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出版者:Univ of Chicago Pr

作者:Corris, Michael

出品人:

頁數:256

译者:

出版時間:2008-1

價格:$ 45.14

裝幀:HRD

isbn號碼:9781861893567

叢書系列:

圖書標籤:

抽象錶現主義
極簡主義
黑方
繪畫
藝術史
現代藝術
美國藝術
20世紀藝術
藝術理論
Reinhardt

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具體描述

Born in Buffalo, New York, Ad Reinhardt (1913 - 1967) was a highly influential pioneer of conceptual and minimal art. His influence as teacher, writer, activist and critic was as significant as his art - Reinhardt taught at Brooklyn College from 1947 to 1967, and during this time also lectured at the California School of Fine Arts, the University of Wyoming, Yale University and Hunter College, New York. In latter times Ad Reinhardt has largely fallen out of the spotlight, and in this much-needed book Michael Corris gives a comprehensive account of the artist's life, works and contributions to modern art. An artist with definite political beliefs, Ad Reinhardt immersed himself in the vibrant left-wing political and cultural circles of the 1930s and '40s, only to find himself marginalized by the social and cultural conservatism that arose in postwar America. Corris examines Reinhardt's art in this historical context, tracking the development of his entire oeuvre, ranging from his abstract paintings to his popular graphic artwork, which took the form of illustrations and cartoons. Ad Reinhardt also evaluates Reinhardt's role in the art world as younger artists created successive avant-garde movements, such as Minimal and Conceptual art, and the impact his political beliefs ultimately had on his reputation and reception in the art world. This long-awaited book is a major contribution not only to Reinhardt scholarship, but also to the history of contemporary art in America.

純粹的凝視：阿德·萊因哈特作品的深度探索一部關於視覺藝術、哲學沉思與無限可能性的著作本書並非聚焦於任何特定藝術傢的傳記或作品集，而是對一個宏大概念——“絕對繪畫”（Absolute Painting）——進行深入、細緻的考察。我們試圖構建一個純粹的理論框架，用以剖析藝術創作的內在邏輯、視覺體驗的極限，以及色彩與形式在脫離傳統錶徵後所能達到的精神高度。本書的核心關注點，在於對“減法美學”（Aesthetics of Subtraction）的係統性研究。我們認為，藝術的本質並非在於“添加”敘事、符號或具象元素，而在於“剝離”冗餘，直至觸及藝術本體的骨架。這本書將引領讀者穿越曆史的迷霧，從早期極簡主義思潮的萌芽期開始，追溯那些試圖通過消除乾擾、淨化視覺場域來達到精神升華的藝術傢群體和思潮。第一部分：圖像的終結與精神的誕生我們首先探討的是“繪畫的終極問題”。自文藝復興以來，繪畫被賦予瞭再現世界的職責。然而，當攝影術齣現，當現代主義將焦點轉嚮藝術自身時，這一職責便瓦解瞭。本書詳細分析瞭這一瓦解過程如何迫使藝術傢們麵對一個根本性的選擇：要麼轉嚮純粹的觀念，要麼深入材料和形式的內在結構。我們引入瞭“零度經驗”（The Zero Degree Experience）這一概念，用以描述一種在麵對完全非指涉性視覺刺激時，觀者內心産生的生理與心理反應。這涉及對光譜學、視覺感知心理學以及現象學的交叉引用。我們考察瞭色彩如何從描述性符號退化為純粹的振動頻率，以及形狀如何從界定物體的邊界轉變為界定空間本身的結構。重點章節會詳細分析“黑色的形而上學”。黑色，作為所有色彩的終結，在藝術史中承載瞭太多的負麵含義——虛無、哀悼、黑暗。本書則將其重構為一個積極的視覺實體：它是光的缺席，但同時也是所有潛在光綫的容器。我們通過對光影理論的嚴格論述，闡釋瞭如何在二維平麵上營造齣超越三維錯覺的“深度錯覺”，這種深度並非空間上的延伸，而是認知上的沉潛。第二部分：結構、係統與重復的悖論在本書的第二部分，我們將目光投嚮“結構主義與係統藝術”的交匯點。我們著重分析瞭藝術創作中的“自律性規則”（Autonomy Rules）是如何被構建和執行的。如果一件作品不再依賴於藝術傢的個人情感錶達，那麼它依賴什麼？本書提齣瞭“內在邏輯”作為答案。我們深入探討瞭“網格的意義”（The Significance of the Grid）。網格，作為最古老也最冷峻的組織原則，在現代語境中被賦予瞭新的意義。它不是束縛，而是解放——它提供瞭一個無限重復的可能性，同時又強製瞭邊界和限製。這種限製本身，成為瞭構圖的強大驅動力。我們詳細對比瞭不同文化背景下對秩序和重復的理解，並將其映射到抽象藝術的語境中。另一個核心討論是“迭代與差異”。在看起來完全相同的作品係列中，藝術傢是如何通過微小的、近乎不可察覺的調整，實現作品間本質區彆的？這要求觀者付齣極大的專注力，將觀看行為本身轉化為一種近乎禪修的實踐。本書詳盡分析瞭諸如細微紋理、光綫反射角度、材料吸收性等變量，如何共同作用，使得兩件“相似”的作品在實際的視覺體驗中産生天壤之彆。第三部分：觀看的實踐與身體的迴應本書的最後部分，將理論的焦點轉移到觀者身上。如果作品是極簡的，那麼觀看的責任就更重瞭。我們探討瞭“在場感”（The Sense of Presence）在純粹藝術中的重要性。一件沒有故事的畫作，要求觀者用自己的全部“在場”去填充其空白。我們引用瞭梅洛-龐蒂的現象學觀點，但將其應用於對“非客體”的凝視。當眼睛麵對一個沒有明確焦點的、均勻的錶麵時，瞳孔的調節、視網膜的反應，以及大腦皮層的處理過程，都構成瞭作品意義的一部分。這是一種“身體性的觀看”，而不是智力上的解讀。本書通過一係列細緻的案例分析（不指明任何藝術傢），展示瞭不同光照條件、不同畫廊空間、甚至不同觀者情緒狀態下，同一批“純粹作品”所呈現齣的動態變化。最終，我們試圖論證：絕對繪畫的意義，不在於畫布之上，而在於觀者與畫布相遇時，兩者之間所産生的、不可言喻的瞬間張力之中。這是一種對藝術作為一種純粹經驗的終極辯護。本書旨在為那些對藝術的邊界、對視覺的本質、以及對“少即是多”背後深邃哲學感興趣的讀者，提供一個嚴謹、深入且毫不妥協的理論工具箱。它是一次對視覺領域的深度潛水，而非淺嘗輒止的導覽。