A Century of African American Art

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出版者:Rutgers Univ Pr
作者:Amaki, Amalia K. 编
出品人:
页数:288
译者:
出版时间:2004-11
价格:$ 67.80
装帧:HRD
isbn号码:9780813534565
丛书系列:
图书标签:
  • 非裔美国人艺术
  • 美国艺术
  • 艺术史
  • 20世纪艺术
  • 文化研究
  • 艺术
  • 绘画
  • 雕塑
  • 摄影
  • 艺术展览
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具体描述

The Paul R. Jones Collection is one of the oldest, largest, and most comprehensive holdings of African American art in the world. Jones, who was named by Art and Antiques as one of the top one hundred collectors in the country, began buying paintings, prints, photographs, and sculpture four decades ago and has now amassed over fifteen hundred works, many of them by well-known artists. Among the sixty-six represented in A Century of African American Art are Romare Bearden, Elizabeth Catlett, Jacob Lawrence, Henry Osawa Tanner, James Van Der Zee, Carrie Mae Weems, and Hale Woodruff. Lavishly illustrated with over one hundred color photographs, this book provides an important resource for the study of the works included in the Jones collection, the artists who created them, as well as the social and historical contexts that engendered them. The volume brings together ten essays, which examine four issues in American art: portraiture and realism in relation to abstract expressionism, the implications of color, the role of narrative, and the concept of multiple originals. Each essay makes the intentional effort to de-race African American art--not to strip the work of its idiomatic cultural footing, but rather to situate it within the larger picture of the nation's history and cultural traditions. Reflecting the diversity of the collection itself, the contributors come from wide-ranging fields including American art, African American art, African art, art conservation, color theory, photography, and sociology. Together, the eclectic selections make a major contribution to recontextualizing African American scholarship in the broadest sense, while also providing important insights into theJones collection.

好的,这是一本关于非洲裔美国人艺术史的深度研究著作的简介,侧重于其独特的视角、广泛的材料收集和对艺术史书写的修正。 视界重塑:跨越世纪的非洲裔美国人视觉叙事与文化遗产 本书导言:被遮蔽的色彩与被重构的殿堂 长期以来,西方艺术史的叙事框架在很大程度上忽略或边缘化了非裔美国人艺术家群体的创作实践及其对全球现代主义和当代艺术的深刻贡献。这种缺席不仅是简单的遗漏,更是系统性权力结构对文化记忆的筛选与重写的结果。本书旨在以一种彻底的、跨学科的、并植根于非洲侨民(Diaspora)理论的视角,对从早期殖民时期到当代全球化语境下的非洲裔美国人视觉艺术进行一次全面而精细的梳理、分析与重新定位。 我们所关注的并非一个孤立的“黑人艺术史”,而是一个与美国主流艺术史紧密交织、时而抵抗、时而融合的、充满张力的复杂场域。本书的核心论点在于:非洲裔美国人艺术实践始终处于一种“双重在场”的状态——既深深扎根于美国本土的社会政治现实,又持续回溯、创造性地转化着源自非洲大陆的文化母题与精神遗产。 第一部分:根基与隐匿的表达 (17 世纪末 – 19 世纪中叶) 本部分着重考察奴隶制社会中视觉表达的起源与早期形态。在缺乏正式艺术教育和机构认可的环境下,非洲裔艺术家的创作往往以实用性、仪式性或秘密符号的形式存在。我们将探讨以下关键议题: 1. 物质文化的潜能: 分析田野、家庭和社区中幸存下来的纺织品、篮筐编织、木雕以及口述传统中蕴含的视觉语言。这些“非艺术品”如何成为抵抗和身份构建的载体。 2. 早期肖像与身份的首次显影: 考察早期自由或半自由的非裔艺术家(如Joshua Johnston 或其他未署名的肖像画家)的作品。他们的笔触如何微妙地挑战或迎合白人赞助人的期待,同时又试图在画布上确立非裔主体的尊严。 3. 灵性与符号学: 深入挖掘非裔卫理公会、浸信会等宗教空间中视觉元素的运用,及其与西非灵性信仰的混杂与演变,探讨这种“混合”在视觉上的具体体现。 第二部分:从镀金时代到“哈莱姆文艺复兴”:现代性的早期碰撞 (19 世纪末 – 1930 年代) 随着内战后的解放与城市化进程的加速,非裔艺术家开始进入更广阔的公共艺术领域,但也面临着“种族化”展览和学院派偏见的双重挑战。 1. 学院的门槛与越界者: 详细审视那些成功进入主流艺术机构的先驱者(如Henry Ossawa Tanner, Edmonia Lewis)。分析他们的创作如何平衡对欧洲古典传统的掌握与对自身经验的描绘,以及这种平衡带来的内部张力。 2. 哈莱姆文艺复兴的视觉宣言: 重新审视 Aaron Douglas、Jacob Lawrence 等艺术家的工作,强调他们对“新黑人”(New Negro)形象的建构不只是对白人刻板印象的简单反驳,而是一场复杂的、借鉴了立体主义、装饰艺术和非洲几何形式的视觉语言革命。重点分析他们如何利用平面化、重复的图案和史诗般的叙事来构建一种跨越时空的文化连续性。 3. 现实主义与社会评论: 探讨在“大萧条”背景下,如William H. Johnson 等人对美国南方和劳动人民的纪实性描绘,这种现实主义如何区别于当时的白人社会现实主义,因为它带有强烈的、不可磨灭的集体记忆的重量。 第三部分:战后张力与艺术的解放 (1940 年代 – 1970 年代):抽象的政治 二战后,抽象表现主义占据了艺术界的中心舞台,而非裔美国人艺术家们则面临一个关键抉择:是加入抽象的普遍性叙事,还是坚守具象的社会批判? 1. 抽象表现主义中的“隐形”贡献: 本章挑战了抽象表现主义主要由白人男性主导的传统叙事,深入挖掘如Norman Lewis、Alvin Hollingsworth 等人在探索非具象领域时,其内在的节奏、色彩的爆发力与非裔音乐传统(如爵士乐)之间的深层关联。我们认为,他们的抽象并非逃离现实,而是对种族隔离和压迫的“感官化”处理。 2. 从“文化民族主义”到“黑人艺术运动”: 聚焦于 1960 年代末和 1970 年代初的激进转向。分析 AfriCOBRA 团体(如Jeff Donaldson)的理论与实践,他们如何系统性地创建一套本土化的视觉符号系统——如“Duafe”(爱的象征)——以服务于社区赋权,并将艺术创作直接视为政治行动。 3. 女性艺术家的发声: 专门探讨 Faith Ringgold、Betye Saar 等人在传统艺术界“双重边缘化”(基于种族和性别)的困境下,如何巧妙地运用拼贴、现成品和叙事性强的画作,解构父权制和种族主义的刻板印象。 第四部分:全球语境下的身份重构与媒介的拓展 (1980 年代至今) 随着后现代主义和身份政治的兴起,非裔美国人艺术进入了一个媒介多元化、理论复杂化的新阶段。 1. 巴斯奎特的现象与艺术资本: 细致分析 Jean-Michel Basquiat 的作品如何颠覆了艺术市场的等级制度,以及他的作品中对文本、涂鸦和非洲面具元素的混合使用,如何既是对主流的挑衅,也是对自身文化身份的不断解构与重塑。 2. 身体、性别与历史的修正: 重点考察 Carrie Mae Weems 等艺术家如何利用摄影和装置艺术,系统性地对历史档案和家庭照片进行干预和再语境化,挑战白人中心主义的历史记录。同时,分析当代艺术家如何处理跨性别、酷儿身份与非裔体验的交叉点。 3. 数字时代与文化出口: 探讨当代艺术家(如Kehinde Wiley)如何运用古典欧洲肖像画的宏大范式,替换其中的主体人物为当代非裔个体,以此实现一种颠覆性的、具有挪用性的权力反转。 结语:持续的对话 本书最终表明,非洲裔美国人艺术史并非是一条从边缘走向中心的线性发展线索,而是一个充满活力、自我批判和不断寻求语言更新的动态过程。它迫使我们重新思考“艺术史”本身的定义,认识到真正的艺术史必须是多元的、相互渗透的,并且愿意倾听那些长期以来被静音的声音。本书是献给所有致力于理解视觉文化复杂性、并渴望一座更公平、更丰富艺术殿堂的读者。

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