Abel Ferrara

Abel Ferrara pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

出版者:Univ of Illinois Pr
作者:Brenez, Nicole
出品人:
页数:208
译者:Martin, Adrian
出版时间:2007-1
价格:$ 73.45
装帧:HRD
isbn号码:9780252031540
丛书系列:
图书标签:
  • Abel Ferrara
  • 导演
  • 电影
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具体描述

In this concise study, Nicole Brenez argues for Abel Ferrara's place in a line of grand inventors who have blurred distinctions between industry and avant-garde film, including Orson Welles, Monte Hellman, and Nicholas Ray. Rather than merely reworking genre film, Brenez understands Ferrara's oeuvre as formulating new archetypes that depict the evil of the modern world. Focusing as much on the human figure as on elements of storytelling, she argues that films such as "Bad Lieutenant" express this evil through visionary characters struggling against the inadmissible (inadmissible behaviour, morality, images, and narratives).

好的,这是一份关于一本虚构图书的详细介绍,该书与您提到的特定名称无关。 --- 《光影的迷宫:电影叙事结构与视觉语言研究》 作者: 亚历山大·科尔宾 出版社: 银杏书屋 出版日期: 2024年秋季 页数: 680页(含大量插图与图表) 定价: 188.00 元 --- 内容简介: 《光影的迷宫:电影叙事结构与视觉语言研究》是一部深入剖析电影艺术核心机制的学术专著。本书超越了传统电影史的线性叙述,聚焦于电影语言如何通过结构、形式与感知层面,构建出复杂而富有深意的叙事体验。亚历山大·科尔宾教授以其跨学科的广博视野,将结构主义、符号学、现象学等理论工具熔于一炉,为电影学者、导演、编剧以及所有热爱电影艺术的读者提供了一套理解和分析电影的全新框架。 全书共分为六大部分,层层递进,系统地解构了“电影何以为电影”这一核心命题。 第一部分:结构的原型与时间的重塑 本部分首先探讨了叙事结构在电影中的基础地位。科尔宾教授从亚里士多德的戏剧结构出发,迅速过渡到对当代电影叙事范式的考察。他详细分析了经典好莱坞三幕剧的变体、非线性叙事(如循环结构、迷宫式结构)的兴起及其背后的文化动因。 特别值得注意的是,书中对“时间感”的分析。作者提出了“可塑时间”的概念,论证了电影如何通过蒙太奇、景深镜头和声音设计,操纵观众对事件发生速度和顺序的主观感知。通过对安德烈·塔可夫斯基和亚伦·摩尔等导演作品的案例分析,读者将理解镜头长度(Shot Duration)并非仅仅是剪辑的产物,更是情绪和哲学思考深度的载体。 第二部分:视觉语法:符号、意象与构图的交响 视觉语言是电影的骨架。第二部分全面梳理了电影的“语法”,即如何解读画面的构成元素。 构图与空间: 探讨了从古典主义平衡到现代主义破碎构图的演变。书中引入了“负空间”理论,分析了导演如何利用画框的边缘和未被占据的空间来暗示叙事张力或人物的心理状态。此外,作者对“深焦摄影”(Deep Focus)和“浅景深”(Shallow Focus)的社会学含义进行了区分,指出它们如何影响观众的焦点分配,并暗示了叙事信息的优先级。 色彩与光线: 这一章超越了简单的色彩心理学,深入探究了光线作为叙事工具的角色。从高光(Key Light)的设定到反光板的使用,科尔宾教授论述了光线如何揭示(或遮蔽)真相。对电影摄影师的分析,如戈登·威利斯对黑暗的运用,被视为一种本体论的选择,而非仅仅是技术上的倾向。 第三部分:运动与视线:镜头的身体性 电影的“动感”是其区别于其他艺术形式的关键。第三部分关注运动——无论是场内运动(人物在固定镜头中的移动)还是场外运动(镜头的移动)。 镜头运动的类型学: 详细分类了推轨(Dolly)、摇摄(Pan)、俯仰(Tilt)以及更复杂的“斯坦尼康”(Steadicam)运用。作者强调,镜头的运动方式本身就包含了情感倾向——推轨常暗示着探索或压迫,而平稳的跟拍则可能建立起一种客观的观察距离。 视线与凝视(The Gaze): 借鉴拉康和穆尔的理论,本书深入探讨了“凝视”在电影中的权力结构。书中区分了叙事凝视(角色间的眼神交流)、审查凝视(摄影机作为权威观察者)以及观众的主体性凝视,并考察了这种视线三角关系如何塑造性别、种族和阶级议题的呈现。 第四部分:声音的景观:超越对话的维度 声音在传统分析中往往被边缘化,本书则将其提升至与画面同等重要的地位。第四部分详细分析了声音的三个层面:对白、音效和音乐。 空间化声音: 作者重点研究了声音如何构建虚拟空间。例如,对话的回音、离轴声音(Off-Screen Sound)的运用,如何引导观众的想象力,甚至比实际的画面更具震撼力。通过对法斯宾德后期作品中冷峻音景的分析,展示了声音如何剥离情感,营造疏离感。 音乐的隐形叙事: 本章不再仅仅讨论配乐的情绪烘托,而是分析了音乐如何与画面节奏相悖或相成,从而创造出讽刺或反讽的效果。通过对现代主义电影中“沉默”片段的研究,突出了非声音区段的叙事重量。 第五部分:元电影学:自我指涉与观众参与 随着电影媒介的成熟,电影开始审视自身。第五部分转向了元电影(Meta-cinema)的现象。 打破第四面墙的策略: 分析了直接对观众讲话、展示摄影设备、讨论叙事技巧本身等手法。科尔宾教授认为,这些手法并非为了破坏沉浸感,而是为了激活观众的批判性思维,邀请他们成为叙事结构的一部分。 类型片的解构与重构: 探讨了后现代语境下,电影如何戏仿、引用或颠覆既有的类型片(如黑色电影、西部片)。这种对传统的“致敬性”破坏,构成了当代电影叙事的重要张力来源。 第六部分:案例分析与未来展望 最后一部分,作者挑选了七部具有里程碑意义的影片,运用前述理论工具进行细致的“解剖”。这些案例横跨不同国家和历史时期,旨在展示理论的普适性与局限性。 总结部分,科尔宾教授对电影的未来形态进行了富有洞察力的预测,探讨了数字技术、沉浸式体验(VR/AR)对传统二维叙事结构的潜在挑战与机遇,强调了形式创新永远是内容深度的必要载体。 --- 目标读者: 本书适合电影学、传播学、艺术理论专业的高年级学生及研究生,资深电影爱好者,以及寻求深化其艺术表达的电影制作人。 作者简介: 亚历山大·科尔宾,著名电影理论家,现任职于欧洲知名艺术学院电影理论系教授,长期致力于电影符号学和叙事结构分析的研究。他曾为多家国际电影节撰写核心论文,其著作被誉为连接严格学术研究与艺术实践的桥梁。他的研究风格以严谨的逻辑推导和对视觉细节的敏锐捕捉著称。

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

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这部电影的质感是如此的粗粝和真实,仿佛是从某个被遗忘的地下录像带中抢救出来的珍贵胶片。它捕捉到了一种城市生活下层脉动的、近乎病态的真实感,那种无处不在的焦虑和秘密的流动,被镜头毫不留情地揭露出来。角色之间的互动充满了尖锐的张力,对话往往是简短而充满潜台词的,很多重要的信息是通过身体语言和眼神的交汇传递的。导演对极端情境的描绘,并非为了制造廉价的感官刺激,而是试图探索人类在压力临界点时,其道德底线会如何微妙地发生偏移。我特别欣赏影片中对空间的处理,那些幽暗的室内场景和湿冷的街道,本身就成为了角色的延伸,它们是困境的象征,是无法逃脱的命运的缩影。整部作品散发着一种强烈的、反乌托邦式的冷峻美学,让人在感到不适的同时,又无法将目光从银幕上移开,深陷其中无法自拔。

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这部作品,坦率地说,完全超出了我对当代电影制作手法的预期。它不是那种教科书式的叙事,更像是一场深入潜意识的探索,充斥着令人不安的意象和几乎是令人窒息的氛围营造。导演似乎对主流叙事的约束嗤之以鼻,选择了一条更加崎岖、更加私密的表达路径。影片中的角色,与其说是人物,不如说是某种理念的载体,他们行走在某种既熟悉又陌生的都市丛林中,每一个眼神、每一个停顿都仿佛承载着巨大的、未言明的重量。摄影机的运用极为大胆,那些突如其来的特写和长时间的固定镜头,在不动声色间构建起一种令人难以逃脱的压迫感。观影过程就像是在迷宫中摸索,你永远不知道下一个转角会带来的是一丝微弱的光亮,还是一片更深的黑暗。特别值得一提的是,影片对声音的处理达到了近乎音乐会的级别,环境噪音被提升到与对白同等重要的地位,共同编织出这部作品那层层叠叠的听觉景观。看完之后,留下的不是一个清晰的结论,而是一连串挥之不去的、关于人性边缘状态的深刻反思。

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我得说,这部作品在主题的野心上是惊人的,它试图触及信仰的瓦解、权力的腐蚀以及个体在现代社会结构中的异化等宏大议题,但它选择的表达方式却是极度内敛和个人化的。影片的色彩运用极具暗示性,饱和度极低,仿佛整个世界都被一层工业时代的灰尘所覆盖,只有偶尔闪现的红光或霓虹灯,才能打破这种视觉上的沉闷。它没有提供任何救赎的承诺,角色的困境似乎是宿命性的,这也是它最让人感到沉重的地方。观看它时,我联想到了那些古典悲剧的宿命感,只不过背景被挪移到了一个充斥着霓虹灯和混凝土的后现代废墟之中。这不是一部让人看完后心情愉悦的作品,它更像是一次精神上的洗礼,将你置于一个极端、未经修饰的现实面前,让你直面那些我们通常选择逃避的阴暗角落。总而言之,这是一部极具争议性,但也极具电影史价值的探索之作。

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我必须承认,一开始我对这部电影抱持着一种近乎怀疑的态度。它没有好莱坞式的节奏,没有清晰的英雄或反派,一切都笼罩在一种暧昧不清的道德灰色地带。然而,正是这种“拒绝被定义”的特质,使其具有了一种近乎催眠的吸引力。影片的结构是碎片化的,时间线似乎在不断地折叠和重塑,要求观众必须主动参与到意义的建构过程中去。我发现自己不断地在脑海中回放某些特定的场景,试图拼凑出导演试图暗示的某种宏大主题,但每一次尝试都导向了更深层次的困惑。这种观影体验,更像是在解构一幅复杂的、抽象的油画,你看到的不是具象的物体,而是色彩、笔触与光影之间爆发出的强烈情感张力。它挑战了我们对“电影应该是什么”的固有认知,用一种近乎挑衅的方式,展示了电影语言可以达到的极端自由。对于那些寻求稳定答案的观众来说,这可能会是一场灾难;但对于渴望被颠覆和被挑战的电影爱好者而言,这无疑是一场盛宴。

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说真的,这是一次极其需要耐心的观影体验。它故意放慢了叙事的步伐,甚至在某些段落里,似乎完全停止了叙事。镜头长时间地停留在某个平凡的动作上——一个人点燃一支烟,一个人穿过空旷的走廊——这些日常的片段被赋予了一种近乎仪式性的庄重感。这种处理方式迫使观众脱离了以往被训练好的“快餐式”观影习惯,强迫我们去“感受”而不是“理解”。影片中弥漫着一种浓厚的、几乎可以触摸到的颓废气息,但这颓废并非毫无生气,反而蕴含着一种近乎原始的生命力。导演似乎对人类的沉沦抱有一种近乎哲学家的平静,他记录下这一切,不加批判,任由影像在黑暗中自行发酵。它的价值不在于它告诉了你什么故事,而在于它如何改变了你观看世界的方式,即便只是在两个小时之内。

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