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《十一五规划教材·计算机网络原理(第3版)》以网络协议模型为线索，结合网络研究的主要领域详细地介绍了计算机网络的基本概念及数据通信的基本原理，并给出了大量的实例。在系统介绍局域网、广域网及Internet网络的基本原理的同时，还融合了大量近年来网络发展的最新及热点技术，例如ADSL、WLAN、蓝牙网络、安全及管理、多媒体技术等。
《十一五规划教材·计算机网络原理(第3版)》内容新颖、概念准确、深入浅出、图文并茂。在突出计算机网络的基本概念和原理的基础上，与实用网络技术相结合，并力图反映计算机网络技术的最新发展。
现代数字艺术的视觉叙事：光影、色彩与形式的交织 图书名称： 现代数字艺术的视觉叙事：光影、色彩与形式的交织 图书简介： 本书深入探讨了二十一世纪以来，数字技术如何彻底重塑了艺术创作的边界与美学范式。它并非聚焦于技术工具的简单罗列，而是致力于解析数字媒介在艺术表达中扮演的本体论角色及其带来的叙事革命。本书旨在为艺术创作者、评论家以及对当代视觉文化感兴趣的读者，提供一个理解数字艺术复杂性的理论框架和实践参照。 第一部分：范式转移——从模拟到数字的审美重构 本章首先回顾了数字艺术的起源，从早期的计算机图形学探索到后来的媒介融合趋势。我们着重分析了“像素”这一基本单元如何取代了传统绘画中的笔触和肌理，成为构建数字图像的原子结构。 1. 数字化对“真实性”的挑战： 数字复制的无限性如何消解了原作的“灵光”（Aura）？我们通过分析超写实主义渲染（Hyperrealism Rendering）和生成对抗网络（GAN）的成果，探讨了何为“新的真实”——一种由算法构建的、可操作的虚拟真实。 2. 媒介的透明性与物质性： 传统艺术媒介拥有内在的物质属性（如画布的粗糙、颜料的厚度）。数字媒介的“透明性”——信息的即时传输和屏幕的物理限制——如何影响了观众的感知体验？本节详述了显示技术（如OLED、MicroLED）在颜色深度和动态范围上对艺术表达的制约与解放。 3. 时间性与交互性： 数字艺术的一个核心特征是其对时间的接纳和对观众的邀请。静态图像的时代逐渐被动态的、可干预的装置和互动叙事所取代。我们将深入研究实时渲染（Real-time Rendering）在创造沉浸式环境中的关键作用。 第二部分：光影的算法语言——构建虚拟世界的物理学 光影是视觉艺术的永恒主题，但在数字环境中，光线不再是自然现象，而是通过复杂的数学模型和渲染方程来“计算”出来的。 1. 渲染方程的哲学含义： 本部分详细解析了光线追踪（Ray Tracing）和路径追踪（Path Tracing）背后的物理学基础。理解这些算法，即是理解数字艺术家如何“编写”光的行为，从而构建出具有说服力的三维空间。我们探讨了次表面散射（Subsurface Scattering）如何使数字皮肤具有生命感，以及全局光照（Global Illumination）如何定义空间的氛围。 2. 色彩空间的超越： 从传统的RGB到更广色域的HDR（高动态范围）色彩管理，数字技术如何扩展了艺术家对色彩的调配能力？我们分析了不同色彩空间在跨平台显示中的一致性问题，以及艺术家如何利用色彩的饱和度、色调和明度来引导观众的情绪反应。 3. 噪点、瑕疵与数字美学： 在追求完美渲染的道路上，刻意引入的“噪点”（Noise）、“抖动”（Dithering）或“故障艺术”（Glitch Art）反而成为一种独特的叙事手法。这些数字世界的“瑕疵”如何被挪用，以表达对技术异化或信息过载的反思？ 第三部分：形式的生成与解构——算法驱动的结构美学 数字工具赋予了艺术家超越手工限制的结构塑造能力，这体现在参数化设计、分形几何和复杂系统模拟上。 1. 参数化设计与生成艺术（Generative Art）： 本章重点分析了艺术家如何通过编写规则（算法）而非直接绘制来“生长”出复杂的视觉结构。从早期的L-系统到现代的节点式编程环境（如Houdini、Grasshopper），生成艺术揭示了隐藏在看似随机现象背后的秩序。我们将剖析分形几何（Fractals）在数字景观和抽象雕塑中的应用。 2. 体积与拓扑的重塑： 传统雕塑受限于材料的张力，而数字雕塑（3D建模）则可以轻易探索非欧几何和拓扑学的概念。我们考察了体素（Voxel）渲染与多边形网格（Polygon Mesh）在表达形式复杂性上的优势与劣势，以及点云数据（Point Cloud Data）如何被用于记录和重建现实世界的形态。 3. 动态形变与时间中的形态： 运动图形（Motion Graphics）和3D动画不再仅仅是描绘动作，而是成为了探索形式随时间演变的实验室。本书将分析非线性编辑和动力学模拟如何使静态形式获得生命，例如，流体模拟、布料解算和粒子系统如何转化为抽象的视觉诗篇。 第四部分：数字叙事的维度——沉浸、互动与后人类的景观 数字艺术的最终目标往往是构建一个可供体验的世界，而非仅仅是观看一件作品。 1. 虚拟现实（VR）与扩展现实（XR）中的在场感： 沉浸式技术如何改变观众与艺术品的空间关系？本书探讨了“在场感”（Presence）的心理学基础，以及艺术家如何利用头部追踪、触觉反馈等技术来操纵观众的身体感知和叙事体验。 2. 数据可视化作为艺术表达： 当数据成为一种新的“材料”，艺术家如何从信息的洪流中提取美学意义？我们考察了将大数据流、传感器输入或生物反馈转化为可感知的视觉形式的艺术实践，揭示了隐藏在数字背后的人类活动和系统结构。 3. 代码、策展与所有权： 在一个作品可以被无限复制和修改的时代，代码本身是否成为了艺术品的“原作”？我们探讨了基于区块链技术的数字艺术（NFTs）对艺术品稀缺性和价值体系的冲击，以及策展人在数字生态中面临的新挑战。 本书集合了对技术原理的严谨分析和对当代艺术思潮的深刻洞察，旨在引导读者超越表面的视觉冲击，理解驱动现代数字艺术的核心逻辑、美学追求与哲学思考。
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