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出版者:Brepols Pub

作者:Not Available (NA)

出品人:

页数:127

译者:

出版时间:

价格:1108.95元

装帧:Pap

isbn号码:9782503510415

丛书系列:

图书标签:

• 亚洲艺术
• 艺术史
• 考古学
• 文化遗产
• 博物馆学
• 绘画
• 雕塑
• 陶瓷
• 建筑
• 亚洲文明

东方艺术的深层探索与现代对话：一部聚焦区域性艺术史的权威性文献 《东方艺术史论丛：区域文化与图像学研究》 本书并非对亚洲艺术的宏观概述，而是一部深入剖析特定地区、特定时期或特定媒介的复杂艺术现象的专业文集。它旨在挑战传统上对“亚洲艺术”这一宽泛概念的笼统划分，转而聚焦于那些在特定地理、社会和历史语境下孕育出的、具有高度专业性和地域辨识度的艺术实践。 全书集合了全球顶尖学者在多个尖端研究领域的最新成果，内容横跨考古学、图像学、物质文化研究及艺术社会史等多个学科，为研究人员、策展人和高级学生提供了坚实的理论基础与翔实的案例分析。 --- 第一部分：南亚次大陆的圣像与世俗：工艺、信仰与权力结构 本部分侧重于深入研究南亚，特别是印度次大陆在公元前1000年至公元18世纪期间的视觉文化。这里的艺术发展与婆罗门教、佛教和伊斯兰教的信仰体系紧密交织，形成了独特的艺术语言。 章节一：犍陀罗艺术的希腊化影响与本土语境的融合 这一章摒弃了将犍陀罗艺术简单归类为“希腊-佛教混合体”的传统观点。研究聚焦于白沙瓦盆地出土造像的技术细节、雕刻师的工具痕迹以及所使用的特定石材来源。通过对湿婆林伽（lingam）形态演变与佛陀尊像发髻结构（ushnisha）的细微比较，我们探讨了当地萨卡和贵霜贵族阶层如何通过赞助艺术项目，来重塑并确认其文化合法性。文章特别分析了早期佛教塑像中“希腊式袍服”褶皱的程式化演变，揭示了这种“外来”风格是如何被印度化的，直至最终脱离原型，成为本土视觉符号的一部分。 章节二：德干高原乔卢王朝湿婆庙壁画的颜料化学分析与叙事功能 本研究采用了非侵入性的X射线荧光光谱分析（pXRF）技术，对阿旃陀和埃洛拉石窟中后期壁画的矿物颜料成分进行了精确测定。重点关注了乔卢王朝时期（约9世纪至13世纪）在卡纳塔克邦北部发现的几组重要壁画残片。分析结果表明，当地匠人对赭石和孔雀石的提纯技术远超同期北印度的记录，这直接影响了壁画的色彩饱和度和持久性。论文随后结合湿婆“狂舞”（Nataraja）主题在不同朝代庙宇间的图像学差异，论证了这些壁画在维护地方王权神圣性中的具体叙事策略。 章节三：莫卧儿细密画中的“隐秘书写”：花园、星盘与政治寓言 此章聚焦于莫卧儿王朝盛期（16-17世纪）的宫廷细密画。不同于传统的对宗教故事或历史事件的记录，本研究侧重于分析那些看似日常的场景，如狩猎、朝会或宴饮图中的空间布局与符号暗示。通过对画中出现的特定花卉（如郁金香、鸢尾）的植物学识别，结合同时期波斯天文学手稿中对星盘和天文仪器的描绘，我们重建了莫卧儿统治者如何利用这些视觉元素，在不直接冒犯保守派的情况下，表达其宇宙观和对领土的“完美”掌控。 --- 第二部分：东亚的文人品格与媒介革新：宋代以来的山水与陶瓷 本部分将目光投向中国、朝鲜半岛和日本，重点考察文人阶层在艺术生产中的核心地位，以及技术革新（如釉料、版画）如何重塑了区域性的审美标准。 章节四：宋代“水墨”的物质性：绢、麻与墨的物理交融 本研究质疑了将宋代水墨画视为一种纯粹的“精神性”表达的观点。研究深入考察了当时画家使用的媒介——从特定产地的麻纸（如徽州皮纸）到不同动物胶的配比对墨色层次的影响。通过对现存重要作品（如范宽《谿山行旅图》摹本与真迹的纤维结构对比）的纤维束分析，论文指出，画家对不同载体的“吸附性”的感知，而非仅仅是笔触的轻重，决定了最终的视觉效果。这是一种对物质材料的精细操控，而非单纯的笔墨游戏。 章节五：朝鲜王朝的“清白”哲学：白瓷的非对称性与内在秩序 此章专门探讨了朝鲜王朝（1392-1897）中期以后李朝白瓷（Buncheong ware）的审美转型。论文的核心在于解释为何在高度装饰性的中国景德镇瓷器影响下，朝鲜的白瓷反而走向了极端的简洁和功能性。研究认为，这并非技术落后，而是儒家“节制”与“格物致知”理念在工匠阶层中的体现。通过对白瓷釉面气泡（pinholes）的密度分布进行几何测量，揭示了这种不完美性（“欠完成感”）如何成为一种刻意追求的“内在秩序”，象征着文人士大夫阶层对形式主义的批判。 章节六：江户时代浮世绘中的“瞬间地理学”：版画与都市迁移 本研究关注江户时代（17-19世纪）大版画的生产链，特别是对特定旅行路线（如东海道）的描绘。论文超越了对喜多川歌麿或葛饰北斋的风格分析，转而研究版画的印刷次数、纸张消耗与当时日本的商业物流网络之间的关系。通过分析不同时间段内同一系列版画的用纸厚度和套色精度变化，作者论证了浮世绘不仅是记录风景的图像，更是城市人口流动、商品流通速度和信息传播效率的视觉化体现。 --- 第三部分：东南亚的仪式景观与跨文化交流：媒介、神话与地方性 最后一部分将焦点转向热带雨林与海岛文化，探讨宗教渗透、殖民影响与本土巫术信仰在视觉艺术中的复杂共存现象。 章节七：吴哥窟巴戎寺（Bayon）的“微笑”群像：语言学与面部表情的重建 本研究采用跨学科方法，结合高棉语的早期音系学研究与面部形态学分析，来解读巴戎寺外墙浮雕上数百个相似但又各异的“高棉微笑”。研究认为，这些表情并非单一的“慈悲”或“君王威严”，而是代表了当时高棉宫廷内部不同等级的官员或神祇在特定宗教仪式中的面部姿态。通过对比同一时期周边地区（如占婆）的造像习惯，论文提出了一个关于苏利耶跋摩二世（Jayavarman VII）统治下，权力如何通过“可识别的模糊性”来固化的新解释。 章节八：巴厘岛“卡玛桑”卷轴画的叙事周期与口述传统 本章聚焦于巴厘岛的皮影卷轴画（Kamasan painting），它们主要描绘印度史诗《罗摩衍那》或本土神话。研究强调，这些绘画并非独立的作品，而是特定仪式（如葬礼或祭祀）的视觉辅助工具。通过对几位不同世代画师的访谈记录（已存档于阿姆斯特丹民族学博物馆），论文追踪了同一段故事在跨越百年间的叙事增补和删减过程，揭示了巴厘岛宗教叙事在面对外部世界（如荷兰殖民政府）时的自我防御与适应机制。 章节九：马六甲海峡的“娘惹”装饰艺术中的禁忌与模仿 本研究关注马来半岛和苏门答腊岛华人移民（峇峇娘惹）在18至20世纪的室内装饰风格。通过对槟城和马六甲老宅中的门楣雕刻、木制家具上的图案进行细致的比对，作者指出，娘惹艺术风格的核心矛盾在于如何在遵循中国传统（如龙、凤纹饰）的同时，又必须遵守当地伊斯兰文化或荷兰殖民地审美中关于“避免具象描绘”的限制。最终形成的融合风格，成为一种独特的、反映其“双重身份”的视觉策略。 --- 结语：亚洲艺术史研究的未来方向——细节、关联与物质回归 本书的每一篇文章都坚持一个共同的信念：真正的亚洲艺术史研究，必须放弃宏大叙事和泛泛而谈的赞美，转而深入到材料的纹理、区域性的社会结构、以及图像制作背后的权力博弈之中。它所呈现的，是一个充满地方知识、复杂技术和持续对话的艺术世界。

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从我粗略翻阅的几处章节标题和引言来看，作者似乎采用了非常独特的叙事视角来探讨其主题。与其他侧重于朝代更迭或风格流派的传统论述方式不同，这本书似乎更倾向于从物质文化和工匠技艺的角度切入，探讨艺术品是如何在特定社会结构下被生产、流通和最终被意义化的。这种“自下而上”的视角，极大地拓宽了我对艺术史的认知边界。它不是简单地赞美大师，而是试图还原创作背后的温度和汗水，揭示那些隐藏在光环背后的技术难题和实践智慧。我能想象，如果深入阅读下去，将会发现许多关于材料科学、工具演变以及跨地域技术交流的精彩论述。这种着眼于“过程”而非仅仅是“结果”的论述策略，让整本书的学术探讨显得更为扎实和具有穿透力，非常吸引那些对艺术史“幕后”更感兴趣的读者。

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这本书的装帧设计着实引人注目，那种沉甸甸的质感，配合着封面那略带古朴气息的字体排版，让人一眼就能感受到其中蕴含的学术重量。内页的纸张选择也十分考究，米白色的哑光处理，既保护了读者的视力，又使得那些精美的插图和照片能够以一种内敛而庄重的方式呈现出来。我尤其欣赏它在版式布局上的处理，章节的过渡处理得非常自然流畅，没有那种生硬的堆砌感。虽然我还没有深入研究其内容，但仅从视觉体验来看，它无疑是一件值得收藏的艺术品。它散发出的那种专业、严谨的气息，让人在翻阅时就自然而然地放慢了速度，仿佛在进行一场与历史的私密对话。这种对实体阅读体验的重视，在如今这个数字阅读盛行的时代，显得尤为珍贵，它提供了一种沉浸式的、近乎仪式感的接触媒介的体验。那种油墨的淡淡香气，只有真正的纸质书才能给予，让人心绪安定。

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我发现这本书的索引部分做得极其详尽和人性化，这一点对于研究者来说简直是福音。它不仅按照艺术家的名字和作品类型进行了细致的划分，还特别设置了一个“文化语境关联词”的索引，这在同类学术著作中是相当少见的创新举措。光是浏览目录和索引，我就能体会到编纂者在梳理复杂历史脉络时所付出的巨大心力。他们似乎并不满足于仅仅罗列事实和图像，而是试图构建一个多维度的信息检索网络，让读者能够快速定位到自己感兴趣的交叉领域。这种细致入微的设计，体现了一种对读者需求的深刻理解和尊重，让原本可能晦涩难懂的学术资料变得更容易被驾驭。它给我的感觉是，这不是一本“躺着”等你来翻的书，而是一个随时准备好与你进行深入探讨的“伙伴”。即便是偶尔跳读几个部分，也能感受到其内部逻辑的严密与精妙。

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这本书的篇幅之宏大，令人望而生畏，但更令人敬佩的是其引文和参考书目的规范性。每一处关键论点后面，都紧跟着严谨的脚注或尾注，标注了详实的原始资料来源，包括那些年代久远的文集、地方志乃至考古报告的编号。这种近乎苛刻的求证态度，为全书的内容提供了坚不可摧的学术基石。我随机抽取了几个脚注进行核对，发现它们指向的文献来源横跨了不同的语言和学科领域，这表明作者团队进行了跨学科、大范围的田野式考察和文献梳理。对于任何希望在相关领域进行深入研究的人来说，这本书本身就构成了一个宝贵的、经过精心筛选的参考书目库。它不仅是知识的载体，更是一份高标准的学术方法论示范，体现了对学术诚信的最高承诺。

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这本书的开篇部分，用一种非常富有文学性的笔调，描绘了早期艺术品在特定地理环境中的“诞生场景”。它没有直接给出定义或分类，而是通过一系列富有画面感的场景描述，引导读者进入一个特定的历史氛围。例如，对于某种特定釉料的描述，作者细致入微地描绘了矿石的采集、火候的控制，以及工匠在面对失败时的微妙情绪变化，仿佛能让人闻到窑火的气息。这种文学与科学交织的叙述风格，极大地降低了初读者的阅读门槛，使得原本可能显得枯燥的艺术史知识被赋予了生动的生命力。它成功地将冰冷的学术分析，转化为一种引人入胜的故事讲述，让人在不知不觉中就被卷入了那个遥远时代的创作现场，这种叙事技巧的成熟度非常高，让人充满期待接下来的阅读旅程。

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