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出版者:Hal Leonard Corp

作者:Not Available (NA)

出品人:

页数:272

译者:

出版时间:

价格:154.00 元

装帧:Pap

isbn号码:9783795755195

丛书系列:

图书标签:

• 钢琴
• 耳训
• 即兴演奏
• 和弦
• 乐理
• 流行音乐
• 自学
• 音乐技巧
• 视奏
• 音乐教育

乐谱之外的音乐之旅：探寻旋律的本源与创造力 书籍名称： 乐谱之外的音乐之旅：探寻旋律的本源与创造力 作者： [此处可填入虚构作者名，例如：林 宇、艾米莉·卡特] 出版社： [此处可填入虚构出版社名，例如：和声之境出版社、环球音乐文丛] --- 图书简介： 《乐谱之外的音乐之旅：探寻旋律的本源与创造力》并非一本关于特定乐器技巧的实用指南，也不是对既有音乐理论的枯燥梳理。它是一部深入人心的探索之作，旨在引导读者——无论您是经验丰富的演奏家、作曲家，还是对音乐抱有无限好奇心的初学者——重新审视“音乐”这一概念，将其从僵硬的符号系统中解放出来，回归到声音、情感和直觉的原始土壤。 本书的核心理念在于，真正的音乐生命力，往往潜藏在被五线谱限制住的“留白”之中，蕴含在听觉的无限可能性与即兴创作的自由精神里。我们深信，每个人的内心都拥有一套独特的“听觉解码器”，而本书的目的，就是帮助读者激活并优化这套系统，使其能够更直接、更深刻地与声音世界建立连接。 第一部分：声音的触觉与听觉的拓扑学 本部分将引导读者进行一次关于“聆听”的深度解构。我们首先要挑战传统教育体系中对听觉的片面认知。听觉不仅仅是辨别音高和节奏的工具，它是一种空间感知、一种情感的共振，甚至是一种触觉体验。 我们将探讨“内听觉”的概念，即在没有外部声音输入时，大脑如何建构和模拟声音的画面。通过一系列富有启发性的练习（非强制性的技术练习，而是认知层面的引导），读者将被鼓励去倾听日常环境中的“非音乐”声音——风声的纹理、街道的喧嚣、沉默中的呼吸。这些声音是如何构建起我们对“和谐”与“不和谐”的先验认知的？我们将剖析不同文化背景下对音高的感知差异，说明为何某些音程在一种文化中被视为完美，而在另一种文化中却显得疏离。 “拓扑学”的比喻在此得到体现：我们不是在测量音与音之间的精确距离，而是理解它们在听觉空间中的相互关系和流动性。我们将深入分析泛音列的魔力，揭示这些看不见的频率如何赋予音色以深度和立体感，这是仅仅依靠记谱法难以完全捕捉的维度。 第二部分：旋律的记忆宫殿与情感的共振 旋律是音乐的骨架，但它的血肉在于情感的传递。《乐谱之外的音乐之旅》认为，学习一首旋律，不应是机械地复制音符的顺序，而是要重建作曲者在创作那一瞬间的情感脉络。 本书将介绍一种基于“情感地图”的记忆方法。每一种调性、每一种节奏模式，都对应着人类经验中的特定情感状态。我们探讨大调的“光明”与小调的“幽微”背后的文化和心理学根源。读者将被鼓励去构建自己的“旋律记忆宫殿”，将听到的音乐片段与特定的场景、气味或触感关联起来，从而使记忆变得生动且不易遗忘。 特别地，我们将详细讨论“动机”（Motive）的构建与发展。动机是旋律的种子。我们如何从一个微小的、几乎难以察觉的音型中，推导出一段宏大的乐章？这需要对声音进行“生物学”的观察——观察动机如何生长、变异、竞争，最终融入整体结构。 第三部分：即兴的哲学与创作的谦逊 本书的高潮部分聚焦于创造力的激活。许多人认为即兴是少数天才的特权，或是需要数年枯燥技巧训练的终极目标。本书则提出截然不同的观点：即兴是音乐最自然的表达方式，是听觉与行动之间的无缝连接。 我们不会提供“即兴七和弦琶音练习”这类技术清单，而是转向探索即兴背后的哲学思维。即兴的本质是“在限制中自由”——如何在既有的结构（例如和声基础或节奏框架）内，最大限度地发挥个人声音？我们将研究爵士乐大师、巴洛克时期的赋格，甚至是非洲传统音乐中的即兴手法，揭示其共通的思维模式：倾听——回应——推进。 我们探讨“留白”的力量。在快速、密集的演奏中，留白（或称“停顿”）才是真正定义音乐呼吸感的元素。这种沉默并非缺乏内容，而是为听众的想象力预留了空间。 此外，本书也将深入讨论“风格的谦逊”。真正的创造力不是无中生有，而是对历史的深刻理解后，以独特的方式重新诠释。我们探讨如何消化吸收前人的智慧，而不是简单地模仿，从而形成一种既根植于传统，又指向未来的个人声音。 第四部分：跨媒介的听觉融合 最后，本书超越了纯粹的音乐领域，探讨听觉体验如何与其他感官交织，创造出更丰富的艺术体验。我们将分析电影配乐如何利用次声波和高频来操纵观众的情绪，以及舞蹈艺术如何将音乐的律动转化为可见的形体。 通过对声音设计、环境音乐和现代音乐剧场的观察，读者将被鼓励跳出传统音乐厅的框架，将生活视为一个巨大的声音工作室。这本书旨在培养的是一种“音乐生活家”的视角——一个时刻准备着倾听、分析并创造声音世界的实践者。 目标读者： 本书适合所有对音乐有深刻热情的人士。它对那些厌倦了纯粹技术训练、渴望找到音乐与自我内心深处联系的演奏者具有特别的吸引力；对于作曲和编曲的初学者，它提供了一种更直观、更富情感驱动力的创作入门；对于普通的音乐爱好者，它将彻底改变您聆听音乐的方式，揭示出每一次聆听背后隐藏的复杂而美妙的宇宙。 --- 结语： 《乐谱之外的音乐之旅》不是一本“教你如何做”的书，而是一本“引导你如何感受和思考”的书。它邀请你放下对完美的执着，拥抱声音的流动性与不确定性，最终，让你重新发现音乐带给你最原始、最纯粹的喜悦。通过这本书，你将学会用耳朵去“看见”，用内心去“演奏”。

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这本书的排版和视觉呈现也做得非常出色，这对于一本技术性较强的书籍来说，绝对是一个加分项。很多乐理书要么是密密麻麻的五线谱，让人眼睛疲劳，要么就是插图质量低下，缺乏指导性。但《Play Piano by Ear》在这方面处理得极为得体，每一个概念的解释旁边，都有清晰、简洁的钢琴键盘图示或者波形示意图，有效地辅助了文字的理解。我特别喜欢它在介绍“调性色彩”时所用的比喻，比如将C大调比作“正午的阳光”，将a小调比作“清晨的薄雾”，这种感性的描述极大地帮助我建立了听觉与情感之间的联系。此外，书中的“自我纠错练习”环节设计得非常人性化，它预设了学习者最可能犯的错误类型，并提供了相应的反向练习来巩固正确的听觉判断。这使得学习过程中的挫败感大大降低，因为你总能找到一个立即可用的“修正工具”。这不仅仅是一本钢琴书，更像是一位耐心的、时刻在你身边的陪练老师，用最清晰的方式引导你穿越听觉的迷雾。

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我曾认为，要达到能够“扒带”的水平，必须经过多年的传统钢琴教育洗礼，这条路漫长且充满荆棘。然而，阅读完这本书后，我发现自己对这个领域的好奇心和信心得到了极大的提升。这本书最核心的贡献在于，它解构了“天才”的神秘面纱，证明了听觉的敏锐度是可以通过科学的方法训练出来的，而非仅仅依赖天赋。它不仅仅教你“怎么弹”，更重要的是教你“怎么听”，这是一种更深层次的音乐素养的培养。我尤其欣赏它关于“旋律轮廓记忆”的讲解，它强调了抓住旋律的“骨架”比记住每一个音符更重要，这极大地解放了我的记忆负担，也让我的即兴演奏听起来更加流畅自然，不再像是在逐字逐句地背诵。从这本书中获得的不仅仅是钢琴技巧，更重要的是一种全新的音乐理解方式。它让我明白了，真正的音乐学习，最终极的目的，是让你的耳朵成为你最可靠的向导。这本书无疑是为那些渴望突破视谱限制、实现真正自由弹奏的音乐学习者准备的宝贵指南。

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这本教材的编排逻辑简直是教科书级别的精妙，它成功地避开了许多同类书籍那种枯燥乏味、让人望而却步的窘境。我过去尝试过几本号称能教人速成的乐理书，结果往往是半途而废，因为它们要么过于理论化，要么就是技巧的堆砌而缺乏系统性。而这本《Play Piano by Ear》，它的高明之处在于，它把“耳朵”和“手指”这两个看似独立的器官，通过精巧的练习环环相扣起来。它的结构是螺旋上升的，每一个新的知识点都不是凭空出现的，而是建立在之前巩固过的基础上。比如，在讲解如何识别大三和弦与小三和弦的区别时，它首先会让你用身体的律动去感受那种“明亮”与“忧郁”的差异，而不是直接告诉你根音、三音、五音的构成。这种“体验式学习”的方法，让枯燥的乐理知识变得鲜活起来，仿佛你不是在学习，而是在玩一场高智商的游戏。更值得称赞的是，它在讲解和声进行时，会不断穿插实用的即兴伴奏小技巧，让我不再满足于仅仅弹奏出旋律，而是开始尝试为旋律添加层次感和色彩。对于一个业余爱好者来说，这种兼顾深度与广度的教学方式，无疑是最大的福音。

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我必须承认，起初我对“靠耳朵学钢琴”这类标题抱持着一种近乎怀疑的态度，毕竟传统教育体系的根深蒂固让人很难相信可以绕开大量的视谱训练。然而，这本书彻底颠覆了我的固有认知。它的叙事风格非常具有说服力，作者没有空泛地承诺你能“一夜之间成为钢琴大师”，而是非常诚恳地指出，这需要大量的专注和对声音的敏感度训练。书中对节奏感的细致剖析尤其令我印象深刻，它不仅仅是讲解拍子，而是教你如何“感受”音乐的脉搏，如何通过身体的协调性来内化复杂的切分音。书中有一章专门讨论了如何通过模仿人声的抑扬顿挫来修正自己的弹奏力度和触键感，这个角度真是新颖得让人拍案叫绝。我试着将书中的一些“听觉辨识小挑战”应用到我日常听音乐时，比如尝试在不看谱的情况下，快速找出流行歌曲中贝斯线的走向，这种主动的聆听训练，带来的进步是立竿见影的。这本书的价值在于，它提供了一套完整的思维框架，让你从根本上改变了与音乐互动的模式，从被动的接受者变成了主动的解码者。

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这本书简直是为我量身定做的，我一直对那些能听着音乐就能弹奏出来的大神充满羡慕，总觉得那是一种与生俱来的天赋，遥不可及。然而，这本书却以一种极其接地气、循序渐进的方式，将这看似玄妙的“听音辨曲”能力，拆解成了一个个可以被学习和掌握的步骤。作者没有过多地堆砌晦涩的乐理术语，而是专注于实操技巧，比如如何精准地捕捉旋律的起伏、和声的色彩变化，以及节奏的细微停顿。我尤其欣赏它在基础训练部分的设计，它不是简单地让你重复听一个音符，而是引导你建立起“听觉的肌肉记忆”。刚开始练习时，我常常因为一个半音的偏差而感到沮丧，但随着阅读深入，我开始理解了那些微妙的音程关系在不同调性中的表现，这就像是拥有了一张内置的“音高地图”。书中的案例选择也十分贴心，涵盖了从古典小品到流行歌曲片段，这极大地提高了我的学习兴趣，让我觉得钢琴不再是冰冷的乐器，而是一个可以与之对话的伙伴。读完前几章，我明显感觉到自己对身边播放的音乐有了不同的“感知”，不再是单纯的背景声，而是充满了结构和逻辑的艺术品。这种从“听众”到“参与者”的心态转变，是这本书带给我最宝贵的财富。

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