戏剧怎是讲演录 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:湖南教育

作者:邹元江

出品人:

页数:531

译者:

出版时间:2007-12

价格:47.00元

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isbn号码:9787535553645

丛书系列:名校名师名课实录

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漫谈古典文学的魅力：从诗经楚辞到唐诗宋词的流变与演进 本书旨在以一种亲切而深入的方式，带领读者领略中国古典文学的博大精深与独特魅力。它并非一部冰冷的学术专著，而更像是一场与古代文人心灵的深度对话，一次穿越时空的审美之旅。 在浩瀚的中华文化长河中，文学始终是照亮前路的璀璨星辰。本书从最早的文献源头——《诗经》的质朴浑厚，一路追溯至晚唐五代的多元风貌，系统梳理了古典文学在不同历史阶段所呈现出的审美特征、艺术成就及其背后的社会文化意蕴。我们聚焦于那些奠定中国文学基调的关键文本，探讨它们如何在时代洪流中相互影响、不断革新，最终汇聚成我们今天所见的壮丽景观。 第一部：源头活水——先秦文学的奠基与开端 第一章：风土的歌谣：《诗经》的现实主义精神与四言之美 《诗经》是中国文学的滥觞，它以其朴素的语言、鲜明的情感和对民间生活的深刻关怀，构筑了中国诗歌最初的审美范式。本章将深入剖析“赋、比、兴”三大表现手法在《诗经》中的运用，探讨周代礼乐制度对诗歌内容和形式的制约与塑造。我们将不再仅仅停留在对篇章的表面解读，而是探究《国风》中那些关于劳作、爱情与战争的底层叙事，如何体现出早期人民朴素的生命哲学。特别是对“重章叠句”这一结构艺术的分析，揭示其在增强音乐性和情感渲染上的独特效力。 第二章：浪漫的绝唱：楚辞的想象力与骚体之创 与北方《诗经》的内敛写实相对，南方的楚辞以其奔放的想象、瑰丽的辞藻和强烈的个人情感表达，开创了中国文学史上浪漫主义的先河。本章将重点解析屈原的“香草美人”象征体系，阐释其如何将个人的政治抱负与神话传说熔于一炉。我们会详细考察《离骚》的宏大结构、奇特的词汇运用，以及对神游、求索的描绘，如何为后世的浪漫主义文学，包括魏晋的玄学诗歌和唐代的山水田园诗提供了丰富的想象资源。 第三章：诸子散文的哲思：春秋战国的百家争鸣 文学的范畴在先秦时期并不仅限于诗歌。诸子百家的论辩之文，以其严密的逻辑、生动的比喻和强烈的辩证力量，成为了散文艺术的典范。本章将对比孔孟老庄的论述风格：孔孟的语言平实而富有感染力，如行云流水般阐明义理；而老庄的语言则更加精炼、充满悖论和玄思，擅长以寓言和反诘来引发读者深思。这种对说理艺术的精湛掌握，为后世的史传文学和政论文学定下了基调。 第二部：汉魏风骨——诗赋的嬗变与格律的萌芽 第四章：汉赋的铺陈与辞藻的盛宴 汉代文学的标志性文体是赋。本章将剖析汉赋如何从楚辞的抒情传统中发展出铺陈夸饰、极尽工巧的宫体气象。我们将以司马相如的《子虚赋》和扬雄的《羽猎赋》为例，探讨赋体如何服务于帝王权力的颂扬，以及在结构上如何追求宏大叙事和百科全书式的描摹。同时，也会关注到后期汉赋中开始出现的对社会现实的微弱批判，以及它为唐代律诗和骈文在句式对仗上的规范化所做的准备工作。 第五章：建安风骨：从民间疾苦到慷慨悲歌 汉末的社会动荡，催生了建安文学的独特精神——“慷慨悲歌”。曹氏父子（曹操、曹丕、曹植）及其“建安七子”将文学从宫廷的繁文缛节中解放出来，注入了对人生短促、时局艰危的深沉感叹。本章重点分析他们如何摆脱汉赋的繁复，回归到相对质朴、情感充沛的五言诗形式，奠定了中国叙事抒情诗的基调。曹植的“七步成诗”及其作品中对个人命运的哀叹，是这一时期文学转向的重要标志。 第六章：魏晋风度与山水诗的兴起 魏晋时期，玄学的兴盛与士族的崛起，使得文学审美转向了对个体精神自由的追求。本章将探讨“竹林七贤”及其对自然与隐逸的向往，如何为山水田园诗的成熟提供了土壤。陶渊明是绕不开的关键人物。我们将详细分析陶诗如何以“平淡”入笔，却蕴含“冲和”之境，其“采菊东篱下”的境界，标志着中国古典诗歌完成了对“心境”的表达超越。 第三部：盛唐气象——格律的成熟与诗歌的巅峰 第七章：初唐的规范与近体诗的定型 唐诗的伟大，建立在对前代文学经验的继承和对形式的革新之上。初唐诗人如王勃、杨炯等人，在格律诗（律诗和绝句）的声律、对仗、平仄上进行了精密的规范化工作，使诗歌艺术达到了一种高度的结构美。本章将剖析“永王之乱”对诗坛风格的影响，以及初唐山水田园诗派（如沈佺期、宋之问）如何为盛唐的田园牧歌奠定了形式基础。 第八章：盛唐双璧：李白与杜甫的艺术世界 盛唐是古典诗歌的黄金时代，而李白与杜甫则是这座高峰上的两座标志性山峰。本章将分别探讨： 李白： 他是“诗仙”，其诗歌体现了盛唐昂扬的浪漫精神与奔放的个性解放。我们将分析其诗歌如何融合了道家思想、游侠精神与乐府传统，形成“清水出芙蓉，天然去雕饰”的奇崛之美。 杜甫： 他是“诗圣”，其诗歌是盛唐由盛转衰的历史见证。本章将深入研究“三吏”“三别”等作品，探讨杜甫如何将个人忧患意识融入到对国家和人民的深切同情中，构建出中国诗歌史上的“现实主义高峰”。 第九章：山水田园与边塞开拓：风格的多元发展 盛唐的诗歌并非只有“仙气”与“沉郁”。王维和孟浩然将山水田园诗推向了极致，通过禅宗的意境，实现了“诗中有画，画中有诗”的境界，关注的是人与自然的和谐共处。同时，高适、岑参等人的边塞诗，则以其雄浑的笔调、异域的意象，展现了盛唐开阔的胸襟和开拓精神。本书将对比这两种截然不同的盛唐侧影，展现其内在的统一性——即对生命力、对广阔境界的追求。 第四部：中晚唐的沉思与宋词的崛起 第十章：中晚唐的审美转向：唯美、感伤与新奇 安史之乱后，唐代由盛转衰，诗歌的关注点开始从宏大的叙事转向精微的情感描摹与形式的锤炼。本章将聚焦于李商隐、杜牧等人的作品，探讨“唯美主义”的兴起——对意象的精雕细琢、对典故的运用、以及在男女情爱与历史兴亡中的感伤情调。我们将分析中晚唐诗人如何通过对既有格律的精妙变化，完成了对形式美的最后一次极致探索。 第十一章：宋词的登场：从宴饮歌妓到文人的心声 宋词的出现是文学史上一次重要的文体革命。它最初依附于音乐，在燕乐歌坊中发展，句式长短不一，更适合抒发婉约、细腻的情感。本章将追溯词的起源，并重点分析柳永如何将市井生活和羁旅行役的愁绪引入词中，扩大了词的表现领域。 第十二章：豪放与婉约的鼎立：宋词的两大格局 宋词最终确立了“婉约”与“豪放”两大流派。苏轼是打破词体界限的巨人，他主张以诗为词，将哲学思考和广阔的胸襟注入词中，开创了豪放一派。而以周邦彦、李清照为代表的婉约派，则在音律的和谐、情感的细腻描摹上，达到了后人难以企及的高度。本书将通过对比分析这两位巨匠的作品，阐释宋词如何在继承唐诗精神的基础上，找到了属于自己的独特声音与艺术空间。 结语：古典文学永恒的对话 本书最后将总结中国古典文学的整体脉络，强调其一脉相承的“诗言志”和“文以载道”的传统，以及其在情景交融、虚实相生中所体现的东方审美哲学。古典文学不仅是历史的遗存，更是我们理解当下自我、审视传统文化基因的宝贵财富。

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读完这本书，我最大的感受是“呼吸感”。作者对舞台空间和时间流动的掌控力令人惊叹。他似乎能将舞台上三维的物理存在，转化为二维的文字，并且依然能让人感受到那种空间上的压迫感或释放感。这本书的叙事节奏变化多端，有时像急促的鼓点，快速推动情节和情绪；有时又像悠长的弦乐，让情感在空气中缓缓弥漫、发酵。这种对节奏的精妙拿捏，本身就是一种高超的“表演”技艺。书中对不同文化背景下表演风格差异的对比分析，尤其精彩，它拓宽了我的视野，让我意识到“戏剧”并非一个单一的概念，而是一个在全球范围内不断演变的复杂生命体。它不提供公式，而是提供一种观察世界的角度，一种捕捉瞬间永恒的敏感性。这本书的价值在于，它不是在传授技巧，而是在培养一种“美学直觉”，一种能够分辨平庸与卓越的内在标尺。这种直觉的培养，是任何速成班都无法给予的。

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这本书的语言风格极其奔放，充满了哲思的火花和强烈的个人色彩，读起来完全不像是在读一本关于“技术”的书籍，更像是在参与一场高水平的思维辩论会。作者在行文中毫不避讳地引用了大量的哲学思考和文学典故，将舞台艺术提升到了一个更宏大的文化批判层面。它挑战了我们对“真实”与“虚构”的传统认知，探讨了演员在扮演他人时，如何同时也在不断塑造和发现真实的自我。我尤其欣赏它对“即兴”力量的赞美，强调了艺术生命力恰恰存在于那些无法预料和复刻的瞬间。它鼓励我们去拥抱不确定性，因为正是那些不确定性，才让每一次的“讲述”都成为独一无二的事件。这本书没有提供安全网，它推着读者走到了边缘，去直面创作过程中的焦虑与兴奋。它需要读者投入大量的专注力，去梳理那些层层叠叠的意象和观点，但一旦领会，那种醍醐灌顶的感觉是无与伦比的，它重塑了我对“讲述”这一行为本身的理解。

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这本书的文字简直像是一场精心编排的舞台剧，每一个词语都带着表演的张力和节奏感。它没有试图用枯燥的理论去解构戏剧的本质，而是直接把我拉进了排练场，感受那种从无到有、将文字转化为鲜活生命的激动人心。作者的笔触非常细腻，能捕捉到演员在台上面对观众时，那种微妙的心理变化和眼神交流。我特别喜欢它描述幕后工作的部分，灯光如何一点点亮起，布景如何随着剧情的需要而切换，这些细节的描绘，让原本被舞台灯光掩盖的幕后世界，变得立体而富有魅力。读着读着，我仿佛能闻到木头和油彩混合的味道，听到幕布拉开前的深吸一口气。这本书的叙事方式极具画面感，与其说是在阅读，不如说是在观看一场流动的影像，每一个场景都像是一个被定格的精美剧照，引人深思。它教会我，真正的戏剧不仅仅是台上的独白，更是台下无数次打磨和汗水的结晶，是对人性深层次的挖掘与呈现。这本书的价值在于，它将“观看”变成了一种主动的“参与”，让我对每一次走进剧场都有了全新的期待和更深的理解。它并非是教人如何表演，而是展示了“表演”这件事本身所蕴含的魔力和复杂性。

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这本书给我的整体感觉是磅礴而又内敛的，它不像一本指导手册，更像是一本资深艺术家的“私房笔记”。里面透露出的那种对艺术近乎苛刻的追求和近乎宗教般的热忱，非常具有感染力。作者似乎对每一个历史上的伟大瞬间都保持着一种敬畏，同时又敢于对其进行大胆的解构和重组。我尤其对其中关于“角色进入”的讨论印象深刻，它没有简单地归纳几种方法论，而是通过大量生动的案例，展现了不同艺术家在寻找角色的过程中所经历的心灵挣扎与突破。这种真实的、未经粉饰的记录，比任何理论都要有力。文字的密度非常高，需要反复阅读才能完全消化其中蕴含的信息量。它要求读者必须带着批判性的眼光去审视每一个论点，因为作者总是在挑战那些被奉为圭臬的陈旧观念。这本书无疑是为那些不满足于表面现象，渴望触及艺术灵魂深处的学习者准备的，它让你明白，真正有力量的表达，往往是建立在深厚的生活体验和对人性的透彻理解之上的。

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这本书的结构松散却又自有其内在的逻辑线索，读起来有一种探索古老手稿的奇妙体验。它不像传统的教科书那样线性铺陈，反而更像是一系列关于“表达的冲动”的碎片化记录，时而跳跃到某个历史瞬间，时而又聚焦于某个演员的即兴发挥。我最欣赏的是其中对于“沉默”的处理，作者似乎有一种天生的敏感，能够捕捉到语言无法承载的情绪重量。很多时候，一个角色仅仅一个停顿，就能胜过千言万语的台词，而这本书精准地分析了这种停顿背后的能量场。它并不急于给出标准答案，而是抛出更多的问题，引导读者自己去辨析表演与生活的界限。这种“开放式”的写作风格，非常适合那些已经对舞台艺术有所了解，但渴望更深层次哲思的读者。它更像是一本导游手册，带你游览在理解戏剧表演的各个山头，但具体的攀登路径，需要你自己去探索。语言上，它避免了晦涩的术语，用日常的、甚至带点诗意的比喻来解释复杂的艺术现象，使得阅读过程充满乐趣和智力上的挑战。

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