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出版者:辽宁美术

作者:张彦

出品人:

页数:108

译者:

出版时间:2008-1

价格:44.00元

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isbn号码:9787531439899

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中国山水画教学：笔墨山河，心境流转 中国山水画，作为中华民族传统艺术的瑰宝，历经千年洗礼，凝聚着古人的哲学思考、人文情怀与对自然宇宙的深刻理解。它不仅仅是对景物外形的描摹，更是对精神境界的抒发，是对生命哲学的观照。本书《中国山水画教学》旨在带领读者，循序渐进地走进这片博大精深的艺术天地，从基础的点、线、皴、擦、染，到构图的山势起伏、云水的变幻、树木的姿态，再到意境的营造，力求呈现一堂系统而全面的山水画入门课程。 第一章：墨韵初探——笔墨基础的修炼 山水画的灵魂在于笔墨。本章将从最基础的笔墨训练入手，引导读者理解“笔”与“墨”的内在联系与表现力。 笔法之要： 强调执笔的正确姿势，腕、肘、肩的配合，以及不同角度、力度对线条质感的影响。我们将详细讲解“点”的丰富变化，如圆点、扁点、豆点、侧点等，如何用点来表现山石的肌理、草木的生动。接着，重点在于“线”，介绍“十八描”等经典用笔技法，如高古游丝描、铁线描、折带描、马牙描等，分析它们在表现不同形态的山石、树木、屋宇时的独特效果。每一根线条都蕴含着情感与力量，我们将通过反复练习，让读者体会线条的力度、速度、节奏和变化，使其成为表达情感的载体。 墨法之妙： 墨是中国画的“五色”，其浓淡干湿的变化，能够创造出无穷的视觉效果。本章将深入浅出地讲解“墨分五色”，即焦、浓、重、淡、清，以及“墨气”的概念。我们将示范如何通过“积墨法”、“破墨法”、“宿墨法”等技法，表现山石的层峦叠嶂、云雾的缥缈朦胧、水面的波光潋滟。理解墨的“质感”，是表现对象立体感和空间感的关键。干墨的苍劲，湿墨的润泽，焦墨的凝重，淡墨的轻灵，都将通过实例解析，让读者得以领略。 皴法入门： 皴法是中国山水画表现山石结构和质感的独特语言。本章将系统介绍几种最常用的皴法，如披麻皴、斧劈皴、解索皴、米点皴、云头皴等。每种皴法都源于对自然山石形态的提炼与概括，我们将详细讲解它们的起源、特点、运笔要领以及在不同山体结构上的应用。通过临摹经典的皴法范例，如董源的“披麻皴”，范宽的“大斧劈皴”，米芾的“米点皴”，让读者掌握表现山石不同凹凸、纹理和年代感的技巧。 第二章：营山构水——山水画的骨架与血脉 山水画的“山”与“水”，是画面的主体，也是画面的灵魂。本章将着力于构图和元素的组合，让读者学会如何搭建起画面的骨架，注入流动的血脉。 山势的起伏与全形： 山石是山水画的骨骼，其形态的变化千变万化。本章将讲解如何观察和表现山的基本形态，如峰峦、岗岭、谷地、悬崖等。我们将讨论“三远法”，即高远、深远、平远，如何运用不同的视角来表现山体的宏伟与奥行。通过对不同山体肌理的分析，如峻峭的山峰、浑圆的山丘，学习如何运用皴法和墨法来准确地刻画。同时，我们将强调“应物象形”的原则，即在写实的基础上进行艺术提炼，创造出既有现实感又不失个性的山体形象。 云水的姿态与变化： 云水是中国山水画的灵动之源，它们赋予画面呼吸感和生命力。本章将详细讲解如何表现不同形态的云，如聚散、厚薄、翻卷、飘逸等。我们将介绍“云头皴”等表现云的技法，以及如何运用留白来营造云雾的空灵感。对于水，我们将探讨江河、湖泊、瀑布、溪流等不同形态的水体，学习如何通过墨色的浓淡、笔触的疾徐来表现水的流动性、力量感和宁静感。留白与墨色的结合，将是表现水面波光与深度感的关键。 树石的组合与点缀： 树木是点缀山水的重要元素，它们能增添画面的生机与层次。本章将讲解不同种类树木的画法，如松树、柏树、杂树等，以及如何表现它们的姿态、质感和季节特征。我们将结合树木的画法，讲解如何将树木与山石巧妙地组合，形成掩映、呼应、点缀的效果。同时，介绍各种“点景”元素，如房屋、小桥、行人、渔舟等，它们不仅是构图的辅助，更是营造生活气息和人文情怀的重要手段。 第三章：意境营造——诗情画意的升华 中国山水画的最高追求在于“意境”。本章将引导读者超越技法的束缚，去体会和创造画面背后深邃的精神内涵。 虚实相生，留白之妙： “虚”是中国山水画不可或缺的组成部分，它通过留白来表现空间的无限与意象的深远。本章将深入探讨“虚实相生”的艺术原理，如何利用空白来衬托实景，烘托氛围，激发观者的想象。留白不仅仅是空白，它是有生命力的“气”，是构成画面意境的重要元素。我们将学习如何通过构图的疏密、景物的取舍来达到虚实相生的效果。 以形写神，情感寄托： 山水画并非仅仅是对自然景物的再现，更是画家“胸中丘壑”的抒发。本章将强调“以形写神”的创作理念，即在形体之中注入情感与精神。我们将分析历代名家作品，如何通过笔墨的挥洒、构图的经营，将个人的情怀、对自然的感悟融入画中。读者将被鼓励在练习中，去观察、去感受，去寻找自己内心与山水之间的共鸣，并尝试将这份情感通过笔墨表达出来。 诗画结合，情景交融： 中国山水画与诗歌有着天然的联系。本章将介绍如何将诗歌的意境与山水画的视觉语言相结合。我们会引导读者思考，如何将一首诗中的意象、情感转化为山水画的构图和笔墨。例如，李白《望庐山瀑布》中的“飞流直下三千尺，疑是银河落九天”，如何用泼墨、淋漓的笔触表现瀑布的壮观与磅礴。诗画结合，能够使山水画更具文学色彩和人文深度，成为“无声的诗”。 第四章：名家传承与风格探索 了解历代山水画大师的创作理念和艺术风格，是学习山水画的重要途径。本章将选取历代山水画的经典作品，进行深入的解析。 北宗与南宗的演变： 简要介绍中国山水画历史上“北宗”与“南宗”的艺术流派及其代表人物，如李思训、李昭道的“金碧山水”，以及王维、董源、巨然等人的“水墨山水”。分析它们在笔墨、色彩、题材上的不同特点。 宋元名家的范式： 重点解析如范宽、郭熙、李唐、赵孟頫、黄公望、倪瓒等大家的作品。从他们的构图、皴法、用墨、意境等方面，学习他们如何处理山石的体积感、空间的深远感以及画面的气韵生动。 明清及近现代的创新： 介绍沈周、文徵明、董其昌、石涛、八大山人、黄宾虹、傅抱石、李可染等大家在继承传统基础上的创新与发展。分析他们如何形成独特的个人风格，如何将时代精神融入山水画创作。通过临摹与赏析，让读者在借鉴名家经验的同时，逐渐形成自己的艺术判断力。 本书的编写，力求在传统技法讲解与艺术理念的传达之间取得平衡。每一章的理论讲解，都配以大量的图例示范，力求清晰易懂。我们鼓励读者在理论学习的同时，动手实践，反复临摹，从模仿到借鉴，最终走向创作。中国山水画的学习，是一场与自然的对话，一场与心灵的对话。愿本书能成为您在这段旅程中的良师益友，陪伴您一同描绘出属于您自己的心中山河。

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这本《中国山水画教学》的出现，简直是为我这样身处都市，却对传统艺术有着深深向往的业余爱好者打开了一扇窗。我一直以为山水画是那种高高在上、需要深厚功底才能触及的领域，但这本书的编排方式彻底颠覆了我的看法。它不像许多教科书那样堆砌理论，而是采取了一种非常循序渐进的“影子跟随”模式。比如，在讲“皴法”时，作者不是简单地列举李唐、马远的不同风格，而是细致到用放大镜观察每一笔的力度和走向，配上了极其清晰的步骤图解，甚至连笔锋的提按顿挫都标注得一清二楚。我印象最深的是关于“点苔”的章节，书中用生动的比喻将苔点比作画面的“呼吸点”，强调了其在整体构图中的节奏感和韵味，而不是单纯的装饰。这种深入浅出的讲解方式，让我这个初学者也能很快抓住核心，拿起笔就有方向感。尤其是对于墨色的层次处理，书中探讨了如何通过水分的控制，在一张纸上呈现出“万仞深谷”的立体感，这种对媒介特性的精准把握，远超我之前阅读过的任何资料。它更像一位耐心且技艺精湛的老师，手把手地把我从迷茫中拉出来，引向了对中国写意精神的初步领悟。

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这本书最让我感到惊喜和实用的部分，是它对于工具材料的细致讲解，这一点在很多山水画教材中常常被一带而过。作者投入了相当大的篇幅来阐述不同产地的徽墨、宣纸（生、熟、半生熟）的特性，以及它们在实际作画中对墨色的影响。书中甚至有一章专门讨论了“笔的选择与保养”，不仅仅是毛笔的种类区分，还涉及了如何根据不同的皴法要求，在作画前对笔锋进行“调和”和“蓄墨”的技巧。这一点对于追求细节控制的画者来说，是至关重要的实战经验。例如，作者细致描述了如何通过控制笔肚的含水量和毛笔的硬度，来区分画出岩石的粗粝感与水面的光滑感。这种对“物性”的深刻理解，体现了作者深厚的实践功底。它让我意识到，山水画的精髓不仅仅在于手腕的控制，更在于对工具材料的尊重与驾驭。这本书真正做到了将“笔墨纸砚”这四大要素，从抽象的概念转化为具体的、可操作的实践步骤，让学习者能更有效地提升自己的硬件基础。

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作为一名美术史专业的学生，我对任何关于传统艺术的再解读都抱有审慎的态度。坦白讲，初看《中国山水画教学》时，我略感失望，因为它似乎过于“服务于大众”，在对传统笔墨语言的传承上显得有些保守和程式化。例如，书中对于董源“披麻皴”的描绘，虽然准确记录了用笔的形态，却未能充分探讨其在特定历史时期反映的江南湿润气候和文人士大夫的闲适心境。它提供的范例大多是经过提炼和简化的“标准式”画法，虽然易于模仿，但对于理解不同流派画家如何突破既定范式，实现个人风格的独创性，探讨得不够深入。我更希望看到一些关于“误笔”和“变法”的案例分析，即伟大的画家是如何在无意中创造出新的技法，以及这些技法背后蕴含的文化语境。这本书更像是对已成定论的技法进行了一次详尽的梳理和固化，而非一次对传统的创新性激活。对于希望深入研究中国山水画发展脉络和流派差异的读者，可能会觉得其在学术深度上有所欠缺。

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拿到这本书时，我的第一感受是它的装帧和纸张质量非常考究，这对于研究绘画技法来说至关重要，因为颜色的还原度和墨色的渗透性直接影响学习效果。然而，如果仅从内容深度来看，我个人认为它在探讨中国山水画的哲学意境构建上略显单薄，更侧重于“术”的层面，而对“道”的阐释稍有不足。比如，在介绍“卧游山水”这一概念时，作者虽然提到了文人画的审美取向，但对于如何将个人的生命体验和对宇宙万物的感悟融入笔端，书中提供的引导性练习相对较少，更多的是模仿既有范本。我期待的是，能够有更深入的章节去剖析宋代全景式山水与元代侧重写意的精神转变，以及这种转变如何影响了后世画家对“气韵生动”的理解。虽然书中对于如何画出云雾缭绕的缥缈感有独到的解析，但这些技巧似乎并未完全与画家本人的心境建立起牢固的桥梁。它更像是一本非常实用的工具书，适合打基础，但对于希望达到艺术升华层次的进阶学习者来说，可能需要搭配其他更具思辨性的著作一同研读，以求得技与道的平衡发展。

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这本书的结构安排非常具有现代教育学的思维，它不是简单地按照“点、线、面”的顺序推进，而是巧妙地将山水画的元素拆解为若干个可以独立攻克的模块。我特别欣赏它对“章法布局”这一块的详细论述。以往我学习山水画，总觉得布局是靠悟性，难以言传，但此书却将构图归纳为“三远法”（高远、深远、平远）的实际应用场景，并结合不同题材（如瀑布、松石、高山）给出了具体的黄金分割点和视觉引导线。书中配有大量对比图，展示了同一组元素，仅仅通过改变视点（如从溪边仰视、从山顶俯瞰），便能产生截然不同的空间感受和情感张力。这种分析性的拆解，极大地降低了初学者对复杂场景的畏惧感。此外，书中对“留白”的处理也进行了深入的探讨，指出留白不仅是未画之处，更是“气”的流动空间，这一点对于追求意境的画者来说，是极为宝贵的指引。可以说，这本书成功地将传统绘画中的“玄机”转化为可学习、可实践的“方法论”。

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