The Artist's Body

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出版者:Phaidon Inc Ltd
作者:Warr, Tracey 编
出品人:
页数:304
译者:
出版时间:2006-9
价格:$ 50.85
装帧:Pap
isbn号码:9780714847016
丛书系列:
图书标签:
  • Art
  • 艺术
  • 身体
  • 艺术史
  • 表演艺术
  • 身体政治
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  • 当代艺术
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具体描述

Body art, performance, "Aktionism", Happenings: these are all names for the many late 20th century art forms that have used the artist's own body as the subject and object of the artwork itself. Whether acting out the gestures of painting (Jackson Pollock, Yves Klein, the Gutai group); voguing for the camera (Hannah Wilke, Mariko Mori); subjecting oneself to acts of violence (Chris Burden, Gunter Brus, Gina Pane); displaying acts of athletic prowess and courage (Matthew Barney, Marina Abramovic); or even masturbating under the gallery floor (Vito Acconci), artists since the late 1950s have increasingly used their bodies to subvert, shock and politicise contemporary art. Images of these often extreme, highly unconventional artwork with commentary are accompanied by documents which chart the ideas, their critical reception and the broader philosophical and cultural context which framed them. The introductory survey, by noted expert Amelia Jones, examines chronologically the key artists and works within the social history of their times.

尘封的丝线:工匠的双手与技艺的传承 一卷关于时间、材料与人类不懈创造力的深度探寻 本书并非关注视觉艺术的宏大叙事,而是将目光投向那些构成我们物质世界基石的、被日常使用所遮蔽的双手与工具。它是一部关于“工匠精神”的物质考古学,是对人类如何通过指尖的触感、对材料特性的深刻理解以及世代积累的经验,将无生命的元素转化为具有生命力与功能性的实体的过程的细致描摹。 我们生活在一个充斥着快速消费与数字复制的时代,真正的、需要耗费时间与心血的技艺似乎正逐渐退隐至历史的边缘。然而,正是这些看似“过时”的工艺,蕴含着我们与自然界最直接、最诚恳的对话方式。本书旨在挖掘这些被遗忘的对话片段,重构一个由木屑、铁锈、泥土和纤维交织而成的世界。 第一部分:材料的低语——与自然资源的对话 本书的开篇,深入探讨了传统工匠与他们所依赖的基础材料之间复杂的关系。这不是对材料学原理的枯燥陈述,而是关于“感性认识”的记录。 木材的年轮与性情: 我们将追溯一张手工雕刻椅的诞生。这不是关于设计图纸,而是关于木材的“脾气”。作者走访了那些依然坚持在特定季节砍伐、在特定环境下自然风干木材的家族。他们如何通过敲击、嗅闻和触摸,判断一块胡桃木或橡木是否“准备好”接受切割?我们揭示了干燥过程中的微妙变化——湿度如何影响木材的张力,以及这种张力最终如何决定家具的耐久度与声学特性。书中详细描述了古老接榫技术(如燕尾榫、榫卯结构)的几何之美,并阐明它们如何超越现代胶合剂的限制,实现物理上的永恒结合。 金属的冶炼与塑性: 镜头转向铁匠铺。我们不再关注大规模的工业熔炉,而是那些由家族世代维护的手工锻造炉。本书详细记录了对铁矿石、碳(焦炭)以及其他添加物精确配比的过程,以获得特定硬度和韧性的钢材。重点放在“热处理”的艺术——何时将炽热的金属浸入水中或油中,何时进行反复的锤打回火。这些步骤不再是机械指令,而是基于对火光颜色和金属表面蒸汽反应的直觉判断。我们探究了不同地区(如西班牙托莱多或日本玉钢)的锻造秘密如何影响最终刀刃的锋利度和保持性。 土地的馈赠:陶土的转化: 泥土是如何变成承载人类文明的器皿的?本书详细记录了陶艺家如何选择含铁量、粘土颗粒大小不同的泥土,如何通过“拉坯”这一既需要力量又需要极致轻柔的动作,将一团泥巴塑造成具有独特曲线的容器。更重要的是,对烧制的深入描绘——窑炉的温度控制,釉料的化学反应,以及在数小时内,温度的微小波动如何决定一件作品是成为传世珍品还是化为碎片。 第二部分:工具的延伸——人与器械的共生 工具,是工匠的延伸,是人类智慧的凝固。本书通过对一系列传统工具的细致考察,阐释了人与工具如何共同完成创造。 手持的精度: 我们探讨了刨子、凿子和锯子的“调校”艺术。一把合格的刨子,其刀片的锐利程度与安装角度必须精确到微米级别,否则便无法获得如丝绸般光滑的木表面。书中记载了工匠们如何使用天然磨石(如日本的砥石)进行打磨,每一次磨砺不仅是为了锋利,更是为了在工具表面建立一种与工匠手感同步的“记忆”。 测量的哲学: 现代工匠依赖激光和数字尺,而传统工匠则依靠经验和一系列看似简单的量具:角尺、卷尺、铅垂线以及特定长度的“定尺”。我们分析了这些测量的哲学内涵——它们不是绝对的精确,而是“足够的好”与“适用性”之间的平衡。例如,在木结构建造中,对重力的理解和对材料自然形变的预留,比死板的几何尺寸更为重要。 维护的仪式: 工具的保养被视为一种近乎宗教的仪式。书中有专门的章节描述了如何使用天然油脂、蜡或特定矿物来保护工具免受腐蚀,以及如何通过定期使用使工具的把手完美地适应工匠的手掌形状——这是一种只有使用者才能塑造出的“人体工学”。 第三部分:技艺的流淌——从学徒到大师的旅程 技艺的传承,是本书最核心的主题。它不是通过文字手册完成的,而是通过模仿、重复和最终的超越。 口传与身教: 我们记录了传统学徒制下的生活——数年如一日地完成最基础、最枯燥的工作,如清理工作台、磨砺工具、观察师父如何处理木材的瑕疵。这种学习是全面的,它包括了对时间流逝的感知、对失败的接受,以及对工作环境的尊重。书中访谈了几位仍在坚持这种模式的工匠,他们强调,只有当你的身体开始“知道”下一步该做什么,而不是你的大脑去“计算”时,你才算真正入门。 非书面化的知识(Tacit Knowledge): 许多核心技艺无法被文字完全捕捉。例如,如何判断一个需要缝补的皮革的精确厚度,或者如何仅凭听声音判断缝纫机线张力是否正确。本书试图用细腻的描述语言,去捕捉这些转瞬即逝的、依赖于经验积累的“沉默的知识”。 创新的边界: 传承不意味着停滞。本书也探讨了传统工匠如何在不背离核心精神的前提下,吸收现代技术(如更精确的机械辅助或新型的环保涂料),以提高效率或改善产品的持久性。真正的创新,在于深谙旧法的精髓后,才能更有效地进行突破。 结语:物质世界的持久回响 《尘封的丝线》是一部献给所有制造者、修理者和珍惜物件的人的赞歌。它提醒我们,在每一个被触碰、被使用、被修复的物体背后,都凝结着人类数千年来的耐心、智慧与对完美的执着追求。这些技艺不仅仅是制作物品的方法,它们是关于如何与世界建立有意义、可持续连接的方式。当我们拿起一件手工制作的物品时,我们不仅是在使用它,更是在与那双塑造它的手,进行一次跨越时空的对话。

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读后感

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用户评价

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这本书的独特之处在于它对于“观看”这一行为的解构。它似乎在不断地质问:我们到底在看什么?以及,被观看的对象,它如何反过来塑造了观看者?我发现作者在探讨视觉文化时,并没有陷入主流媒体批评的窠臼,而是深入到人类最本能的、最原始的凝视冲动中去挖掘。它不像一本理论书籍,更像是一本充满了田野调查笔记和个人观察日记的集合体。其中穿插的那些关于光影、轮廓、以及被遮蔽物的描绘,极富画面感,让人在脑海中自动构建出各种复杂的场景,仿佛置身于一个没有透视法、只有平面化力量角逐的舞台上。这种“反透视”的叙事策略,极大地增强了文本的张力。它迫使我反思自己日常生活中那些不经意的凝视,那些被我们视为理所当然的“看见”,背后隐藏了多少权力结构和文化预设。这本书对“主体性”的挑战是彻底而无情的。

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坦白讲,初次接触《生命形式的考察》时,我感到了一丝挫败,因为它似乎拒绝提供任何容易消化吸收的知识点。它更像是一场关于概念的拓扑学实验,作者在不断地拉伸、扭曲既有的定义,直到它们呈现出完全陌生的形态。这本书的魅力在于它的那种“反系统性”——它故意在关键论点处留下巨大的空白和矛盾,仿佛在邀请读者亲自去填补,或者说,去接受这种不确定性本身就是结论的一部分。我特别喜欢其中几章对“边界消融”的探讨,作者没有使用任何夸张的辞藻,而是用一种近乎冷静的、科学观察者的口吻,描述了有机体与无机体、生命与非生命之间界限的瓦解。这种冷静反而带来了巨大的震撼力,因为它让你意识到,我们所赖以建立安全感的“分类系统”是多么脆弱和人为。这是一本需要反复阅读、甚至需要做大量笔记和思维导图才能勉强跟上的作品,但它所带来的知识上的“重构感”,绝对值得这份投入。

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读完这本《物质的边界》后,我最大的感受就是一种近乎眩晕的、智力上的愉悦。这本书的论述结构非常复杂,它仿佛不是一本书,而是一件精心编织的、多维度的挂毯,每根线头都指向一个不同的学术领域——从现象学的美学批评到生物伦理学的哲学反思,甚至隐约能瞥见存在主义对个体经验的执着追问。作者的笔触极其细腻,尤其是在探讨“感知”如何构建“实在”的章节,那种逻辑推演的严密性让人不得不停下来,反复咀嚼那些精妙的论证结构。它挑战了我们习以为常的二元对立思维,比如内在与外在、主体与客体之间的僵硬划分,而是提出了一种流动的、不断协商的动态模型。这本书的阅读过程不是轻松的消遣,更像是一场高强度的智力攀登,需要读者投入全部的注意力和既有的知识储备去跟上作者的思绪。但一旦你跟上了,那种豁然开朗的体验是无可替代的。它不是在给你答案,而是在教你如何更好地提出问题,如何用更具批判性的眼光去审视我们赖以生存的这个“具身”的世界。

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我得说,《躯壳的寓言》这本书的语言风格,简直就是一场文学上的“行为艺术”。它摒弃了传统学术写作的平铺直叙,转而采用了一种极其富含隐喻和象征的修辞方式,读起来有一种古老的、几乎是神谕般的神秘感。文字的密度极高,每一句话都像是浓缩了数个世纪的文化沉淀,充满了重量感。比如,作者在描述“脆弱性”这个主题时,用到的词汇仿佛都带着尘土和铁锈的气味,让人能真切地感受到一种时间的重量感压在心头。这本书的节奏感非常独特,有时是急促的、近乎痉挛的短句堆叠,表达一种原始的、不可言喻的体验;有时又是悠长、近乎冥想般的长句,将读者缓缓引入一种超脱于日常经验的沉思状态。我怀疑作者在写作时,可能大量参考了二十世纪中期欧洲的某些存在主义文学作品,那种对“瞬间”的捕捉和对“存在”的焦虑感,在这本书里被提炼到了极致。它更像是诗人写给哲学家的一封情书,充满了激情,但又带着学者般的精准。

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这本《身体的沉思录》简直是一场视觉与哲思的饕餮盛宴!我是在一个偶然的机会下翻到这本书的,最初被它那极具冲击力的封面设计所吸引,那种将古典主义的线条与现代主义的解构手法融为一体的风格,立刻让人感受到作者不甘于平庸的雄心。内页的排版更是考究得令人赞叹,留白恰到好处,仿佛每一页都在呼吸,让读者有足够的空间去消化那些深邃的文字和那些富有张力的图像(虽然我目前还没看到具体内容,但光是这种装帧和设计语言就足以传递出一种强烈的信号:这是一本关于“存在”与“物质”的严肃探讨)。作者似乎并不满足于停留在表面的描摹,而是试图穿透皮肤,直抵生命力的核心。我特别欣赏它在叙事上的那种碎片化、非线性的处理方式,读起来就像是在迷宫中探索,每转一个弯都能发现新的视角,引人深思。它让人联想到那些早期先锋派艺术家的手稿,充满了原始的冲动和对既定美学规范的挑战。如果说艺术是对世界的翻译,那么这本书无疑提供了一种极为个人化、近乎偏执的翻译密钥。我非常期待接下来的阅读体验,感觉它会彻底颠覆我对某些既有概念的理解,是一次对感官界限的温柔却坚定的推搡。

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