Willem De Kooning - Drawings 1937-1954 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Mitchell-Innes & Nash

作者:De Kooning, Willem/ Schichtel, Amy

出品人:

页数:64

译者:

出版时间:2002

价格:$30.00

装帧:Pap

isbn号码:9780971384439

丛书系列:

图书标签:

• Willem de Kooning
• 抽象表现主义
• 绘画
• 素描
• 艺术史
• 美国艺术
• 20世纪艺术
• 现代艺术
• 艺术作品
• 草图

Willem de Kooning: Form and Frenzy (1955-1975) 探索战后美国艺术的激情与突破 这部精选画册深入剖析了威廉·德·库宁在艺术生涯中最为动荡、也最具革命性的一个阶段——1955年至1975年间。这段时期，德·库宁从早期受欧洲现代主义影响的立体派和抽象表现主义的试验，彻底迈入了其个人风格的成熟与狂飙突进，标志着他作为二十世纪后半叶最具影响力的美国艺术家的地位得到巩固。 本书汇集了在这一关键时期创作的大量油画、纸本作品及早期雕塑草图，旨在揭示德·库宁如何在战后美国文化的高压锅中，提炼出一种既根植于具象又彻底抽象化的视觉语言。 第一部分：从工作室到城市脉搏（1955–1962） 1950年代中期，德·库宁在纽约的艺术生态中占据了中心位置。他不再满足于单纯的行动绘画（Action Painting）的纯粹性，而是重新拥抱了“物象”——尽管是以一种高度扭曲和解构的方式。 一、黑与白的回响：都市景观的焦虑 本阶段的焦点作品，如一系列以纽约街道命名的作品，展现了画家对现代城市生活（尤其是曼哈顿下城区的喧嚣与疏离感）的深刻体验。区别于他早期《女人》系列中对“人物”的执着，这一时期的作品更注重空间感的捕捉和线条的力度。 纸本上的即兴与侵蚀： 重点展示了德·库宁在纸上运用油彩、炭笔和色粉笔的实验。这些作品往往是在极短的时间内完成的，笔触狂放，颜料堆叠后又被强力擦拭或刮除，留下了清晰的“创作过程痕迹”。这些痕迹不再是抽象表现主义的偶然，而是一种有意识的“破坏与重建”的仪式，预示着他即将对形式的彻底解放。 色域的聚焦： 尽管尚未完全进入他后期的全色域爆发，但这一时期的作品中，色彩的运用开始具有强烈的象征意义。例如，在一些接近黑白的构图中，一抹突兀的朱红或铬黄，如同城市霓虹灯在阴暗中闪烁，成为视觉焦点，也成为情感的爆发点。 二、对“平面”的挑战 德·库宁在此阶段的作品中，持续挑战着画布作为二维平面的传统认知。厚涂的颜料层层叠叠，形成雕塑般的浮雕效果。观众在观看时，不仅仅是在“看”一幅画，更是在“体验”颜料的物理存在。这种厚重的质感，为他随后对雕塑媒介的短暂回归奠定了基础。 第二部分：色彩的解放与“新”的肖像（1963–1970） 1960年代是德·库宁艺术语言发生决定性转变的十年。受日本浮世绘（Ukiyo-e）版画的平面化趋势以及对古代雕塑（特别是希腊古典雕塑）的重新研读影响，他的作品在结构上趋向简约，而在色彩上则达到了前所未有的饱和度。 一、湿润的画布与流动的身体 这一时期的标志性特征是“湿对湿”（Wet-on-wet）技法的极致运用。颜料在画布上混合、流动，使得物体和背景之间的界限变得模糊而暧昧。 《蒙托克》（Montauk）系列的影响： 虽然这一系列主要集中在后期，但其雏形已在60年代中期出现。作品中开始出现更宽阔、更平坦的色块，这些色块如同被海水浸泡过，失去了原有的锐利边缘。这标志着他对欧洲立体主义中僵硬结构的反叛，转向一种有机、流变的美学。 “微笑的形体”： 德·库宁笔下的“形体”变得更加松弛和感性。它们不再是早期《女人》系列中充满攻击性的面孔，而更接近于一种被光线“溶解”的半透明存在。他用快速、近乎涂抹的方式勾勒出头部和四肢的轮廓，强调了运动中的瞬间性。 二、线条的重新定义：从轮廓到骨架 在这一阶段，他放弃了早期作品中炭笔或油画棒的尖锐勾勒，转而使用非常宽大的画笔（有时是特制的刷子，有时是拖把）蘸取稀释的油彩，以迅猛的动作绘制出支撑整个构图的“骨架”线。这些线是色彩区域的边界，也是作品的能量导管。 第三部分：空间、光线与最终的解构（1971–1975） 进入70年代，德·库宁的工作室搬到了长岛的蒙托克（Montauk），这片相对隔绝的海岸地带为他提供了全新的自然光和开阔感。他的作品似乎摆脱了纽约都市的压抑，获得了近乎田园牧歌式的宁静，但这种宁静是建立在对所有既有形式的彻底解构之上的。 一、走向“透明”的色彩 与前一时期的厚重和饱和形成鲜明对比，70年代初的作品展示了惊人的“轻盈感”。他大量稀释颜料，使得画布的底色（通常是未上底漆的白色或米色帆布）大量透现。 颜料的“漂浮”： 笔触变得更具“书写性”，如同快速潦草的笔记。他用极其有限的几种颜色——白、黑、少量黄与红——构建出复杂的空间层次。作品看起来像是瞬间完成的速写，但仔细观察，每一条线和每一个色块都经过了微妙的调整和平衡。 对“空”的关注： 这一时期的作品，空间感尤为突出。物体之间的负空间（Negative Space）被赋予了与实体同等的重量。这显示出他对亚洲艺术中“留白”哲学的深刻理解，但德·库宁的“留白”并非静止，而是充满着等待被填满的、活跃的张力。 二、纸本作为最终媒介的胜利 1970年代，德·库宁在纸上创作的数量和重要性达到了顶峰。纸张的吸附性使得他可以更直接、更快速地将想法转化为视觉形式，避免了大型油画创作所需的大量体力投入和漫长等待。这些晚期的纸本作品，如同一系列未被修饰的宣言，总结了他对绘画本质的全部探索：绘画即是运动、材料和瞬间感知的永恒对话。 --- 结语： 《Willem de Kooning: Form and Frenzy (1955-1975)》不仅仅是对一位大师成熟期的记录，更是对抽象艺术在具象根基上如何实现最终超越的权威性考察。本书通过详尽的图像分析和语境梳理，为研究者和爱好者提供了一个理解德·库宁如何将现代主义的焦虑转化为一种充满生命力的、永不休止的视觉狂欢的宝贵窗口。

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翻开这本画册，首先被那种强烈的、近乎原始的生命力所震撼。德·库宁在那个时期的作品，仿佛是艺术家内心深处最不设防的呐喊，线条的交织与重叠，构建了一个既混沌又充满内在逻辑的世界。我特别留意了那些看似随性涂抹的痕迹，它们绝非偶然，而是经过了反复的审视与修正，每一次落笔都带着对材料的深刻理解和对视觉张力的不懈追求。那些黑白的颗粒感，仿佛空气中弥漫着工作室里颜料和松节油的味道，让人能真切感受到创作时的那种焦灼与兴奋。尤其是一些早期的人物速写，虽然形体尚未完全崩解，但那种对传统造型的疏离感已经初现端倪，预示着日后他将如何颠覆既有的美学规范。欣赏这些作品，与其说是看一幅画，不如说是在观看一次心灵的搏动，其节奏的快慢、力度的强弱，都直接反映了艺术家对当时社会氛围和个人处境的微妙感知。那种纠结、那种探索，透过纸面清晰可见，让人忍不住想一探究竟，他究竟是如何在不断的“否定”中，确立起自己独特的视觉语言的。

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整体而言，这本画册提供了一个绝佳的窗口，让我们得以深入观察一位艺术巨匠在形成其标志性风格前夜的挣扎与蜕变。这不是一本轻松的读物，它需要观者投入时间去“解码”，去适应那种非线性的视觉叙事。它挑战了我们对“美观”和“完成度”的固有期待，引导我们进入一个更加诚实、更加面对自身的艺术领域。那些充满暗示性的光影、那些似乎随时会自我崩塌的形态，共同构成了一种关于存在状态的沉思。每次翻阅，都能从中捕捉到一些新的细微之处，那些被忽略的笔触如何与整体情绪相呼应，那些看似粗糙的边缘如何界定了内部世界的边界。这是一次精神上的长途跋涉，收获的是对艺术本体的更深层次的敬畏。

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这批创作于战前到战后初期的作品，无疑是理解抽象表现主义发展脉络的一把关键钥匙。我发现，德·库宁在处理空间和平面关系上，展现出一种令人惊叹的平衡术——他既不完全陷入彻底的平面化，也拒绝传统意义上的三维透视，而是通过色彩、线条的张力，制造出一种介于实体与虚无之间的“场域”。那些大量的留白，并非空无一物，而是被前景的笔触精心“激活”了，它们呼吸着，与沉重的墨线形成了一种微妙的对话。这种对话，构建了一种非常现代的观看体验，迫使观者不再是被动的接受者，而必须主动参与到图像的建构过程中去。他的作品有一种难以言喻的“即时性”，仿佛艺术家只是刚刚放下笔，那种尚未凝固的能量感扑面而来。每一次重复观看，都会发现新的层次被剥开，一些原本以为是背景的部分，细看之下却蕴含着复杂的草稿线和修改痕迹，这简直就是一部关于创作过程的无声史诗。

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从美学趣味的角度来看，德·库宁对“未完成感”的偏执达到了一个令人着迷的程度。在他的笔下，形象总是处于一种永恒的“生成”状态，从未真正“完成”。这与当时主流社会追求完美和终极答案的思潮形成了鲜明的对比，它更像是一种对现代性焦虑的艺术回应。我尤其喜欢那些带有强烈动态感的作品，线条如鞭，在纸面上抽打出节奏，仿佛他不是在描绘对象，而是在记录对象在时间维度上运动的轨迹。这种动态性赋予了画面一种近乎音乐般的韵律感，虽然是静止的图像，却听得见风声和摩擦声。这种对“在过程中”状态的迷恋，使得他的作品拒绝被轻易地归类或标签化，它们是流动的、多义的，拒绝提供任何明确的结论，这恰恰是其艺术生命力的源泉所在。

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不得不提的是，这些早期的素描和墨稿，展示了德·库宁扎实的造型功底，虽然他后来的作品常常被批评为“缺乏结构”，但当你看到这些基础性作品时，你会明白那种看似随意的笔触背后，是建立在对人体解剖和结构逻辑的深刻理解之上的。他不是不会画，而是有意识地选择了“不画”或者“破坏性地重构”。这种主动的“遗忘”或“解构”，比一开始就缺乏能力要艰难得多。他像一个技艺精湛的建筑师，却选择用最少的砖块，搭起一个摇摇欲坠却又无比坚固的哲学结构。这种内在的张力，使得作品在视觉上具有极强的吸引力，让人忍不住想要伸手触摸那层纸面，去感受线条是如何被施加压力，又是如何试图挣脱束缚的。

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