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出版者:Perseus Distribution Services

作者:Gerdts, William H.

出品人:

页数:368

译者:

出版时间:2001-9

价格:$ 96.05

装帧:HRD

isbn号码:9780789207371

丛书系列:

图书标签:

• 艺术
• 画集
• 油画
• American Art
• Impressionism
• Painting
• Art History
• 19th Century Art
• American Culture
• Fine Art
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• Exhibition
• Art Movement

好的，以下是一本名为《Post-War European Cinema: A Shifting Landscape》的图书简介，其内容与您提到的《American Impressionism》完全无关。 --- Post-War European Cinema: A Shifting Landscape 跨越废墟的叙事：战后欧洲电影的探索与重塑（1945-1975） ISBN: 978-1-948572-03-9 页数: 620页，附200余幅高清剧照与珍贵幕后照片 装帧: 精装，附烫金封面与详细索引 内容提要 第二次世界大战的硝烟散去后，欧洲大陆陷入了深刻的物质与精神危机。在这样的历史背景下，电影——这一诞生于工业时代的艺术形式，以前所未有的速度和深度参与了重建工作。《Post-War European Cinema: A Shifting Landscape》 不仅仅是一部电影史的梳理，更是一部关于欧洲文化、政治和社会身份重构的编年史。本书聚焦于1945年至1975年间，欧洲电影如何从战前的保守叙事中挣脱出来，拥抱现实主义、存在主义，最终走向激进的现代主义和作者论的巅峰。 本书摒弃了传统的国别线性叙事，转而采用主题驱动和运动交织的结构，深入剖析了战后欧洲电影的几次关键“转向”——从意大利新现实主义对底层民众的深刻同情，到法国新浪潮对既有电影语言的颠覆性挑战；从德国电影的自我审视与“新德国电影”的崛起，到北欧和东欧电影中弥漫的疏离感与哲学思辨。 核心章节与研究焦点 第一部分：伤痕与复苏（1945–1952）：新现实主义的伦理宣言 本部分详尽考察了意大利新现实主义的起源、美学特征及其对国际影坛的持久影响。我们不仅分析了罗西里尼、德·西卡和维斯康蒂等大师的标志性作品，如《罗马，不设防的城市》和《偷自行车的人》，更探讨了这种“在废墟中拍摄”的实践如何成为一种必要的伦理姿态。同时，本书也将意大利的经验置于更广阔的欧洲语境下，对比了法国的“诗意现实主义的余晖”以及英国电影在战后初期对社会结构（特别是阶级问题）的温和描摹。 第二部分：个体与异化：存在主义与冷战阴影下的欧洲电影 随着战后重建的完成，欧洲知识界开始面对加缪和萨特哲学带来的冲击——个体在宏大历史进程中的无力感。本章集中讨论了这种存在主义焦虑如何渗透到电影叙事中。重点研究了英格玛·伯格曼（瑞典）对信仰危机和人际关系的深刻挖掘，以及法国“左岸派”（Rive Gauche）电影人（如阿兰·雷乃）对记忆、时间结构和非线性叙事的实验。这些作品往往是晦涩的、高度个人化的，它们拒绝提供简单的答案，转而揭示存在的荒谬性。 第三部分：语言的革命：法国新浪潮与作者论的胜利（1958–1968） 这是战后欧洲电影最富活力和争议的时期。本书将法国新浪潮（Nouvelle Vague）视为一场对电影本体论的深刻反思。我们不仅剖析了戈达尔对蒙太奇理论的解构、特吕弗对个人经验的直白书写，更着重考察了“作者论”（La Politique des Auteurs）如何被确立为评价电影价值的最高标准，以及这种思潮如何迅速传播至其他国家，催生了新德国电影（如赫尔佐格、法斯宾德早期作品）对民族创伤的激烈批判和对传统价值的背离。 第四部分：政治觉醒与形式的激进化（1968–1975）：从现实到反抗 1968年的学运浪潮不仅冲击了街头，也彻底改变了电影制作的生态。本部分探讨了电影如何从批判的工具转变为激进的武器。我们将详细分析激进左翼电影（如意大利的政治惊悚片和“电影团伙”现象）如何试图直接干预政治现实，以及电影制作的民主化尝试。同时，我们也关注了在社会动荡中，欧洲电影如何进一步探索形式上的极限，如匈牙利“新浪潮”中对历史叙事的反讽处理。 本书的独特贡献 本书最大的特色在于其跨越国界的比较研究视角。我们不再将意大利、法国、德国、英国等地的电影视为孤立的发展线索，而是通过“现实主义的变体”、“作者论的传播路径”、“对美国文化霸权的抵抗”等主题进行横向比较。通过对大量被忽视的东欧国家电影（如捷克斯洛伐克的“新浪潮”及其后的“正常化”时期作品）的重新发掘，本书提供了一个更为全面、立体的战后欧洲电影全景图。 目标读者 本书是电影史学者、文化研究人员、电影制作专业的学生以及所有对欧洲现代艺术和历史感兴趣的读者的必备参考书。书中丰富的理论分析、详细的影片解析和考究的史料支撑，确保了其在学术严谨性与阅读趣味性之间的完美平衡。 “欧洲的战后电影，是一部关于如何用破碎的镜头，拼凑出一个迷失灵魂的故事。” — （本书摘录）

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这部关于十九世纪末美国艺术思潮的巨著，简直是一场色彩与光影的视觉盛宴。作者对印象派艺术家如何捕捉瞬间光线、描绘日常生活的细致入微的探讨，令人仿佛置身于莫奈的画室，或是雷诺兹笔下的夏日午后。书中不仅细致分析了艺术风格的演变，还深入挖掘了当时美国社会背景对艺术家的影响，比如从欧洲学成归来的画家们如何将巴黎的技法与本土的自然风光和城市景象相结合。尤其是对特纳（J. M. W. Turner）在美国的影响那一段，分析得极其透彻，展现了风格的移植与本土化过程中的微妙张力。阅读过程中，我多次停下来，对着书中的高清复制品仔细揣摩笔触的运用，那些松散、跳跃的笔触背后蕴含的对“真实瞬间”的执着，让人对传统写实主义有了全新的认识。作者的文字功力极强，既有学术的严谨，又不失文学的韵味，成功地让一个相对专业的艺术史主题变得引人入胜，即便是对印象派不甚了解的读者，也能从中获得极大的审美愉悦和知识增量。

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我对这部作品的结构和叙事节奏感到非常惊喜。它并非简单地按照时间顺序罗列作品和艺术家，而是巧妙地以“主题”为轴心展开论述，比如某一章节专门探讨了美国印象派对“女性肖像”的处理，另一章节则聚焦于“新英格兰海岸线的描绘”。这种编排方式极大地增强了阅读的连贯性和逻辑性，使得不同艺术家之间的风格对话和共性得以凸显。我特别欣赏作者在论证过程中对一手文献资料的引用，那些来自艺术家私人信件、当时的报刊评论的片段，如同历史的碎片被重新拼凑起来，让整个艺术运动鲜活了起来。整个阅读体验就像是在跟随一位知识渊博的向导，穿梭于历史的长廊中，每一个转角都有新的发现。它不仅仅是一本艺术史书籍，更像是一部关于美国现代化进程中心灵探索的编年史，深刻地揭示了在工业化浪潮下，艺术家们对自然、对“美”的重新定义。

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这本书的排版和视觉呈现是顶级的享受。要知道，谈论视觉艺术，没有高质量的图像是致命伤，但这部作品在这方面做得无可挑剔。每一幅画作的印刷色彩还原度都极其精准，那种厚重的油彩质感仿佛能穿过纸张扑面而来，即便是最微妙的色彩渐变也清晰可见。装帧设计也十分考究，那种略带粗粝感的封面材质与书中描绘的自然、朴实的美国风光形成了绝妙的呼应。我尤其喜欢书中所附带的那个可以折叠展开的“艺术流派关系图”，将主要人物及其师承、相互影响清晰地标注出来，对于梳理复杂的艺术网络非常有帮助。总而言之，它在装帧设计和内容深度上达到了完美的平衡，无论是作为案头参考还是纯粹的欣赏阅读，都令人心悦诚服。

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阅读这本书的过程，更像是一次跨越世纪的精神对话。作者对“美国特色”的捕捉尤为精准。印象派在欧洲是城市生活的赞歌，但在美国，它却与广阔的乡村、新兴的郊区生活紧密相连，这种地域性的差异被作者捕捉得淋漓尽致。书中对哈德逊河画派向印象派过渡时期的描绘，展现了从浪漫主义的崇高感如何逐渐退让给更为个体化、更具即时性的观察，这种心态的转变，反映了美国自我认同的成熟。我对其中关于女性艺术家群体如何在这种男性主导的艺术界中开辟道路的章节印象深刻，作者对她们的艺术选择和策略进行了细致的梳理，充满了对这些先驱者的敬意。读完后，我对那些静静地躺在博物馆角落里的美国印象派作品，多了一层理解和情感上的联结，它们不再只是静物，而是特定时代精神的凝固瞬间。

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坦白说，这本书的深度远超我最初的预期。我原本以为会是一本偏向大众普及的画册解读，结果发现它在理论层面进行了扎实的耕耘。作者没有满足于停留在对光影效果的表层赞美，而是将印象派的技法变化放置于更宏大的哲学背景下进行考察，比如它与当时流行的实用主义思潮的内在联系。对于某些关键艺术家的传记叙述，作者也展现了非凡的洞察力，比如对亨利·奥萨瓦·坦纳（Henry Ossawa Tanner）艺术生涯后期转向宗教题材的心理动机分析，简直是入木三分，极具说服力。虽然书中涉及了一些艺术理论术语，但作者的处理方式非常巧妙，总能通过生动的作品分析来解释概念，使得复杂理论易于消化。对于希望深入了解印象派如何在美国文化土壤中生根发芽、最终形成独特面貌的研究者来说，这本书无疑是一部必备的参考书。

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