具体描述
Nearly every artist under the age of fifty in the United States today has a Master of Fine Arts degree. Howard Singerman's thoughtful study is the first to place that degree in its proper historical framework and ideological context. Arguing that where artists are trained makes a difference in the forms and meanings they produce, he shows how the university, with its disciplined organization of knowledge and demand for language, played a critical role in the production of modernism in the visual arts. Now it is shaping what we call postmodernism: like postmodernist art, the graduate university stresses theory and research over manual skills and traditional techniques of representation. Singerman, who holds an M.F.A. in sculpture as well as a Ph.D. in Visual and Cultural Studies, is interested in the question of the artist as a 'professional' and what that word means for and about the fashioning of artists. He begins by examining the first campus-based art schools in the 1870s and goes on to consider the structuring role of women art educators and women students; the shift from the 'fine arts' to the 'visual arts'; the fundamental grammar of art laid down in the schoolroom; and the development of professional art training in the American university. Singerman's book reveals the ways we have conceived of art in the past hundred years and have institutionalized that conception as atelier activity, as craft, and finally as theory and performance.
作者简介
目录信息
读后感
用户评价
老实说，我是在朋友的强烈推荐下抱着极高的期望打开《Art Subjects》的，希望能找到一个全新的理论框架来审视我一直困惑的几个艺术哲学问题。这本书的叙事节奏非常像一部铺陈已久的史诗，开篇的铺垫极其冗长，充满了对18世纪美学思潮的宏大背景描绘。作者似乎认为，不先建立起一套坚不可摧的哲学基石，接下来的艺术分析就站不住脚。我必须承认，他引用的那些晦涩的康德和黑格尔的片段，经过他巧妙的转译后，确实点亮了我对“崇高感”的一些理解盲区。阅读过程中，我经常需要停下来，不是因为内容太难，而是因为他的句子结构异常复杂，充满了嵌套的从句和倒装，每一次读完一个长句，都像完成了一次复杂的智力体操。这种文风本身就是一种风格，一种对读者智力耐力的考验。然而，一旦进入到对具体艺术作品的讨论，这种严谨性就消散了。他对1950年代波普艺术的评价，与其说是学术分析，不如说更像是一篇充满个人偏见的评论文章，语气轻佻，缺乏应有的尊重和严谨的逻辑支撑，前后反差之大，让人不禁怀疑是不是换了两个作者在写这本书。
评分这本书最让我感到困惑的地方在于它的“定位”——它到底是一本面向专业研究者的深度专著，还是一本旨在普及基础知识的入门读物？作者在某些章节展现出的专业深度，足以让任何一个艺术史专业的本科生感到压力山大。比如，他对拜占庭时期圣像画的符号学解读，所使用的术语和假说，完全是顶尖会议的水平，我感觉自己像是偷听了两位资深教授的学术辩论。对于这些内容，我只能选择性地吸收，因为我缺乏相应的背景知识来完全消化这些信息。但紧接着，在讨论印象派的光影捕捉技术时，作者却开始使用一些非常基础的、几乎是面向中学生的描述性语言，生怕读者理解偏差。这种在“极度晦涩”和“过度简化”之间来回摇摆的写作方式，使得阅读体验像坐过山车一样刺激，但同时也让人筋疲力尽，难以把握一个稳定的认知节奏。我总是在期待下一页能带来某种连贯性，但得到的却是不断重置的难度级别。
评分从装帧和排版来看，《Art Subjects》无疑是一本制作精良的图书。纸张的质感很好，印刷的色彩还原度极高，那些需要对照的早期大师作品的插图，清晰度和细节都无可挑剔，这一点必须大力称赞。然而，内容的吸引力却像一个被过度稀释的溶液。这本书似乎把“包罗万象”作为了最高目标，试图涵盖从史前壁画到数字艺术的每一个角落，结果却是每一部分都只触及了表面。作者似乎对艺术史的每一个阶段都有一个“标准答案式”的概述，生怕遗漏了任何一个重要的“主义”或“人物”。他用了大量的篇幅来罗列和定义，却很少深入挖掘艺术作品背后真正驱动创作者的内在精神动力或社会压抑。阅读完后，我能清晰地背出许多艺术运动的时间线和代表人物名单，但内心深处，对于“艺术究竟是什么”这个终极问题，我反而感到更加迷茫了。这本书提供了一张非常详尽的地图，但地图上的标记点太多，反而遮蔽了真正值得驻足欣赏的独特风景。它更像是一份优秀的、但略显乏味的学术参考手册，而不是一次启发心智的阅读旅程。
评分哇，最近终于啃完了这本《Art Subjects》，说实话，读完之后我的感受挺复杂的，就像是爬上了一座视野开阔的高山，但山顶的风又有点过于凛冽了。这本书的内容组织方式，简直像是一位经验丰富但又略显固执的策展人在为你导览。他似乎对某个特定的艺术流派抱有近乎偏执的钟爱，让你感觉其他所有时期的作品都像是陪衬的花瓶。我特别欣赏他对某些晦涩难懂的早期文献的梳理，那部分写得极其扎实，引用的资料旁征博引，展现出作者深厚的学术功底。光是理解他如何将中世纪晚期的手稿插图与19世纪初期的浪漫主义绘画进行微妙的并置比较，就让我反复查阅了好几页笔记。然而，这种聚焦也带来了明显的局限性。当涉及到战后乃至当代艺术时，笔触明显变得草率和敷衍。仿佛作者突然失去了耐心，将这些他认为“不那么纯粹”的领域匆匆带过，很多关键性的转变和思潮仅仅是点到为止，留下了大量的疑问亟待解答。我本以为会是一场全面的艺术史漫游，结果更像是一场精准却又狭窄的定向越野，让我有些意犹未尽，总觉得错过了沿途很多同样精彩的风景。
评分这本书给我的阅读体验，简直像是在品尝一桌米其林三星大餐，但主厨显然对“甜点”环节抱着一种不屑一顾的态度。从技术层面来说，作者对古典写实主义的结构分析简直是教科书级别的典范。他拆解了文艺复兴时期大师们如何运用光影和透视来构建空间错觉的细节，那种深入骨髓的剖析，让人在翻页时忍不住想立刻拿起画笔，哪怕只是在废纸上涂鸦来验证他的理论。他对材料特性的洞察尤其令人印象深刻，比如他对不同矿物颜料在光照下随时间推移产生的化学反应的描述，简直是化学和艺术的完美联姻。我花了整整一个下午的时间，对照着书中的图例，去研究那些被反复提及的“色彩饱和度衰减”现象。但是，一旦跨入抽象表现主义的大门，文字的密度和深度就断崖式下跌了。那些关于行动绘画的心理动因分析，显得非常肤浅，更多的是重复已知结论，缺乏新颖的视角。我甚至怀疑作者是否真的花时间去“看”了那些作品，而不是仅仅在处理文本资料。这本书在“怎么画”的部分是大师，在“为什么变”的部分就显得力不从心了。
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