对来自亚洲和非洲的非西方雕塑形式（如非洲面具、大洋洲木雕）的借鉴，如何为现代主义雕塑提供了新的动力。 第二部分：形式的革命——从再现到观念 第二部分转向雕塑在20世纪以来的爆炸性发展，考察了形式如何脱离具象的束缚，成为纯粹的表达载体。 第六章：现代主义的解构——立体主义与构成主义 我们探讨了毕加索和布朗库西（Brancusi）如何通过简化、抽象和对材料本性的尊重，彻底改变了雕塑的面貌。布朗库西对“椭圆”的反复探索，象征着对永恒本质的追求。构成主义者（如塔特林）则将雕塑带入空间结构和动态的领域，提出了“非纪念性”纪念碑的概念。 第七章：空虚的重量——抽象表现主义与极简主义的对峙 本章深入分析了战后美国雕塑的转向。一方面，我们看到大卫·史密斯（David Smith）如何用焊接钢材创造出三维的绘画；另一方面，极简主义者（如唐纳德·贾德、卡尔·安德烈）如何用工业材料（铝、有机玻璃、未处理的钢板）创作出“特定物”（Specific Objects），挑战了传统雕塑对“底座”和“表现性”的依赖。重点讨论了“知觉雕塑”——作品的意义不再由艺术家赋予，而是在观众的观看过程中产生。 第八章：行动与装置——身体、时间与环境的介入 20世纪下半叶，雕塑的概念被极大地拓宽。行为艺术和环境艺术（Land Art）将雕塑从孤立的物体解放出来。我们分析了理查德·塞拉（Richard Serra）的巨大钢铁板如何改变观众对物理空间的感知，以及克里斯·伯顿（Christo and Jeanne-Claude）如何通过“包裹”来暂时性地重塑地标。本章强调了时间性、过程和观众的身体经验如何成为新的雕塑要素。 第九章：后现代的戏谑与材料的反思 后现代主义雕塑拥抱拼贴、挪用和对高雅艺术的嘲讽。我们考察了如克拉斯·欧登伯格（Claes Oldenburg）对日常物品的巨型化，以及杜安·汉森（Duane Hanson）的真人大小雕塑如何模糊了真实与复制的界限。这一时期，材料的选择充满了社会评论的意味，从废弃物到塑料，都在讲述新的社会故事。 第三部分：空间的对话——数字时代的延伸 本书的最后部分展望了当代雕塑的前沿领域，特别是技术对创作模式的颠覆。 第十章：数字的拓扑学——三维打印与虚拟形态 本章考察了计算机辅助设计（CAD）和三维打印（Additive Manufacturing）如何彻底改变了材料的获取和形式的复杂性。当代雕塑家如何利用算法来生成传统手工无法企及的复杂几何结构。我们探讨了“数字孪生”的概念，以及艺术家如何在虚拟空间中创作，并将这些形态转化为现实中的物理对象，甚至反过来，将物理扫描数据转化为数字模型。 第十一章：跨媒介的融合与未来展望 当代雕塑不再局限于单一媒介。本章讨论了雕塑如何融入光影艺术、互动媒体和生物材料科学。探讨了生物雕塑的可能性，以及艺术家如何利用新媒体技术，创造出不断变化、对环境敏感的动态作品。最终，本书总结了雕塑作为一种永恒的人类冲动——在三维空间中寻求意义、美感和永恒的努力，并将之置于全球化和技术加速的背景下进行定位。 --- 目标读者 本书适合艺术史学生、专业雕塑家、博物馆策展人，以及所有对人类创造力、材料科学与空间感知之间复杂关系感兴趣的读者。它以严谨的学术视角为基础，同时辅以丰富的案例分析和精美的图像（注：此处为描述性书籍内容，不包含实际图片），旨在成为一本权威的、跨越时代的雕塑艺术参考书。

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我必须承认，这本书在“创意激发”这方面做得还算不错，当然，前提是你得接受它那略显“小清新”的审美取向。它里面收录了大量当代陶艺家的作品照片，大部分是那种线条流畅、色彩柔和的现代风格器皿。我原以为它会侧重于结构力学和造型理论的探讨，比如如何设计一个既有雕塑感又能满足实际使用的茶壶嘴，或者如何平衡一个超大件陶艺作品的重心。然而，大部分篇幅被用来介绍如何使用各种相对小众的装饰材料，比如使用各种植物的灰烬来制作釉料，或者如何将金属箔片融入泥胎中。我试着跟着书里的一个“苔藓绿”釉方做了一次实验，结果发现书中的配方比例在我的窑炉里完全不适用，最终烧出来的颜色更像是陈旧的锈铁，完全没有那种图片里那种生机勃勃的绿色。这让我对作者的实践严谨性产生了怀疑。书中的文字风格也偏向于鼓励“自由表达”，而非严谨的“技术规范”。比如，当提到一个复杂的多层釉叠加效果时，作者仅仅是轻描淡写地说“多尝试几次，直到你满意为止”，这种模糊的指导，对于追求精确复刻效果的匠人来说，简直是一种折磨。我更需要的是温度曲线、保温时间、釉料黏度与流平性的精确关系图表，而不是这种艺术散文式的建议。

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这本书的装帧设计简直是灾难性的，让我对它作为一本“大部头”的专业书籍的定位产生了严重的困惑。我通常喜欢那种厚重、纸张密度高、能承受反复翻阅和在工作室台面上留下的泥点和水渍的精装书。这本书的纸张偏薄，内页的印刷似乎采用了某种低光泽度的纸张，这使得原本就色彩复杂的釉面照片看起来灰蒙蒙的，缺乏立体感和光泽度。更要命的是，索引系统简直是混乱不堪。我试图查找关于“Slab Building”（泥板成型）的特定技术，在目录里找了半天，相关内容被分散在“结构基础”、“几何造型”和“大型雕塑实践”等几个毫不相关的章节里，每次查找都像在做一次寻宝游戏。而且，很多重要的术语在第一次出现时没有提供清晰的英文对照或更专业的解释，我不得不频繁地放下这本书，去查阅其他更专业的英文词典或网络论坛来确认其确切含义。如果一本号称是“大部头”的专业书籍连最基本的检索效率都无法保证，那么它的阅读体验就已经大打折扣了。它看起来更像是一本快速拼凑起来的、注重视觉美感而非技术深度的精选集。

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这本书的社区互动和资源链接部分，是我认为最令人失望的环节。在如今这个信息爆炸的时代，一本优秀的专业书籍不应该仅仅是一堆静态的文字和图片，它理应提供一个通往更广阔学习网络的桥梁。这本书在结尾处提供了一些“推荐资源”，但这些资源大多是过时的、链接已失效的个人博客，或者是一些内容极其初级的YouTube频道。我期望能看到作者推荐一些高水平的国际陶瓷研讨会、专业的釉料化学论坛、或是能够进行深度技术交流的专业协会信息。更别提，书中没有提供任何二维码或方便的网页链接导航，这意味着如果我要查找书中所提及的某个特定艺术家或某项技术，我必须手动在搜索引擎中输入那些零散的、不完整的名字，过程繁琐且效率低下。一本为当代陶艺爱好者编写的“大部头”，如果不能与时俱进地提供有效的、可验证的数字资源入口，那么它在信息价值上就已经落后了。它更像是一本停留在上个世纪末期印刷品时代的参考书，缺乏与当代陶艺生态的连接性。

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这本书，说实话，我本来是冲着封面上的那张古朴的青花瓷瓶图片才买的，期待能从中找到一些关于中国传统陶瓷烧制工艺的深度解析，也许是关于宋代汝窑的釉色奥秘，或是景德镇高岭土的秘密配方。结果呢？完全跑偏了方向。它更像是一本给初学者的“陶艺入门百科全书”，内容详尽得有些令人发指，但对于一个已经对泥料配比、窑炉气氛控制有基本概念的人来说，很多章节简直是废话连篇。比如，关于“如何揉泥，排除气泡”的段落，作者用了整整三页的篇幅，图文并茂地展示了所谓的“日式螺旋揉泥法”和“英式打泥法”的区别。我理解，对于完全零基础的新手来说，这很重要，但对于我这种已经能稳定拉出七寸花瓶的人来说，读起来就像在看幼儿园手工课的教材。而且，书中对某些现代电窑的操作参数讲解得过于基础，几乎是照搬了窑炉制造商的使用说明书，丝毫没有体现出作者本人的实践经验或独到见解。我更希望看到的是关于高温釉料在不同气氛下细微变化的对比实验数据，或是不同胎土在快速升温曲线下的开裂倾向分析，而不是那种“揉捏时保持耐心，感受泥土的呼吸”这种过于诗意化却缺乏技术含量的描述。如果不是为了凑数，这本书里关于拉胚技巧的图示，我可能看一眼就能略过了，那种基础的、教科书式的步骤演示，在网络上随处可见，完全不值我为之支付的这些费用和占用的书架空间。

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我一直坚信，陶瓷的精髓在于对“器形”的理解，即如何通过泥土的塑形来赋予器物灵魂和功能上的完美平衡。这本书在这一块的处理上显得尤为肤浅。它花了好大力气去介绍如何制作各种新奇的纹理——比如用蕾丝、麻布甚至是树叶的印记来装饰表面，这些技巧固然有趣，但它们都属于表层装饰的范畴。真正挑战制作者技艺的，是如何设计一个能完美倒出液体的茶壶嘴，或者如何制作一个既美观又不易倾倒的宽口花瓶。书中对这些关键的结构设计原则几乎是避而不谈。例如，关于“流体力学在壶嘴设计中的应用”这一核心话题，作者只用了一小节，且仅仅是展示了几个不同角度的侧视图，完全没有给出任何关于液体回流角、气孔大小对出水流畅度的影响的量化分析。我更希望看到的是截面图、力学模型，甚至是对传统名器（比如明代掇只壶）的结构拆解分析。这本书给我的感觉是，它更热衷于教你如何“化妆”，而不是如何“塑形”——它更像一本“陶瓷装饰手册”，而非一本涵盖了从选材到烧成的全面技术指南。

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