具体描述
""Edwin Denby was the most important and influential American dance critic of the 20th century. His reviews and essays--which he began writing in the late 1930s and continued to write for almost thirty years--were possessed of a voice, vision, and passion as compelling and inspiring as his subject. As dance critic, first for "Modern Music" and then for the "New York Herald Tribune," and as a contributor to numerous magazines and journals ("Ballet," "Dance Magazine," "Mademoiselle," and "Evergreen Review" among them), Denby permanently changed the way we think and talk about dance.This volume presents his reviews from "Modern Music" and the "Tribune" in chronological order, providing not only a picture of how Denby's dance theories and reviewing methods evolved, but also an informal history of the dance in New York from 1936 through 1945. Some of the reviews glimpse the vanished dancers and dances that were most particularly of their time. In others, Denby returns again and again to the four artists he considered exemplary: Alicia Markova, Alexandra Danilova, Martha Graham, and George Balanchine. It was Balanchine on whom Denby focused after he left the "Tribune," and all of his post-"Tribune" writings on Balanchine and the New York City Ballet are presented here in one section, providing a history of the early artistic development of the company and of Balanchine himself, while also showing Denby's most eloquent and deeply felt writing.Finally there are his post-1945 reviews, essays, and lectures on such general dance subjects as the phenomenon of a truly good leap, classicism in ballet, and dance criticism itself. Here as elsewhere in the collection, the simple elegance of his writing, its evocative power, and its extraordinary timelessness make it an essential part of our dance literature.
作者简介
目录信息
读后感
用户评价
如果要用一个词来概括这本书的精髓，我想会是“连接”。它连接了理论与实践，连接了东方与西方，更重要的是，它连接了观者与创作者的心灵。我特别喜欢作者在探讨“时间感”的那一章，他描述了舞蹈如何“拉伸”或“压缩”我们对时间的感知。我们通常认为时间是线性的，但在舞台上，一个缓慢的抬腿动作可能会被赋予比几秒钟更长的心理重量，而一连串快速的旋转反而可能在观众心中留下一片空白。这种对时间维度的精妙操控，是这本书给予我的核心洞察。此外，书中对服装、道具在构建舞蹈意象中的作用分析得也非常到位，它提醒我们，舞台上的每一个细节都是经过深思熟虑的“选择”，而非随意的点缀。这本书的价值在于，它提升了我们对舞蹈艺术的鉴赏门槛，但同时又用极其亲和的方式降低了我们进入这一领域的难度。它不是要求你成为一个舞者，而是邀请你成为一个更深刻的、更有洞察力的艺术体验者。
评分这本《Dance Writings》的封面设计就相当引人注目，那种水墨晕染的效果，带着一种古典又现代的张力，让我忍不住想一探究竟。我本来对舞蹈理论书籍抱持着一种敬畏甚至略带疏离的态度，总觉得那些文字会是晦涩难懂的术语堆砌。然而，当我翻开第一页，那种感觉就完全消散了。作者的笔触极其流畅，不是那种生硬的学术腔调，更像是和一位经验丰富、内心细腻的舞者进行一次深入的、私密的对话。书中对“身体的在场性”的探讨，尤其让我感到震撼。它不是空泛地讨论动作的技术规范，而是深入剖析了舞者在舞台上那一瞬间，如何调动记忆、情绪、以及与空间、光影之间的微妙关系。书中引用的案例并非都是那些耳熟能详的经典剧目，而是很多当代编舞家那些充满实验性和探索性的作品，这使得整本书读起来充满了新鲜感和挑战性，它迫使你跳出固有的审美框架，重新审视“美”的定义。特别是关于即兴创作的部分，作者描述了那种“意识流”状态下的肢体自发性，读着读着，我仿佛都能感受到空气中弥漫的汗水和专注的力量。这本书远超出了我对一本“理论”书籍的期待，它更像是一本打开心扉的指南，教你如何用身体去感知和表达那些无法言说的存在。
评分坦白说，这本书的深度是需要沉下心来慢慢消化的。我尝试着在通勤的地铁上阅读，结果发现效果很差，那些关于空间几何、身体动力学的描述，需要一个相对安静的环境才能被大脑充分吸收。但一旦我把它带到排练室，在观看朋友练习时对照着翻阅，效果简直是立竿见影。书中有一段对“空间叙事”的分析，描述了舞者如何通过轨迹的交叉、分离和重聚来构建一个无声的故事，当我看到朋友们实际应用这些概念时，他们原本有些散乱的走位立刻有了一种清晰的指向性，仿佛突然间被赋予了磁场。作者的叙述逻辑非常严谨，层层递进，从个体肢体语言的基础，过渡到群体构图的美学，再到对整个剧场环境的整合运用。我注意到，书中对于声音设计与肢体动作的相互作用也有独到的见解，指出音乐不仅仅是背景，更是激发身体潜能的催化剂。这本书更像是一本舞蹈家案头的“工具箱”，里面装满了如何将抽象概念具象化的精妙工具。它不是那种读完就束之高阁的书，而是会不断被翻开，被标记，被实践验证的参考书。
评分我得说，《Dance Writings》这本书有一种独特的魅力，它成功地在“学术严谨性”和“人文关怀”之间找到了一个完美的平衡点。许多舞蹈理论书籍读起来让人感觉像是在啃石头，充满了艰涩的术语和难以消化的抽象概念，但这本书的语言却是充满诗意的。例如，作者在描述身体的“脆弱性”时，他没有去探讨解剖学的弱点，而是着墨于舞者在完成高难度动作时，那一瞬间对自身控制力可能失衡的内在恐惧和信任。这种对舞者心理层面的深入挖掘，极大地丰富了我对舞蹈艺术的理解。我感觉作者非常尊重舞台上的每一个元素，包括那些“不完美”的瞬间。书中提到了“残缺之美”的编排手法，主张拥抱动作边缘的模糊地带，而不是一味追求光滑完美的表面。这对我个人在艺术创作上的启发非常大——接受不确定性，反而能带来更强的生命力。整本书的阅读体验非常享受，它就像一位知心的导师，在你迷茫时提供清晰的地图，在你得意时提醒你保持谦卑和探索的欲望。
评分读完这本书，我最大的感受是，它提供了一种全新的“观看”语言。以往我欣赏舞蹈时，或许更多关注的是编排的复杂性、技巧的难度，但这本书让我学会了如何去“听”舞者的呼吸，去“感受”他们与地面接触时的重量感。其中有一章节专门分析了不同文化背景下的身体姿态，比如东方传统戏曲的程式化与西方现代舞中对重力对抗的执着之间的差异，分析得极其精辟。它没有简单地做优劣评判，而是指出每一种姿态背后所蕴含的世界观和哲学基础。这使得我在观看任何一场演出时，都会下意识地去寻找那些潜藏在动作背后的文化基因。文风上，这本书的作者似乎非常擅长使用类比和隐喻，他会把复杂的运动学概念比作河流的蜿蜒、山脉的起伏，使得原本冷冰冰的理论瞬间变得有温度、有画面感。我尤其欣赏作者在讨论“暂停”的力量时所用的笔墨，他认为在舞蹈中，静止往往比快速运动更需要技巧和勇气，因为那意味着将所有的能量压缩、蓄力，等待下一次的爆发。这本书对我的影响是深远的，它让我不再是一个被动的观众，而是成了一个积极的解读参与者。
评分 评分 评分 评分 评分
