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出版者:Hal Leonard Corp

作者:Katz, Chuck

出品人:

页数:256

译者:

出版时间:2004-7

价格:$ 18.02

装帧:Pap

isbn号码:9780879109752

丛书系列:

图书标签:

• 纽约
• 电影
• 曼哈顿
• 城市景观
• 文化
• 历史
• 纪录片
• 电影史
• 美国电影
• 城市研究

电影中的曼哈顿：一部城市的视觉史诗 作者：[此处可留空或填写虚构作者名] 这是一部深入探索纽约曼哈顿岛如何在百年光影变迁中，从一个建筑奇迹蜕变为全球文化符号的史诗级影像志。本书并非仅仅罗列电影清单，而是将镜头聚焦于“银幕上的曼哈顿”与“现实中的曼哈顿”之间的复杂共生关系，剖析电影如何塑造、又如何被这座城市本身重塑。 --- 第一章：摩天楼的诞生与早期定格（1900s – 1940s） 曼哈顿，作为工业革命和金融资本的熔炉，其垂直向上生长的野心，在默片时代便吸引了早期电影制作人的目光。本章追溯了第一批将帝国大厦、克莱斯勒大厦纳入构图的电影作品。我们详细考察了这些早期影像如何捕捉城市从马车到汽车的过渡，以及战前移民潮对下东区和布鲁克林大桥区域的视觉冲击。 重点分析了早期新闻片和纪录片中对“资本主义心脏”的描绘，探讨了这些影像如何确立了曼哈顿作为全球权力中心的初步银幕形象。我们深入研究了鲁本·马莫里安（Rouben Mamoulian）在《歌剧魅影》（1925）中对布莱克威尔岛的早期运用，以及威廉·惠勒（William Wyler）在《惊惧》（1930）中对城市幽闭恐惧症的侧写。 第二章：黑色电影的迷宫与都市异化（1940s – 1950s） 二战后，随着社会焦虑的加剧，曼哈顿的形象逐渐被阴影笼罩。黑色电影（Film Noir）成为了捕捉城市腐败、道德沦丧和光怪陆离的最佳载体。本章聚焦于那些将下城区的后巷、潮湿的酒吧和无望的侦探办公室转化为心理景观的电影。 通过对约翰·休斯顿（John Huston）《马耳他之鹰》（1941，虽然故事发生地在旧金山，但其都市氛围的奠基对后期纽约黑色电影影响深远，本书将探讨其间接的风格移植）及比利·怀德（Billy Wilder）对纽约式冷漠的捕捉，我们分析了电影如何利用霓虹灯、雨夜和狭窄的街道来象征个体在庞大都市机器中的无力感。特别关注了对中央公园和上西区公寓楼中隐藏的危险的描绘，这些元素共同构建了一个既诱人又致命的都市迷宫。 第三章：新浪潮的反叛与都市的解构（1960s – 1970s） “新好莱坞”的兴起标志着对传统好莱坞黄金时代浪漫主义的彻底背叛。对于曼哈顿而言，这意味着城市不再是背景，而成为了一个亟待被审视的、充满矛盾的有机体。 本章详细研究了马丁·斯科塞斯（Martin Scorsese）早期作品中对皇后区和意大利裔聚居区的深入挖掘，以及伍迪·艾伦（Woody Allen）如何将上东区知识分子的神经质与中央公园的休闲场景并置，制造出独特的“曼哈顿式焦虑”。我们探讨了城市衰败、街头暴力和政治动荡如何被直接搬上银幕，如《法国贩毒网》（The French Connection）中对高速公路和交通堵塞的狂暴呈现，这与之前对曼哈顿天际线的赞美形成了鲜明对比。电影不再歌颂进步，而是开始记录破碎。 第四章：全球化、消费主义与符号的永恒化（1980s – 1990s） 随着里根时代的到来和华尔街的崛起，曼哈顿的形象开始与金融权力、奢侈消费和媒体爆炸紧密联系在一起。本章分析了电影如何将时代精神转化为一种可供消费的视觉符号。 我们审视了《华尔街》（Wall Street）如何将金融区的玻璃幕墙确立为权力的神殿，以及对时代广场过度商业化的关注。同时，探索了独立电影和另类叙事如何试图从主流的“华尔街神话”中夺回城市空间，例如对东村和波西米亚社群的描绘。电影开始将曼哈顿视为一个品牌，一个可以被随时提取和植入任何叙事中的万能背景。 第五章：技术、恐怖与后9/11时代的重构（2000s 至今） 进入新千年，曼哈顿的银幕形象经历了深刻的心理转变。一方面，超级英雄电影和科幻史诗将城市置于全球危机的中心，摩天大楼成为了外星入侵或灾难性破坏的首要目标（例如对世贸中心遗址的谨慎处理和替代性重建）。 另一方面，更亲密、更人性化的叙事试图重新发掘被宏大叙事淹没的社区。本章将分析流媒体时代对城市空间的碎片化利用，以及电影制作人如何利用数字技术来重建或扭曲历史上的曼哈顿。我们探讨了在高度监控和全球化的背景下，电影对“城市孤独感”这一母题的最新诠释，以及曼哈顿如何继续作为现代生活复杂性、机遇与陷阱的终极隐喻，在不断变化的政治和社会景观中，不断地自我更新和自我辩护。 --- 本书的价值在于其跨学科的视角，它融合了电影研究、城市规划史和社会学分析，为读者提供了一份无与伦比的“银幕上的曼哈顿”的视觉编年史。 通过对数千部电影片段、幕后花絮和电影剧本的梳理，本书揭示了电影语言如何不仅仅记录了纽约的历史，更参与了纽约的身份塑造过程。它邀请读者跳出银幕，以更批判性的眼光重新审视那些我们习以为常的、却又被无限放大的城市景观。

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坦率地说，这本书读起来并不轻松，它需要读者投入相当大的心智去消化作者构建的庞大知识网络。它横跨了社会学、城市规划史和电影美学三大领域，试图描绘出一个多维度的纽约形象。我特别留意到作者对身份认同危机在城市电影中的体现的分析。他不仅仅关注“在哪里拍”，更关注“谁在看，以及如何被塑造”。书中对移民群体在银幕上形象的演变进行了令人不安但又极其重要的审视，探讨了主流叙事如何有意无意地边缘化了某些社区的声音，尽管这些社区才是城市最真实的血肉。这种对权力结构和影像代表性的批判性视角，使得这本书的价值超越了单纯的文化评论。它迫使我们反思，我们对一个地方的认知，究竟有多少是来自亲身体验，又有多少是被好莱坞精心包装并强行灌输的。这是一次思想上的洗礼，是对我们习以为常的文化图景的一次彻底的质疑和解构。

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这本书的叙事节奏，用一个词来形容，那就是“迷离”。它像极了那些老电影里主人公在午夜酒吧里，对着一杯威士忌，若有所思地回忆往昔。作者似乎并不急于给出明确的结论，而是抛出了一系列关于“真实”与“虚构”在城市银幕上交织的哲学命题。我特别喜欢其中关于“伪造的真实”这一章节的探讨。作者挑战了我们对电影中纽约地标的固有认知，揭示了多少次我们看到的“时代广场”，其实是在加州某个棚里精心搭建的布景。这种对“幻象工厂”运作机制的揭露，既让人感到一丝幻灭，又让人对电影制作的魔力肃然起敬。它不是那种干巴巴的学术著作，文字中充满了对镜头语言的诗意赞美，夹杂着对资本运作下艺术牺牲的隐秘叹息。每一次翻页，都像是在参加一场只有少数人知晓的午夜电影放映会，充满了禁忌的、诱人的窥视感。如果你期待一本清晰的“纽约电影地图册”，你可能会感到困惑；但如果你渴望进入一个关于影像如何定义我们对一个伟大城市的记忆的迷宫，那么这本书就是为你准备的。

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我喜欢这本书给我的那种“寻根”的感觉。它不像那些光鲜亮丽的访谈录，而是像一个真正热爱这座城市的老派学者，用他毕生的观察和积累，为你绘制了一幅情感地图。作者在论述中穿插了许多鲜为人知的轶事，这些小故事，比如某位导演如何为了一个完美的日出镜头，说服市长封锁了布鲁克林大桥一天，让整个叙述充满了人情味和戏剧张力。这些幕后的细节，让冰冷的电影分析瞬间变得立体和鲜活起来。它成功地将纽约这座城市的“角色感”提升到了一个前所未有的高度——它不仅是背景，它是有性格、有脾气、会呼吸的生命体。读完后，我感觉自己对城市的热爱又加深了一层，仿佛找到了一个可以一起分享深夜秘密的同盟者。这本书的气质是怀旧的，但观点是锐利的，它让你在缅怀经典的同时，也对当下的影像制作保持警惕。这是一本值得反复翻阅，每次都能发现新亮点的宝藏之作。

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从技术层面上来说，这本书的视觉呈现和对摄影技术的描述达到了令人发指的专业水准。它不是那种只谈论剧情和演员的通俗读物，它深入到了光圈、景深、胶片颗粒感这些硬核内容。作者对不同时代摄影师如何“驯服”曼哈顿的复杂光线进行了详细的技术剖析。例如，他用了整整三页纸的篇幅，对比了1940年代使用大型摄影机在狭窄街道上拍摄与1970年代使用手持摄影机捕捉运动感之间的技术鸿沟，以及这些技术选择如何不可逆转地改变了电影叙事的情绪基调。我甚至感觉自己像是在翻阅一本古老的摄影师笔记，里面充满了对负片处理和洗印流程的细致描述。对于那些对电影制作工艺有深入兴趣的读者来说，这本书提供了无价的、可操作的见解。它让我明白，那些看似随意的街景，背后凝聚了多少次技术人员与物理环境的艰难搏斗。这本书的深度，让它在同类题材中显得鹤立鸡群，它属于那种需要反复研读，并在阅读时身旁备好笔记本的工具书。

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天哪，我简直不敢相信我竟然读完了《纽约之光：银幕上的城市肖像》！这本书简直是一场视觉和历史的盛宴。作者以一种极其细腻且充满情感的方式，带领我们穿梭于黄金时代的经典黑白影像和后现代主义的霓虹闪烁之间。我最欣赏的是他对早期电影制片厂如何利用纽约的街道、桥梁和标志性建筑来烘托人物命运的深入剖析。比如，书中详细描绘了《出租车司机》中那些阴暗、潮湿的后巷如何与特拉维斯·比格尔内心的疏离感形成完美的镜像，那种对城市肌理的捕捉，简直让我仿佛能闻到沥青和雨水的味道。更不用提，作者对不同时期电影配乐与城市景观的互动进行了精妙的解读，特别是那些爵士乐如何在伍迪·艾伦的镜头下，从慵懒的背景音变成了主角本身的心声。这本书远不止是简单地列举电影名字和拍摄地点，它更像是一部关于城市精神如何通过光影被捕捉和重塑的史诗。读完之后，我再看任何一部以纽约为背景的电影，都会带着一种全新的、更深层次的理解，仿佛揭开了那层薄薄的银幕，看到了城市真实的脉搏。这本书的论述逻辑严密，引证的电影片段分析得入木三分，绝对是电影研究者和城市爱好者不可多得的珍藏。

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