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☆☆☆☆☆

出版者:Prentice Hall

作者:Michael Camille

出品人:

页数:192

译者:

出版时间:2003-4-1

价格:USD 24.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780131833128

丛书系列:

图书标签:

• 艺术史
• 艺术
• 中世纪
• 上課的時候不看點兒什麼根本坐不住
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《哥特艺术》 序言：一场跨越时空的视觉盛宴 当我们提起“哥特”，脑海中可能立刻浮现出阴森的城堡、神秘的传说、古老的教堂，以及那些令人心生敬畏又带着一丝惊悚的艺术作品。然而，“哥特艺术”绝非仅仅局限于这些具象的联想。它是一场始于十二世纪法国，席卷欧洲大陆，并深刻影响了建筑、雕塑、绘画、玻璃彩绘、书籍插画乃至装饰艺术的浩大艺术运动。它代表着从中世纪走向文艺复兴的过渡，是欧洲精神与物质文明发展到一定阶段的结晶，是一次对光、对空间、对神圣的全新探索与呈现。 本书《哥特艺术》旨在深入剖析这一辉煌时代的艺术遗产。我们并非仅仅罗列作品，而是试图揭示隐藏在宏伟建筑、精美雕塑和璀璨玻璃背后的思想、信仰、技术和社会背景。我们将一同追溯哥特艺术的起源，理解它如何从罗马式的粗犷中脱胎而出，又如何发展出其独特的纤细、高耸和装饰性。我们将探讨哥特艺术所承载的神学观念，它如何通过视觉语言来表达对上帝的虔诚、对天堂的向往，以及对人类灵魂的救赎。更重要的是，我们将审视哥特艺术在不同地域的发展变迁，以及它如何与其他文化因素相互作用，最终演变成风格各异但都闪耀着独特光芒的艺术形式。 这趟旅程，不仅是对艺术史的回顾，更是一次心灵的体验。我们将穿梭于高耸的拱顶之下，感受光线透过彩绘玻璃洒下的斑斓，聆听石像讲述古老的故事，体会工匠们在每一个细节中倾注的心血与智慧。希望通过本书的引导，读者能够超越表象，深刻理解哥特艺术的精髓，感受它跨越时空的魅力，并从中汲取灵感与力量。 第一章：黎明前的曙光——哥特艺术的孕育与萌芽 在十二世纪的法国，一场深刻的社会、经济和宗教变革正在悄然发生。城市的兴起、商业的繁荣、大学的建立，以及教会改革运动的深入，都为新的艺术风格提供了沃土。长期以来，欧洲的建筑以厚重、低矮、采光不足的罗马式风格为主，教堂内部显得阴郁而压抑。然而，一种对光明和更高精神境界的渴望，在当时的神学思想中逐渐酝酿。 圣丹尼斯修道院（Basilica of Saint-Denis）的修建，尤其是在主持 Abbot Suger 的倡导下，被认为是哥特艺术诞生的标志性事件。Suger 是一位极具远见卓识的领导者，他坚信“神圣之光”（divine light）是通往上帝的途径。他将修道院的一部分进行重建，引入了当时最新颖的建筑技术，如尖肋拱顶（ribbed vault）和飞扶壁（flying buttress）。这些创新不仅使得建筑结构更加稳定，能够支撑更高的墙体，也使得墙体可以开设更大的窗户，让更多的光线进入室内。Suger 将这些新颖的设计与他所推崇的“新柏拉图主义”哲学相结合，认为物质的华丽能够映射出神圣的光辉，从而提升信徒的精神境界。 尖肋拱顶是哥特建筑的核心创新之一。它通过将屋顶的重量集中到肋状的石拱上，再由肋拱将力量传递到柱子或墙壁，从而解决了跨度问题，并允许建造更高、更宽敞的空间。肋拱的设计也更加纤细和富有装饰性，与罗马式建筑厚重的筒形拱形成鲜明对比。 飞扶壁的出现，则解决了高耸墙体在外力作用下容易坍塌的问题。它们如同巨大的石翼，从高处延伸出来，将高耸墙体的侧向推力转移到外部的扶壁墩上，从而解放了墙壁的承重功能，使其能够被大量窗户所取代。 因此，在哥特艺术的黎明时期，建筑师们不仅仅是在建造房屋，更是在用石头和光线雕刻着神圣的理念。这种对高耸、轻盈、充满光线的追求，预示着一个全新的艺术时代的到来。 第二章：高耸入云的教堂——哥特建筑的辉煌成就 哥特艺术最令人震撼的成就无疑体现在其宏伟的建筑中。从巴黎的圣母院（Notre-Dame de Paris）到兰斯的圣母院（Reims Cathedral），再到亚眠的圣母院（Amiens Cathedral），这些屹立千年的哥特大教堂，以其惊人的高度、精巧的结构和丰富的装饰，展现了中世纪人类的智慧和信仰的深度。 尖肋拱顶和飞扶壁的应用，使得教堂的内部空间得以无限延伸，向上扩张。高耸的尖拱（pointed arch）不仅在视觉上引导视线向上，象征着通往天堂的阶梯，其结构上也比半圆形拱更加稳定，允许更大的跨度和更灵活的空间布局。 彩绘玻璃（stained glass）是哥特教堂另一项不可或缺的元素。当阳光穿透巨大的彩色玻璃窗时，教堂内部便被渲染成一片绚丽的七彩世界。这些玻璃画不仅是装饰，更是“圣经故事的图解”，它们用生动的图像向不识字的信徒讲述着创世纪、耶稣基督的生平、圣徒的传奇以及末日审判。光线通过这些色彩斑斓的玻璃，被赋予了神圣的意义，将教堂内部打造成一个充满神秘感和宗教启示的空间。 雕塑在哥特建筑中也扮演着至关重要的角色。无论是门楣上的叙事性浮雕，还是教堂外立面上林立的圣徒雕像，都以写实、生动、富有情感的风格，进一步丰富了教堂的视觉语言。这些雕塑打破了罗马式雕塑的僵硬和程式化，人物形象更加自然，衣褶更加飘逸，面部表情也更加丰富，充满了人文主义的关怀。 飞扶壁的设计，更是将建筑结构的美感发挥到了极致。它们在教堂外部形成了一系列精巧的支撑体系，既保证了建筑的稳定，又为建筑增添了一种动感和轻盈。其上常常装饰有滴水嘴（gargoyles），这些怪诞的石雕，一方面是为了排水，另一方面也被认为具有驱邪的作用，增添了几分神秘的色彩。 哥特建筑的发展，经历了从早期哥特（Early Gothic）到盛期哥特（High Gothic）再到晚期哥特（Late Gothic）的演变。早期哥特注重结构的创新和空间的拓展，如圣丹尼斯修道院和巴黎圣母院。盛期哥特则在结构成熟的基础上，更加追求高度和装饰的华丽，如兰斯圣母院和沙特尔圣母院（Chartres Cathedral）。晚期哥特则出现了更加繁复的装饰和更加精细的雕刻，如英国的垂直式风格（Perpendicular Style）和法国的火焰式风格（Flamboyant Style）。 第三章：石头的语言——哥特雕塑的生命力 哥特雕塑，是哥特艺术中另一颗璀璨的明珠。它与建筑紧密相连，共同构成了哥特艺术的宏伟图景。与罗马式雕塑的平面化、符号化不同，哥特雕塑展现出了前所未有的写实性和生命力。 从十二世纪晚期开始，雕塑家们开始更加关注人物的解剖结构和生理特征，使得人物形象更加逼真。衣褶的处理也变得更加自然流畅，仿佛真实的布料在身上垂坠。人物的面部表情也更加丰富，从庄重肃穆到慈悲怜悯，再到喜悦或悲伤，都得到了生动的刻画。 门楣雕塑是哥特建筑的重要组成部分，它们常常讲述着圣经故事中的重要场景，如“最后的审判”、“基督的受难”等。这些叙事性的雕塑，通过人物的互动和情感的表达，将抽象的神学观念变得更加具象和易于理解。 圣母子形象是哥特雕塑中最为常见的题材之一。与早期神圣、疏离的圣母形象不同，哥特时期的圣母更加显露出人性的温暖和母性的慈爱。她常常面带微笑，温柔地抚摸着怀中的圣子，圣子也显得活泼可爱。这种人性化的处理，拉近了神明与凡人之间的距离，使得信徒能够更容易产生共鸣。 “抹大拉的马利亚”（Mary Magdalene）和“哀悼基督”（Pietà）等题材的出现，也反映了哥特艺术对情感表达的重视。这些雕塑通过对人物痛苦、悲伤情绪的深刻刻画，触动了观众内心深处的柔软，引发了强烈的同情和反思。 哥特雕塑还广泛应用于教堂的柱头、窗户、屋顶等各个部位，无论是作为装饰性的滴水嘴，还是作为象征性的天使或圣徒，都展现了雕塑家们非凡的技艺和丰富的想象力。 第四章：色彩的交响——哥特绘画与玻璃彩绘的魅力 哥特艺术并非仅仅局限于建筑和雕塑，在绘画领域，它同样展现出了独特的魅力。虽然早期哥特绘画大多以壁画和手抄本插画的形式保存下来，但其风格的演变也清晰可见。 手抄本插画（manuscript illumination）在哥特时期得到了极大的发展。书籍的普及和大学的兴起，使得手抄本的需求量大大增加。插画师们在精美的文本周围，绘制出色彩鲜艳、线条流畅的图案，描绘人物故事，增添了书籍的艺术价值和阅读趣味。这些插画不仅在技法上更加细腻，在构图和色彩运用上也更加大胆和丰富。 然而，哥特绘画中最令人惊叹的成就，无疑是其在玻璃彩绘上的运用。如前所述，彩绘玻璃不仅是建筑的装饰，更是“圣经故事的活教材”。艺术家们利用不同颜色的玻璃片，通过巧妙的剪裁和焊接，组合成一幅幅绚丽的图案。光线穿透这些玻璃，洒下斑斓的色彩，将教堂内部变成一个如梦似幻的宗教空间。 玻璃彩绘的制作工艺极其复杂，需要艺术家们对色彩的感知、对光影的理解以及精湛的手工技艺。他们需要将玻璃吹制成片，然后用颜料在玻璃上绘制出图案，再进行高温烧制，最后用铅条将玻璃片焊接在一起。每一个步骤都需要精密的计算和熟练的操作。 随着时间的推移，玻璃彩绘的色彩也变得越来越丰富，从早期的红、蓝、黄三原色，发展到后期更加细腻和多样的色彩。图案的构图也更加复杂和富有叙事性，人物的形象也更加生动和富有情感。 第五章：地域的回响——哥特艺术的多元发展 哥特艺术并非铁板一块，它在传播到欧洲各地后，与当地的文化、传统和技术相互融合，形成了各具特色的地域风格。 法国哥特： 作为哥特艺术的发源地，法国哥特以其追求高度、轻盈和宏伟而著称。巴黎圣母院、兰斯圣母院、亚眠圣母院等，都是法国哥特艺术的杰出代表。法国哥特特别注重飞扶壁和尖肋拱顶的应用，力求将教堂内部空间推向极致。 英国哥特： 英国哥特在结构上与法国哥特有所不同，更注重水平线条和装饰性的细部。早期的英格兰哥特（English Gothic）呈现出独特的“初早期”（Early English）风格，以细长的尖拱和简洁的装饰为特点。随后发展出“装饰式”（Decorated Style），其特点是肋拱更加复杂，窗户装饰更加繁复。最后是“垂直式”（Perpendicular Style），以强烈的垂直线条、宽大的窗户和精美的石雕为特点，如伦敦的威斯敏斯特教堂（Westminster Abbey）。 德意志哥特： 德意志哥特在追求高度的同时，也保留了罗马式建筑的厚重感。其特点是教堂内部空间宽敞，窗户比例较大，常常采用多层尖拱。科隆大教堂（Cologne Cathedral）是德意志哥特最杰出的代表，其高度和双塔设计令人印象深刻。 意大利哥特： 意大利哥特与欧洲其他地区的哥特风格有所不同，它更加注重古典传统的延续，并融入了更多的文艺复兴早期的元素。意大利哥特建筑在色彩运用上更加丰富，常常使用大理石和彩石装饰，风格更加温和、和谐。如佛罗伦萨大教堂（Florence Cathedral）和米兰大教堂（Milan Cathedral）。 其他地区： 在西班牙、比利时、荷兰等地区，哥特艺术也发展出了各自的特色。例如，西班牙的“花饰哥特”（Isabelline Gothic）融合了摩尔人的装饰风格，而比利时和荷兰的哥特则更加注重建筑的实用性和装饰性。 结语：永恒的光辉 哥特艺术，是一场艺术史上的伟大革新，它以其独特的建筑风格、精美的雕塑、璀璨的玻璃彩绘和丰富的手抄本插画，深刻地影响了欧洲乃至世界的艺术发展。它不仅仅是中世纪的艺术，更是一种超越时代的精神追求。 哥特艺术的精髓在于其对光明、对空间、对神圣的探索。它通过对结构的创新和对装饰的运用，创造出一种既宏伟壮丽又充满生命力的艺术形式。它所承载的神学观念和人文关怀，至今仍能引起人们的共鸣。 当我们再次审视这些古老的哥特建筑和艺术品时，我们仿佛能听到历史的回响，感受到那个时代的激情与梦想。哥特艺术的光辉，将永远闪耀在人类文明的长河中，启迪着后世的艺术家和欣赏者，去探索艺术的无限可能，去感受生命的美丽与庄严。

评分☆☆☆☆☆

翻看目录 前言、观看哥特艺术的新方法 一、全新的空间视角 二、全新的时间视角 三、观看上帝的新视角 四、审视自然的新视角 五、看待自我的新视角 不知道是翻译糟糕还是本身结构就有问题。看着目录挺着调的，事实上，结构太过松散，不成体系，在论述一个问题的时候东一榔头西一...  

评分☆☆☆☆☆

前言： 哥特风格是第一种能够渗入到各种事物中的历史性风格。 它更为注重观看者的角度。 研究哥特艺术与建筑的两种方法：世俗理性主义（日益进步的技术和功能工程学的产物：截面图及设计草图）；肖像学（艺术象征意义：“石制的书籍”） 中世纪的艺术家们在同一幅图片中通...

评分☆☆☆☆☆

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评分☆☆☆☆☆

阅读体验上，这本书的节奏感把握得非常好，结构严谨而不僵硬。作者似乎深谙如何控制信息的密度，时而用大段优美凝练的文字构建整体氛围，时而又插入简短的侧记或历史轶事，起到画龙点睛的作用，有效地防止了读者在面对海量信息时产生疲劳感。它没有一味地赞美，也有对艺术发展中出现的争议性或不那么“完美”的阶段进行批判性反思，这让整部作品显得更加客观和可信。读完之后，我对哥特艺术的理解不再是单一的“阴森”或“华丽”的标签，而是一个充满活力、不断自我更新、极其复杂且富有生命力的艺术体系。我强烈推荐给所有对中世纪文化感兴趣的人，它提供的视角是全面、深刻且令人振奋的。

评分☆☆☆☆☆

说实话，这本书的排版和插图质量简直无可挑剔，这是我近年来收藏的艺术书籍中的佼佼者。通常这类书籍为了节省成本，常常在印刷上有所妥协，但这本书显然没有在视觉呈现上打任何折扣。高清的、色彩还原度极高的彩页，将那些繁复的微缩景观、精美的金属工艺品，乃至那些曾经饱经风霜的壁画细节，都以惊人的清晰度呈现在读者面前。特别是那些关于雕塑细节的特写，你能清晰地看到石匠在表现人物发丝和布料纹理时的那种耐心与技艺。这种高质量的图像资料，对于一个热衷于细节观察的读者来说，是无价的。它不仅仅是文字的补充，更是独立的叙事者，用图像本身讲述着那个辉煌的时代的故事，让我们能够跨越时空的限制，与数百年前的匠人进行无声的对话。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我感到惊喜的是它处理“世俗”与“神圣”交织的方式。我们习惯于将哥特艺术视为纯粹的宗教表达，但作者巧妙地揭示了隐藏在那些宏伟叙事背后的，却是非常“人间”的挣扎与渴望。她花了很大篇幅去探讨手工业者、赞助人阶层对艺术风格的影响，以及瘟疫、战争等现实因素如何潜移默化地改变了艺术的表达主题——比如，对死亡的直白描绘开始增多，不再是简单的升天愿景，而是带着更强烈的感官冲击。这种对历史语境的深入挖掘，使得那些宗教主题不再显得遥不可及和教条化，而是充满了与我们当代人共通的情感内核：对生命有限性的焦虑，对美好事物的执着留恋。它让我意识到，艺术史绝不是脱离现实的空中楼阁，而是那个时代社会情绪的精确记录仪。

评分☆☆☆☆☆

我原本以为这会是一本晦涩难懂的专业著作，没想到它在学术深度和可读性之间找到了一个绝佳的平衡点。书中对特定时期艺术演变的脉络梳理得极其清晰，比如从罗曼式向哥特式的过渡时期，那些微妙的风格变化是如何一点点累积，最终爆发为一种全新的美学体系。我特别欣赏作者在分析具体作品时，那种细致入微的眼光。比如，当描述一幅圣像画时，她不会仅仅停留在人物的身份识别上，而是会深入挖掘色彩的选择、衣褶的走向，乃至人物表情上那一丝不易察觉的微妙变化，并将其置于当时的社会文化背景下进行解读。这种解读方式，让那些原本平面的图像瞬间立体了起来，充满了复杂的人性张力。读完一个章节，我常常需要合上书本，静静地消化那些信息，仿佛完成了一次复杂的精神考古。这绝对不是那种可以快速翻阅的读物，它需要时间，值得你付出时间。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是艺术史爱好者的一场视觉盛宴，尽管我之前对哥特艺术的了解仅限于教科书上的几张黑白插图，但翻开这本书，立刻被那些宏大、充满戏剧性的画面和建筑细节所震撼。它没有陷入那种枯燥的学院派叙述，而是像一位经验丰富的导游，带着你穿梭于中世纪的教堂和修道院之间。作者对光影的处理有着近乎痴迷的关注，无论是玫瑰窗上斑斓的光束如何雕刻内部空间，还是雕塑群像中那种深入骨髓的虔诚与痛苦，都描绘得入木三分。尤其让我印象深刻的是，书中对于“垂直性”的探讨，不仅仅是建筑学上的高度，更是一种精神上的向上追寻，那种渴望挣脱尘世束缚的强烈愿望，通过尖拱、飞扶壁这些结构元素被完美地表达出来。阅读过程中，我仿佛能听到风穿过高耸的尖顶时发出的空灵回响，感受到信徒们在巨大空间中的渺小与敬畏。它成功地将冰冷的石头和玻璃，赋予了生命与信仰的重量。

评分☆☆☆☆☆

Love Camille's books. He has an amazing way of synthesizing. One of the greatest minds:) Wonderful scholar on medieval art. More and more fascinated with his works.

评分☆☆☆☆☆

通俗的简述，不好不坏，远远不如他的The Gothic Idol。看的法文版

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