美术研究方法与论文写作 pdf epub mobi txt 电子书下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:高等教育

作者:周绍斌

出品人:

页数:232

译者:

出版时间:2008-1

价格:21.00元

装帧:

isbn号码:9787040214543

丛书系列:

图书标签:

论文写作
艺术理论
000
美术史
美术理论
研究方法
学术写作
论文写作
艺术研究
视觉文化
艺术教育
高等教育
艺术评论

下载链接在页面底部

facebook linkedin mastodon messenger pinterest reddit telegram twitter viber vkontakte whatsapp 复制链接

想要找书就要到图书目录大全

book.wenda123.org

立刻按 ctrl+D收藏本页

你会得到大惊喜!!

具体描述

《美术研究方法与论文写作》的主要内容分为三个部分，美术研究的学科性质与范畴、美术研究的学术阅读与思维、美术研究的学术论文与写作，各部分之间具有密切的有机联系，注重在学科知识、文献阅读、思维方式、研究表现等方面建立完整的课程体系。同时《美术研究方法与论文写作》注重课堂教学的可操作性，将讲授与阅读、问题与讨论、研究与写作相互结合，培养学生的美术学科知识、美术问题思维、美术文献阅读、美术论文写作等理论素质与实践能力。

光影流转：西方艺术史的宏大叙事与微观审视内容简介本书旨在为艺术爱好者、专业学生以及对西方视觉文化发展脉络抱有浓厚兴趣的读者，提供一套系统、深入且兼具批判性思维的导览。我们不探讨具体的“美术研究方法”或“论文写作规范”，而是专注于对西方艺术史进行一次全面的、分阶段的梳理与解析，侧重于艺术作品背后的社会语境、哲学思潮以及技术革新如何共同塑造了我们今日所见的艺术面貌。本书将西方艺术史划分为几个核心阶段，并对每个阶段的代表性艺术运动、关键艺术家及其作品进行细致入微的分析。我们的核心叙事围绕着“观念的演变”和“观看方式的革命”展开。 --- 第一部：古典的奠基与中世纪的信仰（公元前500年 – 14世纪）本部分首先追溯艺术的源头，从古希腊对“理想美”的数学化追求，探讨其在雕塑和建筑中如何确立了西方艺术的基本范式——对比例、和谐与人体的极致关注。我们分析了古典艺术如何服务于城邦政治与神祇崇拜，并详细阐述了这种理想主义如何被罗马帝国继承并发扬光大，尤其是在纪念性建筑和肖像艺术中体现出的权力表达。随后，叙事转向中世纪的漫长时期。这里，艺术的中心主题从“人”转向“神”。我们将深入剖析拜占庭的神圣光芒（Iconography）艺术，及其对平面化、符号化表达的坚持，这是一种超越尘世现实的视觉语言。接着，我们进入罗马式和哥特式艺术的转型期。哥特式大教堂不再仅仅是石制的堡垒，而是对“天堂之城”的物质化呈现。我们考察飞扶壁、肋拱和彩色玻璃如何共同创造出一种光线作为神性载体的革命性空间体验，并分析圣经故事如何通过复杂的图像叙事（如壁画、镶嵌画）向不识字的民众进行传达。 --- 第二部：文艺复兴的觉醒与巴洛克的激情（15世纪 – 18世纪初）文艺复兴是西方艺术史上一次意义重大的“回归”与“超越”。我们聚焦于意大利的佛罗伦萨和罗马，剖析人文主义思想如何促使艺术家重新审视古典遗产，并融入先进的科学知识。本章的重点在于透视法的发明与应用，这不仅是一种技术进步，更是观看者中心主义（Subjectivity）崛起的标志。达·芬奇的“晕涂法”（Sfumato）、米开朗基罗对人体力量的表达，以及拉斐尔的和谐构图，共同构建了一个以人为本、理性与情感并重的视觉世界。进入16世纪晚期， Mannerism（矫饰主义）作为对完美古典主义的反叛登场，它通过拉伸、扭曲和不和谐的色彩预示了即将到来的剧变。巴洛克艺术则标志着艺术从宫廷和宗教的稳固服务中解放出来，成为情感震撼和戏剧张力的工具。在罗马，卡拉瓦乔的“强光主义”（Tenebrism）如何以近乎电影化的光影对比，将圣徒的瞬间体验提升到凡人的高度，引发观众强烈的同情与代入感。在佛兰德斯，鲁本斯的生命力和动态构图展现了巴洛克在描绘世俗力量和感官愉悦方面的能力。与此同时，我们也会审视荷兰黄金时代的艺术——伦勃朗和维米尔如何通过对日常光线的精妙捕捉，将市民阶层的肖像画、风俗画推向了前所未有的高度，完成了艺术对中产阶级生活美学的首次深刻回应。 --- 第三部：启蒙、革命与现代的开端（18世纪中叶 – 19世纪末）启蒙运动对理性与秩序的推崇催生了新古典主义，它试图以古罗马共和国的道德典范来规范法国大革命前后的社会风气。大卫的作品成为了那个时代政治理想的视觉宣言。然而，对情感、直觉和自然力量的回归呼声，迅速引发了浪漫主义的浪潮。本章深入探讨了浪漫主义艺术家如何挑战既定的规则，将主观体验、异域风情和崇高（Sublime）的概念引入画面。德拉克洛瓦的色彩交响与戈雅对人类非理性黑暗面的揭示，展示了艺术如何从客观描述转向对内在世界的探索。 19世纪中叶，工业革命和城市化进程对艺术产生了根本性冲击。现实主义的兴起，如库尔贝对泥土和劳动者朴素描绘，是艺术首次明确拒绝为贵族或神灵服务，转而关注“此时此地”的真实生活。随后的印象派是对摄影技术挑战和光线科学研究的回应。莫奈、雷诺阿等人走出画室，捕捉瞬间的光影变化，他们对笔触的解放和色彩的纯化，是现代艺术对传统再现功能的一次彻底的颠覆。后印象主义——塞尚对结构几何的还原、梵高对情感色彩的运用以及高更对异域象征的追求——为20世纪的抽象艺术铺设了最终的道路。 --- 第四部：现代性的冲击与艺术的边界扩展（20世纪至今）进入20世纪，艺术不再寻求模仿外部世界，而是开始质疑艺术本身。野兽派的纯粹色彩、立体主义对多重视角的空间解构，以及未来主义对速度与机械的颂扬，标志着传统美学体系的全面崩溃。两次世界大战的创伤催生了达达主义的荒谬与超现实主义对潜意识的挖掘。杜尚的“现成品”（Readymade）挑战了艺术品的定义，迫使观众思考：“什么是艺术？谁来决定？” 抽象表现主义（Action Painting）将艺术创作的“过程”提升到与“结果”同等重要的地位，强调艺术家的身体性与存在感。而波普艺术则以其戏仿和对大众文化的挪用，模糊了高雅艺术与通俗文化之间的界限。本书的最后部分将考察当代艺术的多元化趋势，包括极简主义对形式和材料的纯粹探讨、观念艺术对媒介的消解，以及装置艺术和大地艺术对传统画廊空间的突破。我们将探讨在数字时代，艺术如何应对全球化、身份政治和新技术带来的复杂挑战，持续地重塑我们理解世界的方式。本书力求通过对上述脉络的细致梳理，帮助读者建立起一个坚实的、跨越时空的西方艺术史框架，理解每一件杰作都是其时代文化、技术与思想交汇的产物。