《美国音乐剧对欧洲说NO》主要内容包括:欧美歌舞思潮的孕育、欧美歌舞思潮的分流、音乐喜剧:对本土自主品牌的探索、《演艺船》:催生美国歌舞剧最高美学标准、完善标准继续寻梦、R&H叙事音乐剧美学标准的最终确立等等。
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这本书的文字风格极为华丽,充满了文学性的比喻和戏剧性的转折,初读之下,颇有一种阅读十九世纪小说般的沉浸感。作者对于舞台场面的描绘达到了“声光色俱佳”的境界,他能够用寥寥数语勾勒出一幕宏大场景的视觉冲击力,比如对“战后复苏”时期百老汇舞台灯光运用的描述,充满了对光影艺术的痴迷。然而,这种文学化的倾向也带来了一个小小的弊端:有时会觉得作者过于沉醉于文字的精妙,而稍微忽略了对历史事件的清晰梳理。有些关键人物的背景介绍得比较简略,对于不熟悉音乐剧发展史的读者来说,理解其重要性可能需要查阅其他资料。尽管如此,本书在探讨“艺术性”与“商业性”之间的永恒拉扯时,表现出了极高的水准,它揭示了美国音乐剧如何在追求市场成功的同时,不断向严肃艺术靠拢的艰难历程。
评分我读完这本书后,最大的感受是作者在挖掘“美国精神”在舞台艺术中体现时的那种执拗和热情。他似乎对任何带有欧洲古典主义色彩的痕迹都抱有一种审慎的批判态度,即便这种批判是间接的,是通过强调本土创新来完成的。书中对特定流派——比如“摇摆乐时代”音乐剧的分析尤为精彩,作者用近乎于音乐鉴赏专家的口吻,细致剖析了节奏和和声是如何从爵士乐中汲取养分,并最终形成一种区别于柏林或维也纳风格的独特“律动”。这种对“本土化”的坚定立场,让阅读过程充满了辩论的张力。我甚至能想象到作者在书房里,面对着那些欧洲古典乐谱时,那种既敬畏又试图超越的复杂情感。整本书读下来,像是在参加一场关于身份认同的漫长对话,虽然没有明确的结论,但其引发的思考是极其深刻和发人深省的。
评分坦白说,这本书的学术价值或许不如其作为一部文化观察手记来得引人入胜。它更像是一位深谙舞台内幕的观察者,以一种非常个人化的视角,记录下了百老汇从默默无闻到声名鹊起的那些“高光时刻”与“至暗时刻”。书中对几位关键编剧与作词家的关系描摹得入木三分,那些嫉妒、合作、背叛的故事,比任何虚构的剧本都来得更加跌宕起伏。这种对“人”的关注,使得原本枯燥的历史叙事变得鲜活起来。我特别喜欢其中关于“美国观众审美变迁”的讨论,作者通过分析不同时期最卖座剧目的主题倾向,勾勒出了美国大众心态的微妙变化,这是一种宏观的社会学观察,却被巧妙地融入到对具体艺术作品的分析之中。全书的节奏把握得张弛有度,读起来酣畅淋漓,让人对这个舞台艺术门类的生命力充满了由衷的敬佩。
评分这本书的结构布局实在有些跳跃,它更像是一本剪贴簿,而非一部严谨的学术著作。其中穿插了大量的访谈摘录和舞台设计草图的描述,使得阅读体验充满了惊喜,但也时常让人感到一丝迷失。某些章节的侧重点明显偏向于技术层面,比如对麦克风技术革新如何影响歌唱风格的分析,这部分内容对于我这种只是偶尔欣赏音乐剧的普通爱好者来说,显得有些过于专业和冗长。然而,在描述那些特定时期的社会文化背景时,作者的笔力又显得异常老练。他巧妙地将社会思潮——比如对工业化和城市化的反思——融入到对音乐剧主题的探讨中,让人意识到这些舞台表演绝不仅仅是简单的娱乐消遣,而是特定时代精神的折射。尽管内容缺乏连贯的线性逻辑,但正是这种碎片化的叙事,反而营造出一种真实的历史厚重感,仿佛是后人从大量的档案中抢救出来的珍贵片段,每一页都散发着时光的味道。
评分这本书的叙事方式非常独特,它没有采用传统传记的平铺直叙,而是像一部舞台剧的幕后花絮集锦。作者似乎对音乐剧历史的脉络有着极其敏锐的洞察力,他总能精准地捕捉到那些关键性的转折点,比如某个关键作曲家与制作人之间的激烈冲突,或是某部作品在首演之夜遭遇的冰火两重天。我尤其欣赏他对早期百老汇黄金时代的描绘,那些文字充满了活力和一种近乎于新闻报道的现场感。读起来,我仿佛能闻到老剧院里厚重的地毯气味,听到乐队在幕布后紧张的调音声。虽然书中并未直接探讨美欧之间的音乐风格分野,但通过对具体作品的解构,我能感受到一种强烈的本土化驱动力,那种“美国制造”的特质是如何在创作手法、主题选择上与欧洲传统的歌剧和轻歌剧拉开距离的。作者的文字功底深厚,遣词造句之间流露出对艺术形式的尊重与热爱,即使是描述那些充满争议和失败的作品,也有一种令人信服的专业性,让人忍不住想去探究一下那些被历史尘封的细节。
评分普及基础知识不错
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评分图文并茂,理论很有见地
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