Pipilotti Rist (Friedrich Christian Flick Collection) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Dumont

作者:Pipilotti Rist

出品人:

页数:160

译者:

出版时间:2006-08-15

价格:USD 50.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9783832175788

丛书系列:

图书标签:

• Pipilotti Rist
• 当代艺术
• 影像艺术
• 装置艺术
• 女性主义
• 瑞士艺术
• 弗里德里希·克里斯蒂安·弗里克收藏
• 艺术画册
• 展览目录
• 新媒体艺术

图像、感知与存在：当代艺术的深度探索 本书汇集了一系列前沿艺术家的重要作品与深刻洞察，旨在探讨当代视觉文化中的核心议题：媒介的演变、身体与空间的相互作用，以及记忆和身份的构建过程。本书并非聚焦于某一特定艺术家的个案研究，而是着眼于一种更广阔的艺术哲学视野，涵盖了从结构主义到后现象学的多种理论视角。 第一章：光影的形而上学——媒介的物质性与时间性 本章深入剖析了摄影、电影以及新兴数字媒介在当代艺术实践中的角色转变。我们关注的焦点在于，媒介本身如何不再仅仅是内容的载体，而是成为了一个主动的参与者，塑造我们对现实的认知结构。 1.1 模拟时代的终结与数字的幽灵： 探讨在模拟摄影的颗粒感与数字影像的纯粹性之间，艺术如何处理“在场感”的消逝。我们考察那些刻意暴露媒介缺陷、强调时间滞留的影像作品。例如，分析那些利用长时间曝光或故意抖动的镜头，如何在图像中强行植入“时间残余”的痕迹。这并非是对技术进步的颂歌，而是对技术如何重塑我们对“此刻”理解的批判性反思。 1.2 屏幕作为景观： 屏幕——无论是投影仪、显示器还是手机——已经成为我们感知世界的首要界面。本章考察了艺术家如何操纵屏幕的亮度、刷新率和边界，以揭示观看行为本身的政治性。重点分析了那些模糊了“作品”与“环境”之间界限的装置艺术，它们迫使观众意识到，他们所处的观看空间本身就是被建构出来的。我们审视了那些将屏幕的故障（Glitch）提升为美学原则的作品，它们揭示了完美数字表象背后的脆弱与控制。 1.3 物质性与虚拟的交织： 探讨了当代艺术中对“物质性回归”的渴望，即使是在高度虚拟化的语境中。这包括对旧胶片、物理性装置、乃至手工痕迹的重新强调。艺术家们试图通过引入重量、气味或触觉体验，来对抗数字媒介的轻盈与虚无感。我们比较了几种不同的策略：一种是完全拥抱虚拟的无限性，另一种则是通过精确的物质选择，来锚定作品的物理存在。 第二章：身体的拓扑学——在场、凝视与边缘地带 本章的核心在于身体作为感知、权力和历史的载体。它不将身体视为一个统一的、生物学上的实体，而是将其视为一系列不断流动的关系、符号和权力规训的交汇点。 2.1 异化的景观与自我构建： 关注艺术家如何利用表演、自拍或角色扮演来解构主流叙事中对“理想身体”的建构。我们分析了那些通过重复、夸张或扭曲面部表情来表达内部经验的作品。身体不再是观赏的对象，而是一个动态的战场，艺术家在此处测试社会规范的边界。 2.2 凝视的权力转移： 借鉴福柯和穆尔西的理论，本章考察了凝视（The Gaze）的动态变化。当观众与作品相遇时，谁在观看谁？我们重点研究了那些挑战传统观看模式的作品：例如，那些将观众的影像即时投射到作品中、或那些利用黑暗、遮蔽来限制或引导观众视线的作品。这种对观看主体的“反向凝视”，旨在唤起观众对其自身观看行为的自觉。 2.3 空间的政治学： 身体如何被空间定义，空间又如何被身体重塑？本章考察了艺术家对非传统空间——如废弃工厂、私人住所或公共广场——的介入。这些介入不仅仅是简单的场所特定性（Site-Specificity），而是对空间既有功能和权力结构的侵入与重新编码。我们探讨了“行走”和“游荡”（Drifting）作为一种抵抗策略，如何成为艺术实践的一部分。 第三章：时间的碎片与记忆的重构 记忆并非一种静态的档案，而是一个持续的、充满偏见和遗忘的过程。本章关注艺术家如何处理历史叙事，以及他们如何通过碎片化、非线性的方式来构建或质疑“集体记忆”。 3.1 档案的失效与重组： 考察艺术家如何利用官方档案、家庭照片或新闻片段，但并非为了重述历史，而是为了揭示档案本身的选择性与偏见。我们分析了那些通过打乱时间顺序、故意引入空白或使用模糊不清的图像来“腐蚀”既有叙事的方法。记忆的真实性在此不再是关键，关键在于记忆是如何被建构和传播的。 3.2 创伤与留白： 探讨了艺术如何介入那些难以言说或被系统性抹去的历史创伤。本章关注那些使用极简主义手法或“留白”策略的作品，它们拒绝提供清晰的图像或解释，而是通过营造一种紧张的、未完成的状态，邀请观众进入历史的缺口，进行伦理上的反思。这种处理方式要求观众承担起“补全”或“面对空缺”的责任。 3.3 叙事的循环与反向历史： 研究了那些试图打破线性时间观的实践。艺术家们通过将过去、现在和潜在的未来并置，创造出一种循环或多重时间性的体验。这包括对神话、民间传说或被遗忘的未来主义的重新挖掘，旨在表明历史并非终结，而是以不断变异的形式持续影响着当下。 结语：审美的转向——从感知到伦理的过渡 本书的收官部分总结了上述探索所指向的艺术实践的共同趋势：从纯粹的视觉愉悦转向一种深刻的伦理责任。当代艺术不再满足于仅仅展示世界的样子，而是积极地参与到世界如何被感知、被定义和被构建的过程之中。这些作品要求我们不仅要“看”，更要“质疑”我们所看的一切，以及我们自身作为观看者的位置。它们挑战了我们对清晰、确定和统一性的依赖，拥抱了模糊、不确定和多重声音的复杂性，这正是理解我们当前文化境遇的关键所在。

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这本书的装帧设计，简直是当代艺术书籍设计的一个典范！我几乎可以断言，这本画册本身就是一件值得收藏的艺术品。我指的是那种触感上的体验。封面不是那种常见的哑光或高光处理，而是带有一种微妙的、略微粗糙的纹理，这与里斯特作品中那种对物质媒介的迷恋似乎有着异曲同工之妙。内页纸张的选择也极具匠心，不同主题的章节，似乎会切换到不同克重的纸张，比如讲述早期录像带作品时，纸张的质地会略微偏向复古和粗糙，而在展示她近年的大型装置作品时，纸张的光滑度又被提升，以更好地捕捉光线的反射。这种细微的、几乎是潜意识的引导，让翻阅过程本身就成了一种叙事结构。我花了整整一个下午，只是单纯地感受纸张的变换和油墨的层次，而不是忙着“阅读”内容。这种对物质性的尊重，让我感觉这本书不仅仅是关于里斯特的，它也体现了出版方对艺术品复制这件事的敬畏之心。它没有试图将原作完全“数字化”地塞进两维的平面，而是努力创造了一种三维的、可互动的体验。

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说实话，我本来对这种“私人收藏”的出版物有点保留，总觉得它们在学术深度上可能会略逊一筹，但《弗里德里希·克里斯蒂安·弗里克收藏》这个副标题，反而让我对这本书的策展思路产生了浓厚的兴趣。这套书的文字部分，虽然没有堆砌那些晦涩难懂的理论术语，但它提供了一种非常流畅的、对话式的解读。我尤其欣赏它对里斯特如何利用“身体作为介质”来解构传统凝视（gaze）这一主题的探讨。书中的几篇随笔，巧妙地将里斯特的作品置于女性主义艺术史的脉络中，但却避免了生硬的说教。相反，它们鼓励读者去体验作品中那种主动的、有时甚至是戏谑的“被观看”与“观看者”身份的转换。比如，书中有一张对《吃我的蛋糕，宝贝》的特写分析，文字精准地指出了那种既诱惑又带有挑衅意味的姿态，远超出了单纯的视觉刺激。对于想深入理解这位瑞士艺术家的创作哲学，而又不想被沉重的学术枷锁困住的普通爱好者来说，这本书提供了一个非常理想的切入点。它既有视觉的冲击力，也有思想的深度，像是一杯调配得恰到好处的鸡尾酒，让你在微醺中领悟到隐藏在绚烂色彩下的严肃思考。

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哇，这本关于皮皮洛蒂·里斯特（Pipilotti Rist）的画册，简直是视觉的狂欢！我得承认，在翻开这本书之前，我对她的了解还停留在一些零星的展览报道上，知道她是个玩弄光影和感官体验的大师。但这本书的排版和印刷质量，首先就给了我一个巨大的惊喜。那些色彩的饱和度，简直要从纸面上“溢”出来，尤其是她那些标志性的、迷幻的、仿佛水下生物般扭曲的影像，被忠实地还原在了铜版纸上。我特别喜欢其中几幅早期作品的放大细节，那种颗粒感和粗粝的质地，让人仿佛能触摸到录像带本身的温度，而不是那种过于光滑、数字化的完美。这本书的编排很有趣，它似乎不是严格按照时间线走的，而是更像一个情感的流淌。你会在一页看到极具侵略性的、高饱和度的霓虹灯光，下一页立刻切换到一种温柔到近乎于“黏稠”的粉色和绿色交织的室内场景。这正是我钟爱里斯特作品的原因——她总能把最私密、最日常的场景，通过技术处理，变成一种宇宙级的、近乎宗教体验的幻觉。这本书成功地捕捉到了这种“感官超载”与“内在冥想”之间的张力，绝对是艺术爱好者书架上不可或缺的一件珍藏品，不仅仅是作品的记录，更像是一次高保真的心灵漫游。

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作为一名对声音和感官装置艺术充满好奇的观众，我最欣赏这本书中对“非视觉元素”的间接捕捉能力。皮皮洛蒂·里斯特的作品，其音乐和声效往往和画面同等重要，甚至更具催眠性。虽然纸质书无法直接播放她那些迷幻的电子乐或扭曲的人声采样，但这本书的文字描述和侧边注解，却非常有效地“暗示”了声音的存在。例如，在描述某些作品时，你会读到关于“低频震动”、“皮肤上的共鸣”或是“耳鸣般的嗡鸣”这样的词汇，这些描述精准地激活了读者的听觉记忆。我记得有一处对她室内装置的描述，文字精准地捕捉了那种“被粉红色液体包围时，所有声音都被过滤和变调”的感受。这表明，编写这本画册的团队，不仅仅是视觉专家，他们也对里斯特艺术实践的跨感官本质有着深刻的理解。这本书成功地弥补了媒介的局限性，让“观看”变成了一种多维度的体验，让读者在合上书页后，脑海中仍然回荡着那些未曾听见的旋律和触觉的残影。

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我通常对艺术家个人作品集的“全景展示”持谨慎态度，因为很多时候，它们往往因为试图包罗万象而显得松散无力。但这个版本的里斯特画册，却成功地提供了一种既全面又高度集中的视角。它并非简单地罗列作品照片，而是通过巧妙的版面布局，将不同媒介、不同时期的作品进行了一种“视觉对话”。我发现，当你并置观看她早期那种略显简陋的、家用摄像机质感的录像片段（书里通常会配上小幅的截图）和她后期那种动辄需要整个剧院空间的大型沉浸式投影时，你会清晰地看到她对“空间感”和“观众位置”的持续关注。这本书的编辑似乎深谙此道，他们没有把每一张图都放得很大，而是懂得留白和对比。有些跨页的展示，甚至是用一种近乎留白的方式，只突显出作品中一小块极度饱和的色彩区域，这种“聚焦”的策略比一览无余地展示整个画面更有力量。它教会你，看里斯特的作品，重点不是全貌，而是那些被光线扭曲的瞬间。对于研究者而言，这种精炼的对比和排版上的提示，比厚厚一沓的纯粹作品图录要高明得多。

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