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出版者:Unicorn Press

作者:Maggis Hambling

出品人:

页数:240

译者:

出版时间:2006-7-14

价格:USD 85.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9780906290842

丛书系列:

图书标签:

• Maggi Hambling
• 艺术家
• 绘画
• 肖像
• 英国艺术
• 女性艺术家
• 自画像
• 海景
• 波特莱特
• 艺术传记

晦暗之歌：当代英国艺术的冷峻肖像 一部深入剖析二十世纪末至二十一世纪初英国视觉艺术图景的权威著作。 本书并非聚焦于任何一位特定艺术家的生平或创作历程，而是将目光投向了那个时期英国艺术生态的宏大结构、内在张力及其对时代精神的敏锐捕捉。它像一台高倍显微镜，细致检视了那些塑造了当代英国艺术面貌的关键运动、流派的交锋、艺术机构的权力运作，以及社会、政治气候对艺术创作产生的不可磨灭的影响。 一、后现代的阴影与解构的遗产 二十世纪八十年代中期至九十年代初期，英国艺术界经历了一场剧烈的地震，后现代主义思潮的余波仍在震荡。本书的第一部分，将详尽梳理“观念的疲惫”与“回归具象”之间的拉锯战。它探讨了青年英国艺术家（YBA）现象的兴起，但并非对其个别成员进行详尽的个案分析，而是着重于分析这一集体现象背后的社会土壤：撒切尔主义后期的文化政治、消费主义的全面渗透，以及艺术市场资本的迅速介入如何共同催生了一种追求即时冲击力、高度媒体化和高度商品化的艺术语言。 作者深入分析了在官方艺术史叙事中，那些被YBA的喧嚣所掩盖的、更为内敛和批判性的声音。例如，那些继续坚持从传统媒介，如绘画和雕塑出发，但又对其本体论进行彻底反思的艺术家群体。本书细致描摹了他们如何处理“真实性”的危机，如何在公共领域对既有叙事进行解构，以及他们如何利用材料和技法的“失败”来抵抗商业艺术的流畅性。这部分内容着重于探讨，当“意义”本身成为一种可供操纵的符号时，艺术家如何构建他们的反符号。 二、空间、身体与政治的交织 本书的第二核心部分，聚焦于艺术创作中对“空间”和“身体”的重新定位。英国的城市化进程在九十年代加速，工业遗址的衰败与新的全球化金融中心的崛起，为艺术创作提供了丰富的、充满矛盾的场域。 作者研究了那些致力于特定场域艺术（Site-Specific Art）实践的艺术家们。他们如何将艺术从白色的美术馆空间中剥离出来，嵌入到日常生活的物质残骸中？书中详尽讨论了声音艺术和装置艺术在处理公共空间中的权力边界、监控体系以及边缘化群体居住环境时的策略。例如，对那些利用废弃建筑进行临时性干预的艺术实践的考察，揭示了“暂存性”和“侵入性”如何成为一种抵抗长期资本占有的政治姿态。 同时，对“身体政治”的探讨也占据了重要篇幅。在身份政治日益复杂的背景下，艺术家们如何处理性别、种族、异化感和疾病的经验？本书侧重于分析那些通过非传统影像媒介（如DV、早期数字视频）来记录和重塑身体经验的艺术实践。这些作品往往拒绝主流媒体对身体的理想化或标签化处理，转而探究身体在社会压力下的变形、脆弱性与内在韧性。这里的分析，旨在揭示在后工业社会中，身体如何成为最直接也最容易受损的政治战场。 三、媒介的革命与绘画的黄昏（或复兴） 九十年代末期，数字技术以前所未有的速度渗透到艺术创作的每一个角落。本书第三部分，系统梳理了媒介转型对英国艺术图景的影响。 数字媒体的介入并非简单地替代了传统媒介，而是催生了一种新的“混合实在性”（Hybrid Reality）。书中分析了那些将摄影、录像与传统绘画元素并置或融合的艺术家们，如何挑战观众对“原作”的认知。特别值得关注的是，作者对“新表现主义”（New Expressionism）回潮的分析，但这并非对历史的简单重复，而是对技术透明度和媒介失真之间关系的探索。他们如何通过粗粝的笔触、反高的光感和扭曲的形象，来表达一种对信息过载时代的焦虑？ 对于传统绘画而言，本书探讨了它在“后媒介时代”如何自证其存在价值。一些艺术家选择回到高度技术性的、近乎于科学制图的绘画方式，用精确性来对抗数字的易变性；另一些则采取了极度情绪化和个人化的表达，试图在高度数字化的世界中，为“手工劳动”和“物质的在场感”重新建立意义。这种对媒介界限的不断试探与模糊，构成了当代英国艺术图景的标志性特征之一。 四、机构的批判与全球视野的转向 本书的结论部分，转向了对艺术生态系统本身的审视。二十一世纪初，全球艺术博览会的兴起和国际双年展的爆炸式增长，极大地改变了英国艺术的展示和评价体系。 作者批判性地考察了国家美术馆、大型私人收藏与国际资本之间的复杂互动关系。艺术的“本土性”是如何被转化为一种可出口的“文化商品”的？本书探讨了那些试图在全球语境下（例如，在探讨殖民遗产、全球移民流动的背景下）重新定位英国艺术史的努力。这并非是简单地将英国艺术纳入全球框架，而是考察英国本土艺术家如何运用其独特的历史视角，参与到更宏大的全球性议题的讨论中。 总结而言，《晦暗之歌》提供了一个多层次、高密度的解读框架，它旨在描绘出那个时代英国艺术界在面对资本、技术、身份政治和媒介革命时的复杂反应链。它是一份关于“如何观看”当代艺术的深入研究报告，而非对任何一位创作者的传记式描绘。其核心在于揭示，在光怪陆离的表象之下，是严肃而持久的对“真实”、“空间”和“媒介”的本体论追问。

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这本书的封面设计简直是一场视觉的盛宴，那种深沉的蓝与边缘处不经意流淌出的金色光晕，立刻就将人从日常的喧嚣中抽离出来，仿佛预示着一场对某种隐秘知识的探索。内页的排版也极其考究，字体的选择带着一种古典的优雅，却又不失现代的清晰度，使得即便是初次接触这类主题的读者，也能轻松沉浸其中。我尤其欣赏作者在构建叙事结构时的那种精妙布局，信息的递进如同层层剥开的洋葱，总是在你以为已经触及核心时，又抛出一个全新的视角。阅读的过程中，我常常需要停下来，不是因为文字晦涩，而是因为那些不经意的比喻和意象，像闪烁的星辰一样，在我脑海中久久盘旋，引发一连串的自我反思。这本书的魅力就在于它提供的不仅仅是信息，而是一种体验，一种缓慢而深刻的思考过程。它要求读者放慢脚步，去感受文字背后的呼吸与节奏，那种被精心雕琢的语言艺术，让人在每一次翻页时都充满了期待。

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从装帧设计到内容编排，这本书散发出一种拒绝平庸的傲气。它没有迎合大众的阅读习惯，不提供简单的结论，也不刻意去讨好读者。相反，它设定了一个相当高的门槛，要求读者投入心神，去与作者一同攀登知识的高峰。我欣赏这种“不妥协”的态度，因为它保障了作品本身的纯粹性。那些关于时间、存在与感知之间错综复杂关系的探讨，被作者处理得极其冷静和克制，没有丝毫煽情的笔触，一切都基于严密的逻辑推演和深刻的洞察。这本书对我而言，更像是一面镜子，映照出我思维中的盲点和知识结构中的薄弱环节。它是一次对心智的严酷训练，读完之后，感觉世界似乎被重新校准了刻度，变得更加清晰，但也更加难以捉摸。

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这本书的叙事节奏把握得极为精准，它不像某些同类作品那样急于求成，恨不得在开篇就倾泻所有的干货。相反，作者采取了一种近乎于冥想般的缓慢推进方式，每一个章节都像是在精心布置的一个场景，铺陈出特定的情绪氛围。我发现自己经常在阅读到一些描绘自然景象的段落时，会不自觉地停下来，去想象那种光影的变幻和细微的气味。这种沉浸感，很大程度上归功于作者对细节的执着。他似乎相信，宏大的主题往往就隐藏在那些最微不足道，最容易被忽略的瞬间之中。读完之后，留下的不是一堆可以复述的事实，而是一种挥之不去的情绪底色，一种对世界运行规律更微妙的感知力。这本书更像是一趟深入内心荒野的旅程，导游的讲解不张扬，但每一步都指向了关键的风景。

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我一直以为自己对某种特定领域已经有了较为全面的了解，但这本书彻底颠覆了我的认知框架。它不是在重复我们已经知道的东西，而是在质疑那些被我们奉为圭臬的假设。作者的笔锋犀利而富有穿透力，他总能用一种看似平淡无奇的口吻，提出石破天惊的观点。更令人称道的是，他没有陷入空洞的批判，而是提供了大量有力的支撑论据，这些论据的来源之广泛，跨越了看似不相关的多个学科领域，展现了作者深厚的学养和令人惊叹的知识整合能力。阅读过程中，我感觉像是在进行一场智力上的高强度对话，大脑皮层被不断激活，迫使我跳出固有的思维定势去审视那些老旧的问题。这本书无疑是为那些渴望真正挑战自我思维边界的读者准备的“硬菜”。

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这本书的语言风格是其最引人入胜的特点之一，它具有一种奇特的“粘性”。初读时，可能会觉得有些晦涩，仿佛在阅读一篇经过高度压缩的哲学论文，需要反复咀嚼才能体会其间的深意。但一旦适应了作者那种独特的句式结构和词汇选择，就会发现其中蕴含着一种近乎音乐般的韵律感。那些长句的铺陈，并非为了炫技，而是为了构建一个完整的、多层次的思考结构，每一个从句的嵌入都像是一个精准的音符，共同构成了一段复杂的和声。我发现，不同时间阅读同一个段落，都会有新的感悟浮现，这说明文本的密度极高，值得反复品味。它不是那种读完就束之高阁的书，而是需要像对待老酒一样，时不时拿出来重新开启的伙伴。

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去年3月Maggi有几幅作品到央美展出，当时就被她通过绘画肌理展示出来的巨大势能所震撼。这是印刷品难以表现的，这本书比较值得读的就是关于她创作的一些文字吧

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去年3月Maggi有几幅作品到央美展出，当时就被她通过绘画肌理展示出来的巨大势能所震撼。这是印刷品难以表现的，这本书比较值得读的就是关于她创作的一些文字吧

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